Smells Like Teen Spirit: Discos Pubertosos

La década de los 90's es considerada por este blog como una de las más brillantes de la música después de los 70's y 60's. Los pocos géneros musicales nuevos que podemos destacar surgen de finales de los 80's y se afianzan en esta década, como el tecno pop, el rock progresivo alternativo y desde ya, el Rap o Hip hop. A comienzos de los 90's yo estaba en la primaria. Para la segunda mitad ya cursaba mi secundaria en el ILSE, etapa que marcó muchísimo mis tendencias musicales. Lejos de dedicarme a los asuntos que atañen a todos los adolescentes de esa época (chicas, chicos, escavio y salidas) prefería quedarme en casa descubriendo la MTV Latina, que en aquel entonces emitía programas como Lado B, Nación Alternativa, Headbangers o los bellísimos MTV Unpluggeds cuya esencia en ese momento era la de desnudar al artistas y sus canciones al mínimo exponente.
En uno de mis tantos brotes nostálgicos me propuse sistematizar esos discos que tanto marcaron esta etapa. Voy a tomar como punto de partida 1994 (fin de mi primaria) por ser el año en que el MTV Unplugged de Nirvana se lanzaba al mercado y por la muerte de Kurt Cobain, punto de inflexión en la evolución musical de fin de los 90's hacia el 2000.
Remarco que no se tratará de un ránking. Los discos que vaya posteando son parte de mi historia, y en este caso, no voy a darles jerarquía por su calidad. Simplemente traerlos a colación para que todos puedan identificarse, y por qué no, hasta descubrir alguno.

Nirvana MTV Unplugged

Hasta Nevermind nunca le había prestado atención a esta banda. Con once años también no es muy estándar que una niña le prestara atención a un grupo como Nirvana. Liderada por un incomprendido social.
Sin embargo, el surgimiento de la MTV Latina me acercó a conceptos que no había tenido en cuenta a la hora de consumir música por mí misma, lejos de la influencia rockera paterna.
Así fue como un día el video de In Bloom cautivó mi atención y paré la oreja ante este trío de Seattle. No fue la rebeldía de Smells Like Teen Spirit sino el videito en donde Cobain, Grohl y Novoselic parecen ser unos nerds freaks sesentistas (algo así como Weezer en el video de Buddy Holly) con lo que me sentí identificada.
Cuando MTV emitió el Unplugged de Nirvana, grabado en Nueva York en noviembre de 1993, antes de que Kurt comenzara con la serie de internaciones que evidenciaban su estado de salud mental, estaba ansiosa por lo que podía ver y oír.
En este disco además participaba el nuevo integrante de la banda, Pat Smears, que ni siquiera había estado en el disco inmediatamente anterior, In Utero de septiembre del mismo año.
El repertorio de este concierto/disco incluía un par de "hits" de la banda como About A Girl o Come As You Are, pero de Smells Like Teen Spirit, ni un acorde. Tiene versiones de temas de David Bowie, The Vaselines e incluso de otra banda de grunge de la época, The Meat Puppets, quienes tocan en el mismo concierto como invitados.
Mucho ya se ha dicho en torno a la atmósfera que se creó en ese lugar. Un clima agradable, de amigos zapando, pero a su vez, como si hubiese un fantasma de despedida rondando el estudio.
Ya he posteado en este blog la interpretación del tema final, Where Did You Sleep Last Night?, la canción en la que Kurt suspende su mirada como queriendo decir algo, a todos, a nadie.
La que les dejo hoy, es más sutil, mi otra canción preferida del disco, Something In The Way, originalmente parte de Nevermind. Nunca me es fácil hablar de Kurt, no sé porqué. Busco algo en esa manera.

Tomboy: cuando el sexo es género

Tomboy: marimacho.

La premiada película de la francesa Céline Sciamma cuenta la historia de Laure, una niña que quiere ser Michäel (Miguel).
Aprovechando la mudanza a un nuevo vecindario, en donde ella y sus familia son totales desconocidos, Laure logra realizar su deseo de ser un niño.
A diferencia de muchas concepciones en torno a los chicos trans, la familia de Laure es afectiva, contenedora. Ella simplemente quiere ser varón.
Padre, madre y dos niñas. La hermanita menor de Michäel, Jeanne, es la femineidad infantil en su máxima exponencia. Mientras su hermana mayor busca en el espejo encontrar el varón y escupe en el lavabo probando cuán lejos llegan sus escupitajos, Jeanne, se pone el tutú y juega a la bailarina en su casa.
La cuestión del género como algo cultural se encuentra sosteniendo la teoría de tantas feministas como Judith Butler de que el par género/sexo no pueden ser disociados.
La escena en que los niños van a nadar busca la sexualización de esos cuerpos infantiles. La sexualización no desde lo genital, desde la lujuria, sino desde, justamente, la apropiación del género por nuestros cuerpos: el sexo.
Entonces, el tener vagina o pene no es lo que define nuestro sexo y como lo vivimos, sino, las prácticas en torno a ello.
Todos los "ritos" que definen a la sexualidad como jugar a la pelota o jugar a la bailarina, pelearse con los niños o maquillarse entre chicas son utilizados en el guión para demostrar que no importa si el que lo hace tiene como sexo masculino a femenino, sino cómo lo porta. De hecho cuando Laure/Michäel decide jugar al fútbol ante el comentario de su amiga Lisa de que no tenía permitido jugar porque era nula, la rompe. O cuando se agarra a trompadas con un muchacho que molesta a Jeanne termina siendo quien gana, así como en un juego de fuerza es ella/él quien sale victoriosa/o.
Lo asexuado del cuerpo infantil, que no demuestra diferencias casi entre "machos y hembras" hasta pasados los 10 años aproximadamente, aquí es totalmente sexuado, de nuevo, por la cuestión del género, sin necesidad de mostrar genitales.
Ahí está la mano de la directora, que encuentra una forma perfecta de plantar esta teoría, rodeándose de unos niños que conmueven en cada escena.

Robin

Las armonías en el mundo de la música son clave. La perfección de una canción puede llegar a depender en un 90%, para el criterio de esta blogger, en la calidad de los arreglos vocales. Por eso, temas como Because de los Beatles, ha conmocionado a altos niveles de tolerancia los nervios capilares que recorren mis bracitos. Sin embargo, otras de las bandas que se han encargado de este tipo de emotividad en mí y en miles de generaciones (más de las que se pueden imaginar) son los Bee Gees. Muchos han relacionado a estos tres hermanitos con falsestes insoportables, porque es cierto, Barry (el mayor) se ha encargado de dejar como sello de sus últimas décadas dicho recurso vocal. Sin embargo, son tanto más que eso. Y Robin, quien hoy, 20 de mayo falleció con sólo 62 años por un cáncer que lo perseguió y lo persiguió durante un año, fue parte de ello. Robin muere de la misma enfermedad que su mellizo Maurice hace 9 años. Si quieren llámenlo casualidad. A mí, me cuesta mucho otorgarle una categoría de tan poca importancia a ciertas cosas. El sonido de Bee Gees en sus comienzos se relacionaba más con el folk/pop. En ese estilo han producido bellezas como Massachussets, To Love Somebdoy, How Can You Mend A Broken Heart, I Started A Joke (El Tema de Robin) y veintenas más. Luego, con la revolución musical de los 70's los hermanitos Gibb prefierieron rotar hacia lo más comercial y claro, cambiaron la música disco. Adueñándose de arreglos típicos de la música funk basada en los bajos y las bases rítmicas bien marcadas, lanzan la banda de sonido de Saturday Night Fever y nadie salía el fin de semana sin caminar al ritmo de Staying Alive. Con un excelente gusto, con armonías perfectas. Nos guste o no, se adueñaron de eso y marcaron la cultura disco casi como nadie junto a Donna Summer, por más de que grandes bandas del funk y soul como Earth, Wind & Fire o Kool & The Gang hicieran lo suyo también. Por eso me pone triste la partida de Robin. Porque fue parte de un fragmento de la historia que muchos desacreditan pero que es indiscutiblemente revolucionaria en la música. Sin Disco no hay ni electrónica ni R&B. Y los arreglos en las canciones de los Bee Gees, siguen siendo referentes de afinación, sutileza y sentimiento. Así... Robin en su máximo exponente. La bellísima How Deep Is Yor Love.

Orgasmo ideológico

Ayer fue un día histórico. Para nuestro país, para el mundo, para la democracia. Se dio uno de los pasos más importantes que se puede dar dentro de un sistema que excluye a las minorías y a los que viven (o intentan morir) de una manera distinta. En la Argentina, ayer, se hicieron ley los proyectos de identidad de género y muerte digna. En concreto: una vez que el Ejecutivo promulgue ambas leyes, todos los argentinos tendrán derecho a elegir su identidad en relación a su género y todo argentino que sufra enfermedades terminales o esté en estado vegetativo podrá optar por evitar el "encarnizamiento terapéutico" que prolonga la vida aún cuando no haya expectativas de mejoras en la salud. La sanción de estas leyes, está logrando que los seres humanos que habitamos esta tierra tomemos las riendas verdaderamente de dos de los grandes aspectos que definen la vida: quiénes somos y cómo morimos, porque, aunque suene trillado, la muerte es parte de la vida. No se puede pensar una sin la otra.
Desde el punto de vista filosófico e ideológico es tanto lo que se puede hablar, debatir, combatir. Sin embargo yo prefiero quedarme con esta idea: este aporte jurídico alimenta a la democracia de una forma en la que pocas cosas lo pueden hacer en cuanto a derechos individuales, desde ya. He repetido en distintos posts la necesidad de sancionar una ley que regule la situación de los abortos practicados en el país y muchísimas leyes que trabajen en relación a los cuidados del medio ambiente y todos sus habitantes humanos y no humanos. La ley del matrimonio igualitario, la ley de medios, la asignación universal por hijo; todos ellos son enormes pasos hacia avances impensados hace 10 años atrás por esta bloggera y me animo a decir, por muchos compatriotas. Sin embargo aquí estamos. En un país en donde un chico menor de 18 años podrá optar por su género, más allá de la oposición de sus padres. Donde cualquier persona mayor de 18 años podrá hacerlo sin ningún tipo de traba judicial. Un país en donde las obras sociales y prepagas deberán cubrir tratamientos hormonales y realizar las cirugías de cambio de genitales (yo no considero desde mi ideología que el sexo y el género sean dos líneas paralelas) y los médicos que asistan a los pacientes a dejar sus tratamientos no serán penados por la ley. Donde la vida y la muerte se hermanan en su dignidad y no se dividen dejando al fin de nuestras vidas como un espacio marginado y estéril. Felicito y me honran todos los senadores y diputados que han hecho esto posible. Todos. Esto no fue una cuestión del Gobierno. Esto fue un resultado de una sociedad que ha estado aprendiendo de su propia capacidad de realización y superación. Perdón por el optimismo y entusiasmo, pero felicito a la Argentina.

Adam Yauch (1964-2012)

Si se guían por el título de este post, mucha gente no tendrá ni idea sobre lo que se habla. Si digo MCA, tal vez se orienten un poco: suena a rapero o DJ. Exactamente, Adam Nathaniel Yauch fue un rapero, Dj, director de cine y budista clave en la historia del desarrollo de la cultura pop/rock de los 90. Adam fue un Beastie Boy, que a partir de ayer, entró al mundo de los pretéritos. Falleció ayer luego de luchar contra el cáncer de glándulas salivales. MCA fue uno de los tres integrantes de una de las bandas pioneras del hip hop: los grandiosos y originales Beastie Boys. Entre la centena de recitales internacionales que fui a ver tuve el honor de caer en el BUE de 2006(evento que ya no se realiza más). Allí se presentaba el grupo y la histórica Pattie Smith. Me gané las entradas por mi servicio de proveedor de Internet. Tuve el enorme honor de verlos a ambos. Hasta el día anterior había estado altamente enferma, pero por suerte, y hoy lo agradezco más que nunca, tuve la posibilidad de salir de casa y asistir a tan único evento. Ni Pattie ni los BB volvieron después de ese concierto a Buenos Aires. Ambos shows fueron intensos, cada uno con su aporte. Pattie con su carga histórica del punk, su intensidad poética. Los Beastie hicieron lo suyo. Rompieron todo. Simplemente los tres integrantes con un DJ. Siendo una amante del hip hop desde hace más de una década, fue el único grupo de rap que pude ver en vivo y desterró todos los argumentos de los defractores del género. Hubo autenticidad, hubo actitud rock, hubo calidad musical y Adam Yauch era una pieza clave para ello. Era el que más se dedicaba a perfeccionar los sonidos en la banda. Así que no hay duda de que es una gran pérdida. No sólo porque ya no habrá más Beastie Boys (aunque hace un tiempo que él había dejado la banda) sino porque a partir de su muerte, todas las necrológicas que escuché en la radio no eran tanto sobre él como persona, sino sobre él como parte de un grupo. Y eso está perfecto: para el lamento personal están sus familiares y amigos. Para nosotros se va un Beastie y con eso, la posibilidad de seguir rapeando como si fuera rock. Sabotage, uno de los mejores temas de los 90's y uno de los mejores videos de la historia. Intergalactic del disco homónimo.

Puesto 1: The Beatles

Mi tatuaje: fragmento de Blackbird - The Beatles: Blackbird, fly into the light of a dark black night.

¿Tiene sentido argumentar? Creo que todo lo que diga ya se ha dicho antes. Así que simplemente sintetizaré en tres argumentos.
1) Los Beatles cambiaron para siempre la forma de crear, difundir y escuchar música. De alguna forma son quienes generaron lo que llamamos "música pop". En una carrera de 10 años lograron una evolución musical como banda y de sus individualidades que no se pudo ver nunca más.
2) Sus cuatro miembros, cada uno con su propia forma, han sabido dejar un sello en la forma de componer, interpretar y tocar instrumentos. Todos hacían la diferencia dentro de la banda.
3) Han sido mensajeros de una generación, y siguen enviando ese mensaje después de 50 años.

Explayando: Revolucionaron a la sociedad, no sólo culturalmente, sino en lo que despertaban en su público, emotiva y fanáticamente. Su historia no encuentra antecedentes ni sucesores. Al día de hoy siguen transmitiendo la misma emoción cuando sus canciones se escuchan y siguen cultivando fanáticos que jamás tuvieron la oportunidad de ver tocar si quiera a sus únicos dos integrantes vivos.
Este blog se posiciona en contra de quienes intentan enfrentar a John y a Paul. Claro que a nota personal, nos puede gustar más uno que otro, pero las producciones que generaron estos dos seres durante la existencia de los Beatles fue un complemento total derivado de su química juntos.
Este blog reivindica a la figura de George Harrison como un genio creativo que innovó en formas y estilos de hacer música, dejando melodías con un grado de espiritualidad que es difícil de encontrar, incluso, en las composiciones de Lennon/McCartney.
Este blog considera a Ringo Starr uno de los mejores bateristas de su época, y que incluso, al día de hoy, ha influenciado en la forma de visualizar la sección rítmica de una canción con una estructura sencilla pero original en cada tema. Además, supo ser quien trató de conciliar a la banda cada vez.

Por sus armonías, por su musicalidad, su interpretación, composición, carisma, cohesión grupal y por sus talentos individuales, por todo eso y por cosas inexplicables, son mis número 1


This Boy - The Beatles


All You Need Is Love - The Beatles


Woman - John Lennon


My Love - Paul McCartney


My Sweet Lord - George Harrison (Este tema te hace creer...)


With A Little Help From My Friends - Ringo Starr

Bringing light

Cuando hablo con nostalgia de cuestiones tecnológicas del pasado, la gran mayoría me tilda de retrógrada y negadora. "Hay que tener facebook porque es la comunicación de hoy". "La cámara digital es la cámara de hoy.". "Los celulares hacen todo y te conectan con todo". Todas esas frases son mediaciones de una realidad que nos rodea porque muchos la aceptaron. Sin juzgarlos, pero simplemente no creo que sea la realidad unívoca a la que todos tengamos que acatar.
Entonces, Foo Fighters ¿Qué tiene que ver esta banda en todo esto? Todo. De la misma forma en que la tecnología del microchip llegó a colarse en la cotidianidad de nuestras charlas cara a cara y cada vez que nos encontramos con alguien con Smart Phones o Blackberry es muy raro que estén más de media hora mirándonos a los ojos cuando hablamos sin chequear su celular, las tecnologías de grabación también cambiaron las cosas. Las técnicas digitales desplazaron a los aparatos analógicos, esa forma un poco más artesanal de dejar la música plasmada en un disco. Entonces, ¿qué quiso hacer Dave Grohl, líder de Foo Fighters? "Hagamos este disco en el garage de mi casa con equipos analógicos, en cinta, como lo hacíamos antes." Y todo esto no lo sabía cuando escuché el último álbum de Foo: Wasting light. Disco que me atrapó desde la primera escucha. Fue viendo el documental "Back and Forth" (altamente recomedable) que me enteré de los detalles de la consolidación de ese grupo desde cero, la lona, a pesar del reconocimiento que su líder tenía por ser un ex Nirvana y de cómo fue el proceso de gestación del disco. Producido por Butch Vig, baterista de Garbage, productor de Nevermind. Durante su producción reunió a los tres Nirvana sobrevivientes: Grohl, Pat Smears (el guitarrista que estuvo durante los últimos dos meses de vida de Kurt y que hoy es parte de Foo Fighters) y, sí, Krist Novoselik para grabar I should have known.
Resumiendo: el disco es uno de los mejores discos de los útlimos diez años. Será por la producción de Vig; será porque la banda está en su mejor momento; será porque Grohl decididamente es uno de los mejores compositores de canciones de rock que pueden hacernos emocionar con melodías beatleras o saltar como en un tema de AC/DC; será por el batero Taylor Hawkins que no para de darle a los tambores como Animal en los Muppets; será porque este disco no sólo fue hecho caseramente, sino que se hizo rodeado por las familias de los integrantes en la casa de Dave (hermosa la escena del documental en la que la hija de Grohl lo interrumpe durante la grabación de Rosemary para que fuera a nadar con ella como le había prometido).

En todo ese contexto vinieron a Buenos Aires. La tormenta del 4 de abril no pudo darle más "epicidad" al encuentro. A pesar de arruinarle el final de la presentación a los geniales Arctic Monkeys, el intervalo antes de Foo Fighters de una hora bastó para que la lluvia calmara luego de haber destrozado parte del escenario, por lo que tuvieron que sacar las luces y prender las del Estadio Monumental para que puedan ver.
El show arrancó con All my life, uno de los temas hitos de la banda. Desde allí no pararon. Rope, la explosiva The Pretender (que hizo que esta bloggera saliera de su refugio y cantara con su ídolo), la sentida My Hero, una tras otra. Y los rayos que subían desde la tierra eran la descarga que generó la banda de estos muchachos que hoy están en su mejor momento (recordemos que decir que los rayos caen es un error, son descargas eléctricas que suben desde la tierra hacia el cielo). No les fue tan fácil estabilizarse luego de perder miembros constantemente porque Grohl estaba muy enfocado en lo que quería, o luego de que la columna vertebral del sonido del grupo, Taylor Hawkins, sufriera una sobredosis que le trajo los peores recuerdos a Grohl.
Las versiones de The best of you, Times like these, Learning to fly, Monkey wrench, Arlandia, Rosemary y una de las canciones más hermosas de la banda (la preferida de Dave en sus propias palabras) These days unieron a ese estadio. En donde el poder ver, literalmente, a todo el público emocionado y venerando a la banda rompió con ese hechizo por el cual quienes están sobre el escenario lo son todo y ni siquiera pueden ver a la audiencia. Eso se notó y mucho a pesar de tocar en un River de 35 mil personas cuando su capacidad estaba habilitada para 60. Nada de eso importó, porque la banda no perdió luz aquí, si no que la brindó y mucha, por todos lados. La garganta del cantante sonó demasiado gritona por momentos, como en ningún otro show que por lo menos haya visto, se le iba la voz. Después de haber chequeado su técnica en varios shows y en sus discos en vivo -no es por exagerar, lo investigué de verdad- llegué a la conclusión de que realmente estaba demasiado excitado y no se podía contener. Y para aquellos que asistimos al show del 4 de abril (a 18 años de la muerte de Kurt Cobain, aunque nunca hizo alusión a esto) Dave nos regaló su vuelta a los platillos para Cold day in the sun. Alta nostalgia.
Tanto en su show en Wembley en 2008 como en los de Buenos Aires Grohl se pregunta: "¿Cuándo fue que esta banda se hizo tan grande?" y , también, por qué tardaron diecisiete años en llegar a esta ciudad. Bueno, alguien dígale a Dave que justamente fue el tiempo necesario para la maduración de este señor y su gente con toda esa bola de energía.


Elegí este tema por todo lo que dice Dave presentándolo y porque es su tema preferido. These Days - Estadio de River (a luces prendidas) 4 de abril de 2012.


Best Of You - 3 de abril de 2012, con este tema me enamoré de Foo Fighters allá por 2006.


Este tema me sacudió y salí de la madriguera. The Pretender en vivo, por primera vez en mi vida con Foo 4 de abril de 2012.