Orgasmo ideológico

Ayer fue un día histórico. Para nuestro país, para el mundo, para la democracia. Se dio uno de los pasos más importantes que se puede dar dentro de un sistema que excluye a las minorías y a los que viven (o intentan morir) de una manera distinta. En la Argentina, ayer, se hicieron ley los proyectos de identidad de género y muerte digna. En concreto: una vez que el Ejecutivo promulgue ambas leyes, todos los argentinos tendrán derecho a elegir su identidad en relación a su género y todo argentino que sufra enfermedades terminales o esté en estado vegetativo podrá optar por evitar el "encarnizamiento terapéutico" que prolonga la vida aún cuando no haya expectativas de mejoras en la salud. La sanción de estas leyes, está logrando que los seres humanos que habitamos esta tierra tomemos las riendas verdaderamente de dos de los grandes aspectos que definen la vida: quiénes somos y cómo morimos, porque, aunque suene trillado, la muerte es parte de la vida. No se puede pensar una sin la otra.
Desde el punto de vista filosófico e ideológico es tanto lo que se puede hablar, debatir, combatir. Sin embargo yo prefiero quedarme con esta idea: este aporte jurídico alimenta a la democracia de una forma en la que pocas cosas lo pueden hacer en cuanto a derechos individuales, desde ya. He repetido en distintos posts la necesidad de sancionar una ley que regule la situación de los abortos practicados en el país y muchísimas leyes que trabajen en relación a los cuidados del medio ambiente y todos sus habitantes humanos y no humanos. La ley del matrimonio igualitario, la ley de medios, la asignación universal por hijo; todos ellos son enormes pasos hacia avances impensados hace 10 años atrás por esta bloggera y me animo a decir, por muchos compatriotas. Sin embargo aquí estamos. En un país en donde un chico menor de 18 años podrá optar por su género, más allá de la oposición de sus padres. Donde cualquier persona mayor de 18 años podrá hacerlo sin ningún tipo de traba judicial. Un país en donde las obras sociales y prepagas deberán cubrir tratamientos hormonales y realizar las cirugías de cambio de genitales (yo no considero desde mi ideología que el sexo y el género sean dos líneas paralelas) y los médicos que asistan a los pacientes a dejar sus tratamientos no serán penados por la ley. Donde la vida y la muerte se hermanan en su dignidad y no se dividen dejando al fin de nuestras vidas como un espacio marginado y estéril. Felicito y me honran todos los senadores y diputados que han hecho esto posible. Todos. Esto no fue una cuestión del Gobierno. Esto fue un resultado de una sociedad que ha estado aprendiendo de su propia capacidad de realización y superación. Perdón por el optimismo y entusiasmo, pero felicito a la Argentina.

Adam Yauch (1964-2012)

Si se guían por el título de este post, mucha gente no tendrá ni idea sobre lo que se habla. Si digo MCA, tal vez se orienten un poco: suena a rapero o DJ. Exactamente, Adam Nathaniel Yauch fue un rapero, Dj, director de cine y budista clave en la historia del desarrollo de la cultura pop/rock de los 90. Adam fue un Beastie Boy, que a partir de ayer, entró al mundo de los pretéritos. Falleció ayer luego de luchar contra el cáncer de glándulas salivales. MCA fue uno de los tres integrantes de una de las bandas pioneras del hip hop: los grandiosos y originales Beastie Boys. Entre la centena de recitales internacionales que fui a ver tuve el honor de caer en el BUE de 2006(evento que ya no se realiza más). Allí se presentaba el grupo y la histórica Pattie Smith. Me gané las entradas por mi servicio de proveedor de Internet. Tuve el enorme honor de verlos a ambos. Hasta el día anterior había estado altamente enferma, pero por suerte, y hoy lo agradezco más que nunca, tuve la posibilidad de salir de casa y asistir a tan único evento. Ni Pattie ni los BB volvieron después de ese concierto a Buenos Aires. Ambos shows fueron intensos, cada uno con su aporte. Pattie con su carga histórica del punk, su intensidad poética. Los Beastie hicieron lo suyo. Rompieron todo. Simplemente los tres integrantes con un DJ. Siendo una amante del hip hop desde hace más de una década, fue el único grupo de rap que pude ver en vivo y desterró todos los argumentos de los defractores del género. Hubo autenticidad, hubo actitud rock, hubo calidad musical y Adam Yauch era una pieza clave para ello. Era el que más se dedicaba a perfeccionar los sonidos en la banda. Así que no hay duda de que es una gran pérdida. No sólo porque ya no habrá más Beastie Boys (aunque hace un tiempo que él había dejado la banda) sino porque a partir de su muerte, todas las necrológicas que escuché en la radio no eran tanto sobre él como persona, sino sobre él como parte de un grupo. Y eso está perfecto: para el lamento personal están sus familiares y amigos. Para nosotros se va un Beastie y con eso, la posibilidad de seguir rapeando como si fuera rock. Sabotage, uno de los mejores temas de los 90's y uno de los mejores videos de la historia. Intergalactic del disco homónimo.

Puesto 1: The Beatles

Mi tatuaje: fragmento de Blackbird - The Beatles: Blackbird, fly into the light of a dark black night.

¿Tiene sentido argumentar? Creo que todo lo que diga ya se ha dicho antes. Así que simplemente sintetizaré en tres argumentos.
1) Los Beatles cambiaron para siempre la forma de crear, difundir y escuchar música. De alguna forma son quienes generaron lo que llamamos "música pop". En una carrera de 10 años lograron una evolución musical como banda y de sus individualidades que no se pudo ver nunca más.
2) Sus cuatro miembros, cada uno con su propia forma, han sabido dejar un sello en la forma de componer, interpretar y tocar instrumentos. Todos hacían la diferencia dentro de la banda.
3) Han sido mensajeros de una generación, y siguen enviando ese mensaje después de 50 años.

Explayando: Revolucionaron a la sociedad, no sólo culturalmente, sino en lo que despertaban en su público, emotiva y fanáticamente. Su historia no encuentra antecedentes ni sucesores. Al día de hoy siguen transmitiendo la misma emoción cuando sus canciones se escuchan y siguen cultivando fanáticos que jamás tuvieron la oportunidad de ver tocar si quiera a sus únicos dos integrantes vivos.
Este blog se posiciona en contra de quienes intentan enfrentar a John y a Paul. Claro que a nota personal, nos puede gustar más uno que otro, pero las producciones que generaron estos dos seres durante la existencia de los Beatles fue un complemento total derivado de su química juntos.
Este blog reivindica a la figura de George Harrison como un genio creativo que innovó en formas y estilos de hacer música, dejando melodías con un grado de espiritualidad que es difícil de encontrar, incluso, en las composiciones de Lennon/McCartney.
Este blog considera a Ringo Starr uno de los mejores bateristas de su época, y que incluso, al día de hoy, ha influenciado en la forma de visualizar la sección rítmica de una canción con una estructura sencilla pero original en cada tema. Además, supo ser quien trató de conciliar a la banda cada vez.

Por sus armonías, por su musicalidad, su interpretación, composición, carisma, cohesión grupal y por sus talentos individuales, por todo eso y por cosas inexplicables, son mis número 1


This Boy - The Beatles


All You Need Is Love - The Beatles


Woman - John Lennon


My Love - Paul McCartney


My Sweet Lord - George Harrison (Este tema te hace creer...)


With A Little Help From My Friends - Ringo Starr

Bringing light

Cuando hablo con nostalgia de cuestiones tecnológicas del pasado, la gran mayoría me tilda de retrógrada y negadora. "Hay que tener facebook porque es la comunicación de hoy". "La cámara digital es la cámara de hoy.". "Los celulares hacen todo y te conectan con todo". Todas esas frases son mediaciones de una realidad que nos rodea porque muchos la aceptaron. Sin juzgarlos, pero simplemente no creo que sea la realidad unívoca a la que todos tengamos que acatar.
Entonces, Foo Fighters ¿Qué tiene que ver esta banda en todo esto? Todo. De la misma forma en que la tecnología del microchip llegó a colarse en la cotidianidad de nuestras charlas cara a cara y cada vez que nos encontramos con alguien con Smart Phones o Blackberry es muy raro que estén más de media hora mirándonos a los ojos cuando hablamos sin chequear su celular, las tecnologías de grabación también cambiaron las cosas. Las técnicas digitales desplazaron a los aparatos analógicos, esa forma un poco más artesanal de dejar la música plasmada en un disco. Entonces, ¿qué quiso hacer Dave Grohl, líder de Foo Fighters? "Hagamos este disco en el garage de mi casa con equipos analógicos, en cinta, como lo hacíamos antes." Y todo esto no lo sabía cuando escuché el último álbum de Foo: Wasting light. Disco que me atrapó desde la primera escucha. Fue viendo el documental "Back and Forth" (altamente recomedable) que me enteré de los detalles de la consolidación de ese grupo desde cero, la lona, a pesar del reconocimiento que su líder tenía por ser un ex Nirvana y de cómo fue el proceso de gestación del disco. Producido por Butch Vig, baterista de Garbage, productor de Nevermind. Durante su producción reunió a los tres Nirvana sobrevivientes: Grohl, Pat Smears (el guitarrista que estuvo durante los últimos dos meses de vida de Kurt y que hoy es parte de Foo Fighters) y, sí, Krist Novoselik para grabar I should have known.
Resumiendo: el disco es uno de los mejores discos de los útlimos diez años. Será por la producción de Vig; será porque la banda está en su mejor momento; será porque Grohl decididamente es uno de los mejores compositores de canciones de rock que pueden hacernos emocionar con melodías beatleras o saltar como en un tema de AC/DC; será por el batero Taylor Hawkins que no para de darle a los tambores como Animal en los Muppets; será porque este disco no sólo fue hecho caseramente, sino que se hizo rodeado por las familias de los integrantes en la casa de Dave (hermosa la escena del documental en la que la hija de Grohl lo interrumpe durante la grabación de Rosemary para que fuera a nadar con ella como le había prometido).

En todo ese contexto vinieron a Buenos Aires. La tormenta del 4 de abril no pudo darle más "epicidad" al encuentro. A pesar de arruinarle el final de la presentación a los geniales Arctic Monkeys, el intervalo antes de Foo Fighters de una hora bastó para que la lluvia calmara luego de haber destrozado parte del escenario, por lo que tuvieron que sacar las luces y prender las del Estadio Monumental para que puedan ver.
El show arrancó con All my life, uno de los temas hitos de la banda. Desde allí no pararon. Rope, la explosiva The Pretender (que hizo que esta bloggera saliera de su refugio y cantara con su ídolo), la sentida My Hero, una tras otra. Y los rayos que subían desde la tierra eran la descarga que generó la banda de estos muchachos que hoy están en su mejor momento (recordemos que decir que los rayos caen es un error, son descargas eléctricas que suben desde la tierra hacia el cielo). No les fue tan fácil estabilizarse luego de perder miembros constantemente porque Grohl estaba muy enfocado en lo que quería, o luego de que la columna vertebral del sonido del grupo, Taylor Hawkins, sufriera una sobredosis que le trajo los peores recuerdos a Grohl.
Las versiones de The best of you, Times like these, Learning to fly, Monkey wrench, Arlandia, Rosemary y una de las canciones más hermosas de la banda (la preferida de Dave en sus propias palabras) These days unieron a ese estadio. En donde el poder ver, literalmente, a todo el público emocionado y venerando a la banda rompió con ese hechizo por el cual quienes están sobre el escenario lo son todo y ni siquiera pueden ver a la audiencia. Eso se notó y mucho a pesar de tocar en un River de 35 mil personas cuando su capacidad estaba habilitada para 60. Nada de eso importó, porque la banda no perdió luz aquí, si no que la brindó y mucha, por todos lados. La garganta del cantante sonó demasiado gritona por momentos, como en ningún otro show que por lo menos haya visto, se le iba la voz. Después de haber chequeado su técnica en varios shows y en sus discos en vivo -no es por exagerar, lo investigué de verdad- llegué a la conclusión de que realmente estaba demasiado excitado y no se podía contener. Y para aquellos que asistimos al show del 4 de abril (a 18 años de la muerte de Kurt Cobain, aunque nunca hizo alusión a esto) Dave nos regaló su vuelta a los platillos para Cold day in the sun. Alta nostalgia.
Tanto en su show en Wembley en 2008 como en los de Buenos Aires Grohl se pregunta: "¿Cuándo fue que esta banda se hizo tan grande?" y , también, por qué tardaron diecisiete años en llegar a esta ciudad. Bueno, alguien dígale a Dave que justamente fue el tiempo necesario para la maduración de este señor y su gente con toda esa bola de energía.


Elegí este tema por todo lo que dice Dave presentándolo y porque es su tema preferido. These Days - Estadio de River (a luces prendidas) 4 de abril de 2012.


Best Of You - 3 de abril de 2012, con este tema me enamoré de Foo Fighters allá por 2006.


Este tema me sacudió y salí de la madriguera. The Pretender en vivo, por primera vez en mi vida con Foo 4 de abril de 2012.

Puesto 2: Pink Floyd

Nunca pude comprender por qué tildan a Pink Floyd de música deprimente. Yo diría que la banda que han liderado Syd Barret, luego Roger Waters y luego David Gilmour es una banda que sabe musicalizar las emociones del ser humano. Negar que a veces estamos tristes, que a veces nos iluminamos, que a veces queremos matarnos, que a veces sufrimos, a veces amamos, equivale a decir que: "la música que hace Pink Floyd es deprimente"... Así con el tono del "eee loco, papá". Que no sea fácil de digerir, que no es música que uno escuche en cualquier momento, es otra cosa (por algo existe la categoría musical easy listening, de fácil escucha). La música no nos deprime, somos nosotros los que estamos en cierta situación en nuestra vida por la que optamos no ver ciertas películas o, bien, no escuchar cierta música. Lo que mueve una película o ciertas canciones en nuestra vida, no es lo mismo que le genera al otro, por lo que, en sí, no es el producto cultural el que envía un mensaje unánime, sino, que hay algo en nosotros que hace que decodifiquemos cierto sentido.

Dicho esto, vuelvo a decir que Pink Floyd es la banda que más supo comprender las penurias del ser humano. Desde la mano de Syd Barret, quien no pudo manejar sus propias angustias y terminó muriendo de locura.
Luego de su muerte la banda, ya con Waters a la cabeza, lanzó Wish You Where Here que explora la ausencia, la industria musical y los problemas mentales del fallecido miembro de la banda. La canción Shine On You Crazy Diamond es su principal homenaje. A su vez, El lado oscuro de la luna, la mejor obra musical jamás escrita y ejecutado según el criterio de esta bloggera, es el resultado de lo que aquel artista generó en la vida de sus compañeros de banda. Sobretodo, en la vida de Roger Waters.
En el disco de 1968 a Saurceful of Secrets se encuentra el tema Set the Controls for the Heart of the Sun, el único tema en el que se pueden escuchar fragmentos de guitarra de Barret junto a Gilmour.
El disco The Wall, mayormente producto de la historia e ideología de Waters, es un antes y un después en la concepción de un disco de rock, sobretodo por la película dirigida por Alan Parker que retrataba perfectamente las imágenes que detonaban las melodías del disco.
La temática central del disco es la del proceso por el cual su personaje principal, Pink, queda sumido en el abandono y el aislamiento. Cada uno de los factores que hacen a esta situación, son los ladrillos de la pared. Recurriendo a críticas políticas, sociales y culturales, la postura de Waters en relación a estos aspectos quedó para siempre reflejada.
Una vez que Roger dejara la banda, Gilmour, Mason y Wright siguieron difundiendo la genial obra de la banda, aunque los discos posteriores no fueron tan representativos. Sus shows en vivo siguen siendo unos de los mejores espectáculos audiovisuales que una banda de rock pueda dar.
En 2005 se juntaron en el marco de los shows del LIVE 8 y luego en julio de 2010 Gilmour y Waters se juntaron ante 200 espectadores nuevamente. Pero todos sabemos que la reunión es sólo una fantasía. Principalmente porque Richard Wright falleció en 2008. Y por otro lado, los procesos que los seres humanos hacen y que tan bien musicalizó Pink Floyd parecieran haber cerrado toda posibilidad de unión.
Mientras los recordamos así.

Shine On You Crazy Diamond. Elegí esta hermosa versión de un show de Gilmour solista.


The Great Gig In The Sky - Venecia 1989. Después de ver esto, mi vida no fue igual

Puesto 3: Yes

Yes es perfección. Yes es una banda que suena mejor en vivo que en sus discos. Yes es una banda llena de virtuosos pero que no pierden el carisma y la espontaneidad a la hora de tocar. Yes es una banda que puede tener a un guitarrista clásico como Steve Howe y cambiarlo por el -por entonces- joven Trevor Rabin y seguir siendo una banda experimental. Yes es la experiencia del rock vivo perfecta.

Paso a explicar mis afirmaciones.
Yes es una banda de rock progresivo cuya formación original a contado con Jon Anderson en voz, Chris Squaire en bajo, Peter Banks en guitarra, Bill Bruford en batería y Tony Kay en teclados. Varios integrantes pasaron por el medio, pero la preferida es Jon Anderson en voz, Chris Squaire en bajo, Steve Howe en guitarra, Alan White en batería y, el supremo señor de los teclados, Rick Wakeman.
Los primeros dos discos, Yes y Time and Word, no contaron con la presencia de Howe, quien entró a la banda para el tercer album del grupo: The Yes album, el primer gran disco del rock progresivo. El protagonismo de las guitarras se evidencia por el amplio set de este instrumento que Howe utiliza para tocar.
En 1973, Wakeman ingresa a Yes ¿Qué otro disco podían hacer después de The Yes Album? ¿Se podía seguir por ese rumbo? En esa época, sí. Porque es en ese año que se editaban discos como The Dark Side Of The Moon de Pink Floyd o House Of The Hollies de Led Zeppelin. En el caso de Yes, en 1973 editan Fragile. Uno de los discos más imprescindibles de las discografía de cualquier ser humano. En este disco quedaban evidenciadas las capacidades individudales de cada uno de los integrantes, pero por sobretodo, se definía el conjunto hermoso que se logró con esta unión. En Fragile se encuentran ni más ni menos que Roundabout, Long Distance Runaround, South Side Of The Sky y Heart Of The Sunrise; cuatro de los temas más emblemáticos de la banda. Sobretodo el último, en donde la voz de Jon "Il Castrati" Anderson parece apoderarse de todo organismo viviente sobre la faz de la Tierra.
Luego vinieron discos como Close To The Edge o el misterioso Tales from the Topographic Ocean. Obras inspiradas en la literatura mágica. Obras que trascienden los tiempos.
Permítanme saltar a la etapa de los 80's, luego de Relayer. No se puede ser muy breve en contar la historia de una banda tan longeva y de tanta capacidad productiva como Yes. En el medio hubo varias formaciones, idas y venidas de Anderson, gupos paralelos. Pero en 1982, Trevor Rabin hace su llegada y cambió el estilo de la banda como nunca más nadie lo hizo. Para muchos para mal; para otros para bien. Según esta bloggera, para bien. No porque hayan "mejorado" sin embargo, medirlo desde el fundamentalismo de "el rock progresivo" puede generar que la crítica no sea útil a la hora de rever la historia de una de las bandas más prolíferas. Y todas sus adquisiciones o pérdidas hacen a la comprensión de su importancia en la historia. El lanzamiento de 90125 fue el más polémico de la banda. Yes obtuvo un número uno con Owner Of a Lonely Heart. Rabin trajo a la banda un sonido más "accesible y popular" pero nunca jamás perdió su calidad. Los temas de 90125 se superan uno tras otro y su DVD en vivo es una obligación para ver el nivel de versatilidad que puede lograr una banda y no perder su calidad y sentimiento. Y para quienes defenestran a Trevor, Howe dice que jamás podrá hacer el solo de Owner...
A partir de ahí, claro, que todo fue más difícil. Su público empezó a apartarse. Lo que demuestra que generar popularidad no es garantía jamás de lealtad y éxito. Hay que saber bancarse una crisis creativa y Yes en algún punto, no pudo. Sin embargo, luego de discos como Big Generator, Talk, Open Your Eyes (que presentaran en el estadio de Obras en 1998, dando uno de los mejores sohows que esta cronista haya visto), Yes quedó en la historia y es parte de ella como una banda insuperable, sobre todas las cosas, por su fidelidad entre la calidad de estudio y en vivo. Tal vez en varios cientos de años tenga el valor que hoy tienen las composiciones de Beethoven o Mozart. A parte, las arreglos vocales de estos muchachos no pueden ser comparados casi con ninguno, por lo menos del mundo del rock. Mientras Queen en vivo ponía una pista para el set de armonías de Bohemian Rapsody, Yes hace cosas como estas.


Hold On. La formación de Anderson, Rabin, Squire, White y Tony Kay dando clase de rock progresivo. Denle tiempo al video: alrededor del minuto 2.50 el despliegue de voces y los juegos entre la batería y el bajo son un despelote.


Una de mis preferidas: And You And I. Live At Montreux 2003. Anderson, Wakeman, Squire, Howe y White.

Una semana triste. Sin Whitney yo no cantaría, aunque no haya sido de mis más fuertes influencias, sí ha influenciado a muchas que lo son. Siempre la admiré, su voz, su carisma, su sencillez.
Este es mi mejor recuerdo de Whitney. Todavía me acuerdo cuando descubrí este video en Feliz Domingo Para La Juventud. Creo que su voz lo hizo inolvidable.

Whitney Houston 1963 - 2012

Un hermoso video para recordar la década de los 80 y el mejor momento de Whitney.

Mientras miraba el video, lloraba y no dejaba de cantar con ella. La voy a extrañar =(