Puesto 7: The Police

Los puestos que siguen en este ránking comenzarán a tornarse un tanto predecibles tal vez. Las bandas subsiguientes siguen vivas aunque sus miembros hayan pasado al país del Nunca Jamás. El legado que dejaron estos grupos es evidente e inevitable. Y dentro de esas herencias está la de The Police. Allá por 1977 Gordon Sommers dejaba de ser un maestro de kinder garden para comenzar una de las bandas más importantes en cuanto a mestizaje musical e identidad de grupo, y de allí en más, llamarse Sting. The Police completó su formación con el único Andy Summers y el ocurrente y payasezco Stewart Copeland. Los tres tienen talentos inimitables y que han marcado un quiebre en el sonido de aquella época. No necesitamos destacar que el sonido The Police era la sumatoria del jazz, del reggae, del punk, el ska y del rock. El tinte reggae quedaba impregnado por los riffs de la guitarra de Summers. Sin embargo, esos riffs, tenían un resonar rockero que no tornaba monótonas las molodías como a veces (muchas) pasa con las guitarras de ese estilo. Sting es uno de los mejores bajistas del mainstream del rock al que se le suma la particularidad de ser la voz líder, cosa que no se ve tanto en bajistas (aunque tampoco es una rareza). El particular registro agudo que tiene dejaba asombrados hasta a artistas como Billy Joel que dijo que la primera vez que escuchó Roxanne pensó que se trataba de una mujer cantando. Hasta para una chica los gritos en So Lonely pueden ser de un muy alto rango. Y el mejor para lo último: Copeland es, probablemente, uno de los más grandes bateristas de la historia. Su fuerte siempre fue la combinación perfecta entre los golpes de "arriba" (platillos) y el uso de los pedales para los tambores. Los ritmos sincopados de la batería, los rasguidos de guitarra y los agudos de Sting hacen que todo el grupo haga su aporte para hacer de sus canciones una marca personal que muchos imitaron luego. Infalible. Tan infalible que The Police sacó cinco discos en cinco años. Su separación fue el fruto de la producción de una de las mejores piezas del rock contemporáneo: Synchronicity de 1983, grabado en uno de los momentos más conflictivos de la banda. En ese disco se encuentra la tortuosa y obsesiva Every breath you take que tantas veces confunden con una canción de amor cuando en realidad habla de un tipo celoso y acosador que lo único que quiere es controlar a la mujer que lo dejó y no dejarla vivir en paz... En fin. El tema ganó el Grammy a mejor canción del año en 1983 dejando atrás a Billy Jean de Michael Jackson, quien sí se llevara el Grammy a disco del año por Thriller venciendo a Synchronicity en la nominación.
Los egos de Copeland y de Sting comenzaron a chocar irremediablemente, a veces, estimulado por el abuso de drogas. Summers quedó siempre en el medio de esos dos egos enormes y también fue factor de su necesidad de alejamiento.
Las compilaciones de The Police son un elemento obligatorio como cualquier compilación de Queen o de Los Beatles, mantiendo a la banda viva de alguna manera.
En 2007 nos regalaron la oportunidad de poder verlos en vivo y, se podría decir, que se los vio y escuchó casi como en su mejor momento. Encima, el DVD es del recital de Buenos Aires. Hablando de egos...

Los dejo con dos de mis (80) temas preferidos de The Police, pero creo que estos están en el top 5 seguro.

Walking On The Moon


Wrapped Around Your Fingers. Una de las mejores letras de The Police en su increíble versión en vivo en diciembre de 2007 en Buenos Aires, Estadio River Plate. El video corresponde a las tomas de COpeland no más, pero realmente lo que hace con la percusión es para dedicarle la vista sólo a él y dejarnos llevar por la melodía hipnótica de esta canción.

Say No More

Escenario blanco. Fondo blanco. Cortinas blancas que cuelgan por detrás de la puesta de escena en general, que es blanca. Toda blanca y va coloreándose acorde a los juegos de luces.
Flores. Muchas flores. Arreglos florales dignos de un centro de mesa de Mirtha Legrand o de un velorio que augura el final.
Sin embargo abrimos el plano y el marco es un estadio. El Estadio Malvinas Argentinas en la zona de Agronomía. Estadio que, en el último par de años, ha sido cita para rockeros. Y sin embargo el escenario podría ser digno de María Martha Serra Lima.
Claro que vamos a hablar de un concierto. Los sonidos que hacen de música de espera, no es música de espera como en casi la totalidad de los shows. Son sonidos de vacas, de bebés, quasi electrónicos.
Una gran bizarrada. Digno de alguien o algo que siempre mantiene la intriga, que siempre parece sorprender.
La banda que se presentó el 8/11 en el Malvinas no fue la de María Marta, fue la banda que lidera el carsimático y multifacético Mike Patton: Faith No More. En su tercera visita a la Argentina (segunda en menos de tres meses de Patton) lo que marcó al show fue justamente lo que caracteriza a la banda: contraste de estilos, innovación, estilo propio e ironía. Ese escenario no era coherente con el de una banda que por momentos puede parecer Panthera y por otros The Commodors (con su ya más que archi conocida versión de la hermosa Easy), Living Colour o Tom Jones (el show abrió con una fusión de Woodpeckers From Mars y Delilah de Jones). La vestimenta de la banda (íntegramente blanca), no condice con los parámetros del hard rock o metal. A su vez, uno puede dejarse llevar por el corte de difusión de los discos de la banda a la hora de decidirse a comprarlo (o bajárselo) ya que su versatilidad pasea por muy diferentes estilos musicales.
El repertorio de FNM incluyó todos sus hits, siempre a cargo de la maravillosa y omnipotente voz de Patton, que en su presentación de septiembre en el teatro Coliseo con su banda Mondo Cane, utilizó un repertorio de cancioneta italiana. Sabiendo eso, no nos sorprende escuchar el tema Evidence cantado, casi completamente, en castellano. O que uno de los mejores frontmans del mundo del espectáculo salga a escena con un bastón y entone un tema de Tom Jones como intro del show.
El show duró una hora y veinte, más diez minutos de bises de la mano de una de las mejores versiones de la noche (un tema inédito y el clásico Who Cares A Lot). Los alaridos de Patton, al borde de quebrar su cuerdas vocales, mutan hacia ultra graves con una facilidad increíble. Su dicción es envidiable y si no fuera un gran cantante, ya se habría quedado sin voz. Da cátedra de canto todo el tiempo.
La base entre la batería de Mike Bordin y el bajo de Billy Gould son la clave del sonido arrasador de la banda y por más de que la acústica del Malvinas no es la mejor, se pudo disfrutar.
Y para cuando el show ya hubo terminado nos regala otro cover: esta vez de Burt Bucharach This Guy Is In Love With You, en donde la afinación y los ajustes de la banda se conjugan con una interpretación vocal estremecedora.
Un show completo que en menos de dos horas de duración dejó a todos contentos y completos. Un estadio repleto que se presta para este tipo de eventos. Una banda poderosa y un líder carismático que es de los más emblemáticos de los 90 para acá. Nada de más y mucho menos, de menos. Say No More.

Cris Pasión

Quise escribir esta nota desde cero. Sin leer comentarios políticos idóneos en relación a la re-eleeción de Cristina Fernández el pasado 23 de octubre. A cuatro días del aniversario de la muerte de quien fuera su marido, compañero de militancia y par de proyecto político nacional, Néstor Kirchner.
Quiero escribir este post desde lo afectivo, desde lo visceral, desde la cabeza, desde donde siento y pienso, porque ayer me pasó algo muy interesante en el momento de poner mi voto en la urna: el corazón me latía muy fuerte. Y por más de que me había pasado en la elección a Jefe de Gobierno pasada algo similar, no recuerdo que me llamara tanto la atención. Entonces, supongo, que, probablemente, esta vez el corazón me latía más fuerte. Besé el sobre y lo metí en la urna. Y empecé a dar vueltas sobre eso que me había pasado: ¿Cómo algo que ya he hecho unas 10 veces esta vez me generó algo que nunca me había generado, por lo menos no con esa intensidad? Es la primera vez que voto a Cristina (la voté en las primarias, pero con esto quiero decir que nunca había votado al kirchnerismo en la elección presidencial per se). Me di cuenta de que la emoción tiene que ver con todo lo que ya se ha dicho y sobredicho en tantos espacios de pensamiento militante o patrióticos (como prefiero llamarlos yo). Yo creo que lo que Cristina y Néstor nos han devuelto es el verdadero sentido patriótico, el de la nación integrada, integradora e inclusiva. Eso es ser patriótico y ése tiene que ser el sentido de la militancia. Por lo que no creo que haya que estar enrolado en partidos políticos, sino pensar la política, ser crítico cuando uno deba serlo, cosa que quiero que salga más del gobierno. Creo que si consolidan la autocrítica como parte del modus operandi oficial se podría enriquecer la gestión de esta mujer que me llenó de orgullos durante los últimos cuatro años y que por eso voté y elegí esta vez. Entiendo a quienes la hayan votado porque la oposición no existe. De todas formas, no deja de sorprenderme los comportamientos del electorado. Como, por ejemplo, que quienes votaron a Macri, votaran a Cris. No deja de sorprenderme que en un país (o por lo menos en una ciudad) en donde el nivel de consumo es altísimo (por ejemplo el alto porcentaje de la tasa de turismo durante los fines de semana largos o la demanda de eventos culturales) se quejen tanto de la inflación. Entiendo que las clases menos pudientes tengan reclamos en torno a ello, pero la verdad, es que si alguien puede pagar mil pesos o más para ver a Roger Waters por el show, no entiendo por qué se quejan del preEcio del kilo de tomates. Lo que pasa es que somos personas, no "electorados". Estamos llenos de contradicciones. Homofóbicos la han votado, xenófobos la han votado y, a su vez, personas que están más dentro de mis líneas de pensamiento, también la votamos. Sin embargo, yo creo que los que estamos dentro de lo que considero mis líneas de pensamiento, no sólo la votamos, sino que la apoyamos, que la criticamos donde haya que criticarla pero pidiéndole que se reivindique, porque puede hacerlo, porque tiene con qué. Porque la partida de Néstor, de algún modo, ayudó a que los humos de quienes despotricaban contra el Gobierno bajaran y entonces ella también bajó los suyos para escuchar (eso sí, no mientras enterraba a su marido como pretendía Rosendo Fraga en aquella espantosa lista de condicionamientos que publicara en La Nación a sólo horas de la muerte del ex presidente).
Como ya he dicho en este blog, Cris (como me gusta decirle a mí), no se ganó un voto conmigo, se ganó mis convicciones, porque la elegí por los puntos que ya todos sabemos: ley de medios, AUH, fin de las AFJP's, etc. Pero más que nada la volví elegir por su coraje, por profundizar, por habérsele plantado como hizo en su momento, a la oligarquía agrícola y a los valores más conservadores, ortodoxos y tradicionales de la Iglesia. Si tengo que elegir una acción que abrazó este gobierno por la que empecé a vociferar que lo apoyaba, fue a partir de la promulgación de la ley de Matrimonio Igualitario. Esa sí que me pareció una norma cuasi transgresora, más allá de que casarse sea muy poco transgresor.
Mi deseo para el futuro es que Cris se le anime a la despenalización del aborto aunque ella no lo apoye. Que pueda hacer un análisis macro de la situación, de esos que ella tan bien sabe hacer, y se empiece a tratar con la misma profundidad con la que se han tratado otras tantas políticas. Vamos por una política ambiental seria que se enfrente, de la misma forma que se ha hecho con tantos intereses sectoriales, a todas las corporaciones que con el fin de acumular más capital, destruyen ecosistemas, vida y futuro. Por una ley de protección animal ineludible y sostenida por un plan de educación ambiental.
Ya habrá tiempo para análisis fríos. Después de todo lo que ya comprobamos -del regreso de la política a los asuntos de la sociedad sobre todas las cosas- si los próximos años de Cris se enmarcaran con estos lineamientos, qué más podría pedirle yo que que me siga haciendo latir tan fuerte el corazón.

Puesto 8: Nirvana

Probablemente voy a recibir comentarios polémicos en torno a posicionar a una banda tan "nueva" por arriba de dioses y genios como David Bowie, Elton John o megabands como U2. Sin embargo, creo que eso fue lo que me determinó a ubicar esta banda de Seatlle en el puesto número 8 del ránking. La unión de Kurt Cobain, Dave Groll y Kris Novoselic es una pieza clave de la historia de la evolución de la música.
Las razones: es una banda de la década de los 90's, o finales de los 80's, que ha marcado a las bandas posteriores como pocas. Piensen en el contexto socio/político/económico que eso supone. Sus videos, sus conciertos, todo siempre tuvo una mística muy particular, tal vez, casi a la altura de los de The Doors. Claro, ambas bandas tuvieron líderes conflictuados, de una sensibilidad que podría considerarse el factor de su unicidad. Tanto Jim Morrison como Kurt Cobain eran poetas. Sin embargo, en algún punto, tal vez Jim pudo manejar mejor el glam que Kurt. Ya hablé de lo que Kurt singnificó en la cultura de mi generación y en sus sucesores en otro post de este blog. Resumiendo: sus dolores crónicos de estómago que lo llevaban a consumir heroína, placebos y alcohol para disfrazarlos eran el resultado del no poder soportar ese mundo. La vorágine a la que se exponía una banda creando poesía en un contexto político, económico y social en donde todo se abría. Todo era destape, borrar los límites y derribar barreras. El problema era que en general, la poesía, por más de que se haga para difundirla, es una parte muy profunda de personas como Kurt y el exponerse a ese gran destape terminó destruyéndolo. Así fue que el Unplugged que Nirvana hiciera en 1994, pocas semanas previas al suicidio del cantante y corazón de la banda, se transformó en una perfecta representación de lo que Kurt estuvo tratando de decir durante su último año de vida. Tal vez intuyendo su final, tal vez, simplemente, esa mirada al final de Where did you sleep last night? es pura casualidad.
Tanto Bleach como el masivo Nevermind (que logró correr ni más ni menos que a Dangerous de Michael Jackson de los ránkings) y el hermoso In Utero muestran la evolución de una banda que marcó a sus contemporáneos, tales como Alice In Chains (recomiendo su excelente Unplugged, tan bueno o mejor que el de Nirvana), Soundgarden y los inmensos Pearl Jam u otras como Oasis o Blur.
La corta historia de Nirvana en años, es inversamente proporcional a las influencias y al recuerdo de Kurt Cobain en la vida del rock, grunge y de la cultura popular.


Where Did You Sleep Last Night durante la grabación del mítico Unplugged de Nirvana. No se pierdan la mirada de Cobain llegando al final del tema. Es escalofriante.


Heart Shaped Box en el último show de Nirvana y permítanme: Kurt es el hombre más hermoso del rock.


Perdón el exceso, pero no podía dejar afuera mi canción preferida. In Bloom.

Vida portátil

La película Medianeras reflexiona sobre las relaciones humanas en el contexto tecnológico/urbano de hoy. Pero no podemos frenar ahí, ya que, de más está decir, que cuando hablamos de esto, no podemos dejar de lado los cruces y las resignificaciones que los vínculos han sufrido durante la última década. La humanidad está plagada de “seres” tecnológicos que invaden o acompañan nuestras vidas. Incluso, los edificios que conforman los paisajes de las grandes ciudades y la forma en que éstos están dispersos codifican y hasta determinan la forma en que los lazos entre las personas comienzan, se gestan y terminan. Podrían ser las tecnologías de nuestro hábitat.
Las tecnologías de la comunicación, se han colado en nuestras vidas como la luz que entra de las ventanas construidas ilegalmente sobre las medianeras. Podría pensarse que la necesidad de luz que tenemos cuando habitamos en departamentos de espacios cada vez más acotados, como se está dando en los últimos años en la vida urbana (salteando explicaciones socio económicas), es tan pujante como la necesidad que sentimos hoy por hoy de tener un celular o Internet y así poder estar conectados todo el tiempo (¿conectados a qué?). Se nos hace casi inconcebible vivir sin uno, aunque realmente no lo queramos, creando así una especie de “histeria social”.
Por su parte, los edificios parecen erguirse más arriba y más arriba, tratando de llegar al cielo que cada vez vemos menos; enredados entre cables de la telefonía móvil que se interponen entre nuestra visión desde la calle hacia los últimos espacios celestes que, de alguna forma, lo que hacen es representar nuestro distanciamiento físico: para qué llegar a horario si tengo el celular y puedo avisar dónde estoy, a cuánto estoy, y pocas veces cómo estoy.
Las fobias, ataques de pánico que han tenido su popularidad más alta en los últimos diez años, hacen que nos guardemos en nuestros hogares. Ya no se necesita ni salir para ir al cine, y menos que menos, para alquilar una película o ir a buscar la pizza. Hasta tenemos la máquina para hacer el pan que lo hace por nosotros sin que tengamos que ni siquiera hacer la esponja de levadura. La reflexión más inmediata es que todas las tecnologías, supuestamente, desarrolladas para hacer la vida del hombre más cómoda o sencilla, parecen haber mutado hacia un perfil de enclaustramiento, aislamiento y sedentarismo. Porque esa conexión constante, eterna, con todo y a todos y en las condiciones en que se propician, termina resultando lo mismo que la desconexión total con el afuera y el otro.
Porque en las ciudades, el cielo se tapa, pero el tiempo vuela. Y ya no hay ni tiempo para cocinarnos ni reunirnos. Los espacios, cada vez más pequeños, en donde habitamos ni siquiera tienen mesadas para cocinar. Los monoambientes afloran sin crear un espacio real para reunirnos con otras personas. Sólo poner nuestras camas. Y aquel que se atreva a querer una casa con espacio para recrearse con amigos, que pague más. Más de lo que ya es bastante más. Sobretodo, si es que estamos alquilando.
Nació también “la cultura del identificador de llamadas” (salvando excepciones en donde es necesario). Cada vez que alguien nos llama ya casi no hay ese resto de sorpresa de decir: “alguien está pensando en mí, ¿quién será?” Ya lo sabemos desde antes de (no) atender. Y de más está decir que la más famosa pregunta que surgía tan naturalmente de nuestros labios cuando llamábamos a las casas de nuestros seres queridos quedó casi en el olvido: del “¿Cómo va todo” o “¿Cómo estás?” a “¿Dónde estás?” o “¿Con quién estás?”. Llamar a la casa de la persona con quien queremos hablar, o ser atendidos por otra persona antes, ha sido desplazado por el aviso vía mensaje de texto de que se va a llamar a la casa de esa persona, si es que se llama al fijo. Ni hablar del auge de las conversaciones íntimas en transportes públicos donde nos enteramos de todas las miserias y quejas de cualquiera que decida hablar por teléfono a viva voz en el medio del bondi.
Las tecnologías del control han ganado su batalla más difícil: pasar de ser repudiadas como es el caso de las censuras en los medios de comunicación, o del panóptico de las cárceles, a que todos quieran webcams, facebooks, twitters y celulares para saber del otro, si está disponible o no disponible, cómo se ven, sin siquiera salir de sus cómodos sillones computadoriles, o incluso, de sus camas. Los lazos que nos unían han sido reemplazados por la vida Wi-Fi. Eso lazos, que eran ni más ni menos que nuestra presencia, ahora son letritas que se van achicando cada vez más ante el tamaño de lo portátil. Ya no hay tiempo para sentarnos a hablar o para escribir o para cocinar, sólo andamos.

Puesto 9: Michael Jackson

A mí no me gusta - lo que se dice ME GUSTA- Michael. Sin embargo conozco casi todas sus canciones, vi varias presentaciones en vivo, sé el nombre de todos sus discos y cuándo empezó a no ser negro ¿Hay algo de maravilloso en esto? No ¿Por qué? Porque casi todo el mundo que tiene un mínimo interés por la música en general lo sabe y aquellos que no tienen interés en la música han sido atrapados por el morbo de las mutaciones de Jacko y su vida cargada de acusaciones y declaraciones polémicas, incluida, decir que él era Peter Pan (sic). Y hasta arriesgaría que, en los últimos años, su hermana menor, Janet, supo hacerle más honor a su apellido con discos como Janet, The Velvet Rope, All For You y Discipline.
Sin embargo, creo que no hay artista pop en este planeta que no esté influenciado por este ser. No hay artista soul en esta Tierra que no haya sentido el swim de los Jackson Five con la voz de Michael cantando Where you are o I Want You Back o la tan reversionada I'll Be There (gran versión de Mariah Carey en su Unplugged de MTV cuando aún cantaba en vez de gemir). Hasta el rock ha sido tentado por el beat de Billy Jean: recordemos que, por ejemplo, Chris Cornell hizo su versión de dicho tema o que Eddie Van Halen la descose en el solo de guitarra de Beat It. Los dos primeros discos de Michael, Off The Wall y el multi híper archi platino Thriller, son consideradas aún por mí, gemas de la música comercial de la mano de la producción del genio de Quincey "tengo-más-onda-que-nadie" Jones. Ya he hecho una necrológica del rey del pop en este blog en donde expongo claramente porqué considero que debe estar en este ránking. Es inmortal ese ritmo y te va a trapar.


El tierno Michael en Jackson Five haciendo I Want You Back.


De su primera producciòn solista (y disco preferido mío) Off The Wall, el ritmo más contagioso del Jackson de los 80, con sólo su nariz operada, Don't Stop Till You Get Enough. Gran video.

Puesto 10: U2

Mmmmmmm. Debo confesar que dudé mucho en poner a esta banda en mi lista, sin embargo, luego de pensarlo mucho, de debatirlo mucho y de escuchar The Joshua Tree, Achtung, Baby! y Zooropa me dije: má' sí.
U2 es la banda fácil. Casi como Queen, sólo que Queen por lo menos tenía a un puto con sida que la hacía más difícil.
Confieso que la postura cool de Bono me molesta mucho y que no le creo mucho a sus discursetes políticamente correctos que tratan de incomodar a los más poderosos al mismo tiempo que les saca una sonrisa. Los Bono Moments (como bautizara mi gran amigo Sendra en el recital que presenciamos juntos en cancha de River allí, por marzo de 2006) me aburren por demás.
Y sin embargo, un gran PERO: pero The Edge, pero los tres discos que nombré, pero Adam Clayton, pero Larry Mullen Jr. pero tantas canciones casi perfectas y PERO BONO ES ÚNICO: como canta, como interpreta, como cambia de personaje con una facilidad actoral soberbia. Así que, por más de que sea una banda fácil, a veces está bueno no tener que justificar todo lo que a uno le llega. Simplemente nos llega.

Discos: The Joshua Tree, Rattle And Hum, Achtung, baby!, Zooropa, All That You Can't Leave Behind.


Where The Streets Have No Name. Probablemente la mejor canción para tocar en vivo de la historia. Esta versión le ganó a la de Bad de Zoo TV. Disfruten.


Stay (Far Away So Close), el día que lograron enamorarme.


In A Little While ¿Entienden por qué no podía dejarlos fuera? La canción que más me moviliza de U2 junto a One, Love Is Blindness y All I Want Is You.

Amy Winehouse 1983-2011

Dos discos brillantes. Una voz única. Performances aún más maravillosas que la unicidad de su voz. Un apellido que marcó su vida de adicciones. Se la va a extrañar horrores a pesar de haber estado poco tiempo en el cielo de las estrellas talentosas como Janis, Kurt, Jim, etc, etc. Pero al igual que la de ellos, su luz, brillará por siglos.
Te amamos, Amy.

Los dejo con mis dos canciones preferidas de su último álbum e hito de una carrera que recién comenzaba.


Su mejor interpretación haciendo Love Is A Losing Game con una hermosa presentación de Jooles Holland.


My Tears Dry On Their Own: "She walks away, the sun goes down."

Puesto 11: David Bowie

Constantemente se pone bajo la mira a los músicos/artistas por su capacidad de evolucionar, innovar, transgredir, derribar prejuicios y encontrarse en una dimensión que ya no pueda catalogarse. Muchas veces quiere tildarse de aburridos y encasillados a algunos músicos por hacer discos dentro de un mismo género y estilo a pesar de que, realmente, esté bien hecho (como los Red Hot...). Otras tantísimas veces, se pone bajo la lupa al artista cuando se arriesga a un lugar no seguro; se lo denosta (la costumbre auditiva a la música y al reconocimiento inconciente de que matchee "ese músico" con "ese estilo" es mucho más fuerte y definitoria de lo que podemos imaginarnos).
Y entonces, apareció Bowie.
Este ser intergaláctico que descendió de la nave de Ziggy Stardust. Un artista que "suicidó" a su alter ego (Ziggy Stardust) para hacer un cambio de imagen y de sonido. Un precursor de la androgenia, del glam rock y del plastic soul -soul cantado por blancos-; padre del pop de bandas como Scissor's sisters, pasando por Blur, Madonna y Lady Gaga. Es un referente ineludible a la hora de hablar del rock en todas sus facetas. No sólo su voz marca su obra sino que el contenido de su producción es de un alto valor artístico e intelectual.
En el año 1981 colaboró con Queen lanzando el mejor tema de esa banda, Under Pressure, no sólo por su melodía, arreglos y composición, sino por unir a dos de las mejores voces que el mundo jamás conoció y conocerá.
La película Velvet Goldmine intenta retratar el mito de su relación con Iggy Pop, rock stars en su más alto exponente. No se la pierdan. Y desde ya, imperdible su actuación como el Rey de los Duende, Jareth, en Laberinto (suprema banda de sonido a su cargo).
Bowie no sólo es inimitable por otros, sino, que es inimitable por sí mismo. Dadaísmo puro.

Discos: The Man Who Sold The World, The Rise And Fall From Ziggy Stardust And The Spiders From Mars, Young Americans, Low, Heroes, Scary Monsters, Let's Dance y Hours.


Dios! Dios!
Escalofríos de principio a fin (sobretodo en el fin) David con Annie Lennox en el Tributo a Freddie Mercury en 1992.


En su etapa bailable, Let's Dance la rompe

Puesto 12: Elton John

Todos, absolutamente todos los músicos que han compuesto una balada post Elton John le hacen un homenaje a este hombre. No lo encasillemos sólo en su alta capacidad para componer este tipo de canciones, sino para componer todo tipo de canciones. Pero es cierto que su sello más fuerte está en la musicalidad que logró conjugar en las baladas.
El fuerte de Elton nunca han sido las palabras. Bernie Taupin fue quien le puso letra a las creaciones musicales del inglés de los anteojos locos durante toda su carrera, hasta el día de hoy.
Axel Rose declaró que November Rain no es más que un homenaje a las canciones de John y Robbie Williams dice que si no fuera por el Gran Elton, Angels, no existiría.
Toda la primera etapa de su carrera es inspiradora para cualquier músico pop. Desde Your Song de su segundo disco Elton John, pasando por Cocodrile Rock hasta Good Bye Yellow Brick Road o Tiny Dancer y más y más. Imposible dejar afuera Candle In The Wind, su tributo a Marilyn Monroe, tanto en su versión en vivo como de estudio. Esta joya se tranformaría también en el sencillo más vendido de la historia cuando la reversionara en referencia a la muerte de, su amiga, Lady Di.
No es posible obviar el disco que le devolvió el sello Elton a sus canciones luego de sumergirse en formatos muy comerciales durante los 80 y 90, Songs From The West Coast (sin querer decir que no haya generado hermosísimas canciones durante esos períodos).
Es obligación para cualquier músico de oído un poco refinado, tener en cuenta a este mentor de compositores en cualquier etapa de la vida.


La mejor versión de Candle In The Wind, interpretada por Elton en Australia cuando aún se vestía de Elton. Escuchen ese piano tan característico: no para de andar y andar y andar.


Desde Songs From The West Coast, uno de mis videos preferidos con el hermoso Robert Downey Jr. para interpretar una de las letras más perfectas del planeta Tierra: I Want Love

Puesto 13: Aretha Franklin

Pocas voces pueden permanecer casi intactas con el paso del tiempo. Los intérpretes del soul son de los que más han influenciado a cantantes del rock y del jazz al mismo tiempo. Arteha Franklin es sin dudas la mujer que más ha influenciado las voces femeninas de todas aquellas que pueden cantar (con poder cantar no digo emitir una linda voz, sino que con su voz, mueven montañas). Nos gusten o no, cantantes como Mariah Carey, Whitney Houston o hasta la joven Joss Stone o Annie Lenox tienen una huella (más pequeña o más obvia) en su registro vocal que nos remita a la enorme (en todo sentido de la palabra) Aretha Franklin.
Hija de un pastor Aretha comenzó a cantar casi antes de terminar el primario y desde ahí no paró. Acompañada por su piano o sin él, la capacidad de esta diva indiscutida de cantar tonos altísimos como si estuviera hablando por teléfono con su mejor amiga, se han impregnado en el pop y el rock de los 70 hacia los 90 predominantemente.
En 1998 VH1 convocó a Shania Twain, Gloria Estefan, Mariah Carey y Celine Dion a lo que fue el primer concierto DIVAS de la cadena en MTV (el único que realmente pudo considerarse que se trataba de divas teniendo en cuenta que los siguientes tenían a Miley Cirus y a Kelly Clarkson como referentes de dicha categoría). Pero claro, cuando la listas de intérpretes además incluía a Artha Franklin y a Carol King, quedaba más que claro que las otras cuatro les rendían homenaje. Véanlo y escúchenlas acompañarla.


DIVAS 1998 cantando por primera vez en vivo junto a Carol King, autora del tema Natural Woman que popularizara en la década del 70.


Junto a su piano, Bridge Over Troubled Water

Puesto 14: Elvis Presley

No hace falta ser un fanático de la música para conocer a Elvis. Elvis se convirtió en un ícono del rock y de una cultura antes que nadie. Fue al rock lo que Eminem al rap, claro, salvando enormes diferencias. Elvis pintó de blanco lo que más pintado de negro estaba en ese momento. El mundo del R&B y el rock and roll se rindieron a sus pies, ante sus movimientos, ante su jopo, ante ese labio fruncido hacia arriba y esa mirada de niño triste que generó los primeros gritos alocados en el público al presenciar un espectáculo musical.
En varias presentaciones televisivas, lo grababan de la cintura hacia arriba para que sus caderas y su pelvis no bailaran ante la mirada de tantas niñas que hasta ese momento no habían podido ver a un hombre hacer tanta demostración de su sensualidad como parte de su espectáculo en un contexto masivo/popular.
Desde antes el rock venía siendo un estilo de vida y una cultura más que los demás géneros musicales -a pesar de que cada uno de ellos resignifican prácticas en sus modos de consumo. Pero ninguno como el rock, y ninguno pudo tener referentes como, lo es a este género, un rock star. Y Elvis fue el primero. Es interesante ver que por ejemplo, en Argentina, desde Sandro hasta Pocho la Pantera quieren parecérsele. Elvis traspasó a los entendidos de un género, es más que Sinatra habiendo vivido mucho menos. Y desde ya que su repentina muerte (haciendo honor a su nómina de rock star) lo transformó en un mito.


Love Me Tender. Elvis no necesitaba de nada para envolvernos con su interpretación, ni de altas notas, ni de grandes escenarios. Sólo él y esos graves susurrados en esta hermosa canción.

Puesto 15: Bob Marley

Seamos sinceros. El reggae no es un género musical con muchos márgenes de creatividad. Para que un tema sea reggae, primero que nada tiene que ser eso, reggae. Y segundo, también. En cuanto se le hace alguna variación ya es Ska, o pop playero, o tantos otros nombres que han ganado terreno sobre lo que es el género en sí. Por eso, porque tiene muy pocos aditivos que lo enmarquen dentro de las pautas que lo definen como tal género.
Pero no se puede olvidar al héroe del reggae. No puede olvidarse nadie de Bob Marley. No sólo porque hacía que todas su canciones reggae sonaran como si cualquier otra banda perteneciente a cualquier otro género pudieran reversionarlos, sino porque interepretaba como ningún otro en su mambo. Porque difundió la culutura Rasta mucho más allá de Centro América e hizo que muchísimos artistas de elite se sintieran afectados por esta cultura subalterna.
Bob Marley hace que cualquier tema reggae suene igual, menos los suyos. Inalcanzablemente único, su mito se acrecentó tras su muerte en 1981 a causa del cáncer. Sin embargo puede decirse que es imposible dar por muerto a este Dios Jamaiquino, que lo es literalmente para la cultura Rasta.

Discos: Burnin', Catch a Fire, Exodus y Survival (Más el legendario compilado Legend, valga la redundancia, que hizo que tantos de nosotros nos acercáramos a la música de este genio)


Joya: Concrete Jungle en la BBC

Puesto 16: Tina Turner

Si hay un estereotipo de mujer luchadora, que luego de las peores tormentas logra imponerse ante un mundo machista a fuerza de talento e intentos y más intentos; ese estereotipo, lo inventó Tina Turner. Ana Mae Bullock nació un 26 de noviembre de 1939 en Nutbush, ciudad a la cual le dedica su hit Natbush City Limits. Hija de una obrera y un bautizador, Anna se dedicó a cantar en la Iglesia de su pueblo. Desde ahí hasta su consagración como solista femenina, todo es parte de una historia para retratar en una película. De hecho así lo hizo Brian Gibson en 1993, basándose en la autobiografía de la mismísima Tina Turner.
Tina entonces, no siempre fue Tina, antes fue Anna Mae. Pero un buen día, frecuentando los bares del Motown, conoce al hombre de su vida: Ike Turner (por más palos que le pegara, el tipo la puso donde ella empezó). Después de casarse, años de abusos, golpes, drogas y lo que todos sabemos, Tina logra dejar a Ike, pero no a Turner. El apellido lo mantuvo. Mucho había hecho para que quedara en la historia de la música. Ninguna otra mujer canta sobre un escenario con las tripas como lo hace Tina. Bueno, sí, Janis Joplin. (Hoy por hoy Beyoncé... mmmmm podría seguirla). Es la mentora de todas y hasta la creadora del concepto de show como Madonna luego desarrollaría hasta su mayor exponente.
Los dejo aquí con su versión en vivo de Missing You y otra junto a Beyoncé en los Grammys! Imperdible

Puesto 17: Stevie Wonder

Hay pocos seres que aún caminan estas tierras que cuentan con el honor de haber creado algo dentro de la historia de la música. Stevie Wonder a la edad de 13 años lanzó su primer sencillo: Fingertips del sello Motown formando parte del disco Recorded Live: The 12 Year Old Genius. A partir de allí no hizo más que generar obras únicas en su creación y en su interpretación. Ray Charles y Stevie Wonder cargan consigo el haber sido los dos exponentes de la música soul y/o funk que más influenciaron en las formas de cantar a cantantes contemporáneos: desde Michael Jackson a Adam Levin de Maroon 5 pasando por Alicia Keys, Mariah Carey y Withney Houston más tantos otros. La unicidad vocal de Wonder es una de sus más importantes huellas, sin embargo, hay que destacar que está científicamente comprobado, que Stevie le saca un sonido a la armónica que nadie, nadie en este planeta logrará repetir.
Es muuuuuuy difícil elegir una presentación que sobresalga entre todas las maravillas que nos dio y da Stevie. Los dejo con tres así eligen!
Discos: Talking Book, In Square Circle, Songs In The Key Of Life, Innervisions y Hotter Than July


Stevie mantiene su voz como el primer día en esta versión de Lately


EL joven Wonder (joven maravilla) nos da una clase magistral de buen R&B funk y soul en esta versión bestial de Superstition


Ahora podemos morir

Puesto 18: Queen

La banda a la que muchos imitan. El hombre al que muchos quieren parecerse. El guitarrista que sacó un sonido de su guitarra entre lo sinfónico, la dramaturgia y el hard rock. Queen es una banda para todos los gustos.
Se evidenció, a partir de la muerte de Freddy Mercury, que Queen era pasión de multitudes. Que era de esas bandas que te llenaban un estadio en cualquier país del mundo y que la voz de su frontman abarcaba al planeta entero. No se ha cruzado nadie por el camino de esta bloggera que haya desacreditado a la voz, presencia, carisma y capacidad de interpretación de Don Fred.
Hasta los más homofóbicos se encuentran entristecidos por la muerte de Mercury y declaran que es la única banda de un puto que vale la pena escuchar. Porque Queen fue uno de los pioneros del hard rock allá por los 70's y porque nunca nadie podrá olvidar a ese gran cantante de los bigotes negros.
Quién no tiene lso dos volúmenes del Greatest Hits de Queen, el de la tapa azul. Un "must" luego de la muerte del líder.
Creadores de la primera canción más extraña del mundo y paradójicamente, una de las más populares, Rapsodia Bohemia, que hizo a los headbangers sacudir sus cabelleras al ritmo de la ópera.

Discos: A Night At The Opera, Live At Wembly '92, The Game, A Day At The Races, Greatest Hits Vol I & II.

Puesto 19: Prince

Probablemente llame la atención, que en este ránking muchos de los solistas que aparecen son seres que juegan con la sexualidad y con la presencia del cuerpo -y la identidad- desde donde más se lo puede esperar a donde menos. La razón es porque el arte es interpretación, y la interpretación en el arte radica en los modos de decir y de no decir. Eso, para los humanos, se representa en la sexualidad (por ende en los cuerpos).
El puesto número diecinueve es uno de los mejores exponentes de esto: Roger Nelson, alias Prince, alias The Artist, alias ese-símbolo-que-es-the-artist-y-que-no-lo-puedo-poner ¿Cabe dudas de por qué lo pongo como ejempo de representación en el arte? Prince no es, Prince representa. De hecho, representa de tal forma que no sé cómo nombrarlo.
Desde su primer disco lanzado en 1978 hasta la actualidad, este genio del Motown/pop/funk/rock, nos ha paseado por su talento y creatividad (hasta ha demostrado ser un excelente bailarín). Purple Rain es uno de los mejores temas de los ochentas (y diría de más acá también). Puede hacer temas bailables como Kiss, When Doves Cry, Cream, rarezas como The One, Sign Of Times y bellezas como The Most Beautiful Girl In The World o Diamonds And Pearls. Pocos quedan tan genios como este enanito que en 1993 dio el show más express que hemos visto en la Argentina, pero que más culto generó. Alabados quienes allí hayan estado.
Les dejo aquí una joya de la cual no estaba enterada. Sin duda, una de mis canciones preferidas sobre este planeta: While My Guitar Gently Wheeps de George Harrison. Esta versión fue tocada por sus amigos Tom Petty Y Jeff Lynne en el año 2004 cuando George entró al Hall Of Fame. El tema de por sí es excelente, pero vean quién se suma al final, haciendo llorar a esa guitarra y a cualquier ser vivo con un mínimo resto de sensibilidad.


Prince, se suma sin hacerse notar a esta versión de While My Guitar Gently Wheeps. Hacia el final, su presencia lo es todo, mientras Dhani Harrison (se darán cuenta en seguida de quién es)lo mira atónito ante esta hermosa interpretación.