El gran salto

El 11 de septiembre de 2001, tras el atentado a las torres gemelas, Nueva York sufría la conmoción más grande de su historia. No sólo por lo que sucedió, sino por la reconfiguración del mapa político-social y cultural. Las significaciones que hasta ese momento entretejían las redes de representaciones que circulaban en los discursos políticos y artísticos de la sociedad norteamericana daban un vuelco nuevo.
Todos los afiches de películas o espectáculos que mostraban las torres debían borradas. Las sitcoms que se desarrollaban en la ciudad no mostraron más imágenes cercanas al World Trade Center y el Empire State o la Estatua de la Libertad pasaron a primer plano para generar el reconocimiento de la locación del programa.
Las temáticas de las películas también viraron hacia las catástrofes ecológicas y el fin del mundo. En el mundo de la música las repercusiones también fueron notorias sobre todo para repudiar las políticas bélicas que el gobierno de George W. Bush comenzaba a tomar.
Una de las primeras en dejar en claro su postura fue Madonna. En plena invasión yanqui a Irak en de abril de 2003, Madonna lanzaba su disco American Life. Desde la ironía del título (o tal vez la literalidad) se evidenciaba la postura crítica ante el gobierno americano. Considerado el álbum más arriesgado -comercialmente hablando- que ha lanzado Madonna en su carrera; es el segundo material producido junto a Mirwais Ahmadzaï, quien disminuyó la presencia de electrónica bailable a cambio de guitarras acústicas llevando el sonido más allá de Music. Para la portada, en crudo blanco y negro, Madonna apareció como un “Che” del siglo XXI con dos franjas sangrando en su ceja, en posición militar. Fue lanzado mundialmente el 22 de abril en tres ediciones: explícita, limpia y en una serie especial limitada.
El “problema” con este trabajo - hablando siempre de cómo fue catalogado por los “críticos especializados” - fue su alto perfil político y lo “extraordinario” que es para los yanquis que una artista como Madonna se manifestara en contra de un acto cuasi nazi como fue la “persecusión terrorista” del Gobierno de Bush de aquella época. Una cosa era que Bruce Springsteen lo hiciera, pero Madonna se caracterizaba por ser un emblema del american dream, entonces ¿por qué cuestionaba el american way of life? Como sabemos, el mercado no funciona solito, así que todas estas influencias políticas hicieron que este álbum fuera un fiasco en su carrera. Además de que sus buenos temas no se destacan como un antes o un después en sus composiciones como venía haciendo con las canciones de sus dos últimos trabajos: a nivel compositivo (no ideológico) es sólo un disco de hermosísimas baladas. Para repasar este disco, primero hay que hablar de las canciones en sí, y luego, al final del trayecto, se puede referir a todo lo que significa a nivel macro. American Life es el disco más conceptual de Madonna después de Like A Prayer en cuanto a su temática. Más aún que Ray Of Light.

Los traspiés: comenzando con el video del primer tema del disco, el homónimo. Madonna se autocensuró. Primero lanzó un video jugadísimo e híper crítico hacia la situación política de su país. Recibió un sin fin de críticas, por lo que se declaró firme a no modificar su video. Sin embargo, luego de que comenzara la guerra, el video finalmente, fue cambiado. Según Madonna, no le parecía apropiado referirse de esa forma a la guerra cuando respetaba a quienes estaban allí luchando. Sabiendo la postura de Madonna en favor de la paz, esto sonó más a una estrategia comercial. Sobre esos ejes se encuentran los factores más criticables de este disco, pero más que nada es hacia la actitud de la artista y no tanto de la producción en sí. La letra del tema es una durísima crítica al ponderado estilo de vida americano y no tiene el más mínimo desperdicio: I'm drinking a soy latte, I get a double shot. It goes right through my body and you know I'm satisfied. I drive my mini Cooper and I'm feeling super duper. They tell me I'm a trooper and you know I'm satisfied. I do yoga and pilates and the room is full of hotties, so I'm cheking out their bodies and you know I'm satisfied. I'm digging on the isotopes, this metaphysics shit is dope and if all this can give me hope you know I'm satisfied. I got a lawyer, a manager, an agent and a chef. Three nannies, an assistant and a driver and a jet. A trainer and a butler and a bodyguard or five. A gardener and a stylist. Do you think I'm satisfied? I'd like to express my extreme point of view. I'm not a christian and I'm not a jew. I'm just living out the american dream and I've just realized that nothing is what it seems.
Madonna estaba autocriticándose, a ella, y a todo lo que aspira la sociedad americana encabezado por el star system que aparenta tener todas sus vidas en carriles por ser parte de ese American dream, pero según ella: “nada es lo que aparenta”. “Do I have to change my name? Am I gonna be a star?”

El video original se podía ver en las pantallas del escenario del Re - Invention Tour de 2003 mientras Madonna interpretaba American Life.

Así pasa a Hollywood. El segundo corte del disco habla de lo mismo más enfocado en el mundo del espectáculo. En el video, Madonna aparece simulando las inyecciones de botox a las que ella misma se somete. Esta fue la canción que presentó ese año en los MTV Video Music Awards antes de interpretar Like A Virgin junto a Britney Spears y Christina Aguilera y darles un beso en la boca a ambas, marcando un hito en las presentaciones de esa entrega de premios. Sobre esta canción Madonna dijo: “En Hollywood puedes perder tu memoria y tu visión del futuro. Puedes perderlo todo porque podrías perderte a ti mismo”.
I'm So Stupid también trata sobre la superficialidad pero con respecto a “ser lo que los demás quieren”: And I wanted to be like all the pretty people / Please don't try to tempt me / It was just greed and it won't protect me / don't want my dreams adding up to nothing / I was just looking for / Everybody is looking for something.
Love Profussion es una de las canciones más lindas del disco. Con una letra sencilla, una melodía pegadiza y dulce, un muy buen arreglo vocal, más una conjunción interesante entre máquinas y guitarras en vivo, esta canción intenta la temática del amor como lo único que nos puede asegurar el cambio. El video refleja perfectamente este mensaje y Madonna está hermosísima con un vestido lleno de colores para luego ser rodeada por hadas. Es la contracara de todo lo que venía promulgando American Life: And the love profusion you make me feel / you make me know / And the love vibration you make me feel / you make me shine / I've got you under my skin.


Bajo esta misma línea están las baladas Intervention y Nothing Fails. Estas dos son las mejores canciones del disco. La primera en forma de enseñanza a sus hijos y la segunda como una confesión sobre un amor secreto. La otra balada que maravilla es X-static Process, una obra minimalista en la que Madonna reproduce su voz en armonías muy interesantes acompañada únicamente por la guitarra. El tema Easy Ride también vale la pena. Allí Madonna habla de que la vida es dura a veces, pero que hay que estar dispuesto a aprender de los errores y así ver el panorama más claramente: I want the good life / but I don't want an easy ride / When I touch the ground I come full circle to my place / And I am home.


Los otros temas del disco: Noboy Knows Me y Mother & Father, no tienen ningún aspecto digno de destacar más que el hecho de que esta última hace referencia a la muerte de su madre. Madonna explicó que “es una manera de liberarme del sufrimiento por la muerte de mi madre, pero sin ponerme una medalla por haber salido adelante ni pidiendo compasión por haberlo pasado tan mal. Tampoco como una excusa, al estilo de soy así de rebelde porque me pasó todo esto de pequeña. Todas esas excusas son basura porque en la vida tienes que asumir la responsabilidad por todo lo que haces.” A pesar de su letra en clave emotiva, la melodía es más bien pegadiza y bailable. También fue incluida la agresiva Die Another Day de la banda de sonido de la película de James Bond con el mismo nombre. Tiene una letra muy interesante haciendo referencia al psicoanálisis.
En total, American Life no es un mal disco. Fue toda la situación que la rodeó la que hizo que no fuese popular en los charts, al igual que su gira promocional el Re – Invention Tour. Éste tipo de declaraciones vienen de la manos de críticos que aparentemente podían soportar que Madonna tuviese una estrategia de marketing escandalosa alrededor del sexo o su vida, pero no con una postura política anti establishment. Fue por ello también que la gira fue parte del documental “I'm Going To Tell You A Secret” que tampoco tuvo el éxito que en su momento tuviera “Truth Or Dare”: A la cama con Madonna. Sucedió algo similar con Erotica, sólo que es cierto que el disco de 1992 sí supuso un antes y un después en su carrera a nivel artístico, que en definitiva es lo que está en la mira a la hora de “juzgarla”; además de que la polémica giraba alrededor de otro eje. American Life fue más una declaración de principios que una obra musical, pero aún así no dejó de lado la calidad de las canciones, que no fue la mejor pero que tampoco justifica su desvalorización como sostienen muchos basándose en el lugar que ocuparon los cortes en los ránkings. Por otro lado, las ventas de American Life en la primera semana superaron a Ray Of Light y Music.
Personalmente, creo que toda banda que tiene un disco polémico, oscuro, ambiguo suele llegar a un nivel de superación de sí misma que no podrían llegar a lograr sin este. Ya sea un fiasco o no. No es el caso de Madonna. American Life si fue un fracaso a nivel comercial. Digamos que en cuanto al vínculo con el público en general, no tuvo una buena estrategia, sin embargo, el disco en sí, como elaboración propia no es para nada terrible. Aceptamos que no marca ningún precedente en la historia de Madonna, pero sí dejó en claro su posicionamiento: que no es sólo una persona que está para influenciar el mundo del entretenimiento, también es parte de la agenda política de un país.

La música del cuerpo

El par Ray Of Light / Music podrían tomarse como una categría analítica de la carrera de Madonna. Sin embargo, si uno le presta mucha atención a ambos disco y le suma los dichos de la cantante durante la promoción de las dos producciones, se da cuenta de que la diferencia dentro de esa supuesta similaridad, es lo que más los une (o separa).
En una entrevista en el año 1998, Madonna confesaba que lo que más destaca del mundo del Rock n' Roll es que lo ha sobrevivido. Para el 2000, lo que era sobrevivir al mundo del rock (que incluye al pop o viceversa), pasó a ser superarlo. Eso incluyó conocer al segundo hombre que más la marcó en su vida, el director de cine Guy Ritchie. Las canciones de Music tienen la impronta de una experiencia positiva en el amor, cosa que hacía muchos años que no reflejaban los discos de Madonna. Es por esto, que Music, en contraste con Ray Of Light, es un disco liviano, ligero, profundo pero no denso, sino todo lo contrario. No podemos parar de escucharlo porque es mucho más fácil de digerir que su trabajo anterior.
A pesar de reinar la música electrónica, la estética tanto del disco como parte del Drowned World Tour en donde lo presentó, fue cowboy. Music es un disco en donde el tecno pop se conjuga con bellísimas baladas con una fuerte base de guitarras. Esa conjunción es lo que hace de este disco un hito en la carrera de Madonna. Podría decirse que Madonna inventó un género nuevo con este álbum: el tecno folk. Las letras son hermosas pero mucho menos intensas y metafóricas que las de su precesor. Lo que también se vio como algo positivo fue que da la sensación de ser un disco más espontáneo que el anterior, en donde hasta su voz se desprendió un poco de las técnicas de canto y fonética que adquirió durante los útlimos años.
Este disco fue concebido en conjunto con William Orbit (quien la guió en Ray Of Light) y el francés Mirwais con quien produjo y co-escribió la mayoría de las canciones aquí incluidas.

No podía ser otro, sino el tema homónimo el que abre el disco. Es unas de las canciones más épicas de Madonna, y junto a Holiday es la que más veces ha incluido en sus shows. El mensaje de la canción es lo que definió que la producción se llamase así detrás de éste. Trata de la sensación de completitud que genera la música y de la necesidad que se tiene de ésta una vez que es parte de nuestras vidas. Además, como no podía ser de otra manera, Madonna le da un sesgo político a esta perspectiva en el mismísimo estribillo de la canción: Music makes the people come together / music makes the bourgeoisie and the rebel (La música une al pueblo, la música hace a la burguesía y a la rebeldía). Creo que no hay canciones del pop que expliciten tanto la lucha de clases como esta ¡de Madonna! Todas las versiones en vivo de esta canción son imparables masas de energía. Sin embargo, la del espectacular e insuperable Conffessions Tour de 2005, logra la versión más perfecta que se pudo haber hecho remixándola con “Disco Inferno” de The Trammps abriendo el bloque homenaje a la música disco con una remake de Saturday Night Fever. Es una pena que no se pueda encontrar una buena versión en youtube de esa presentación. Pero la del DWT no está nada mal.

Madonna explota cantando Music en el Drowned World Tour al final de su show

Los otros temas bailables de este trabajo, igualan a Music en su calidad y en cuánto nos hacen mover: Impressive Instant, Runaway Lover (una de mis preferidas) y Amazing.
Don't Tell Me y What It Feels Like For a Girl son dos temas que están entre lo bailable y las baladas y son de las mejores canciones del disco. El video de Don't Tell Me es uno de los más lindos de la cantante. Su versión en vivo en el DWT imita casi íntegramente la coreografía tan emblemática que Madonna practicaba en el video: una oda a la cultura cowboy. What It Feels Like For A Girl tiene unos de los mejores recitados que se escribieron en alegoría a la cuestión de género en la cultura pop de los últimos 20 años a cargo de la actriz y cantante Charlotte Gainsbourg, que ya ha sido repasado en este blog: Girls can wear jeans and cut their hair short. Wear shirts and boots 'cause it's ok to be a boy. But for a boy to look like a girl is degrading. 'Cause you think that being a girl is degrading. But secretly you'd love to know what it's like. Wouldn't you? What it feels like for a girl. Según Madonna está dedicada a Britney Spears. El video no presenta la versión del disco, sino un remix de su amigo, el DJ Paul Oakenfold y está dirigido por su actual ex marido, Guy Ritchie. Una bizarrada que vale la pena ver. La versión que eligió para presentarla en vivo en el DWT fue la que está cantada íntegramente en castellano, que forma parte del lanzamineto de Music en Europa. Esta versión, a pesar de lo que uno puede prejuzgar hace que el tema sea más sofisticado y personal y lo femeniza aún más. El preludio del tema es una versión instrumental de “Don't Cry For Me Argentina”coreografeada con un tango homenajeando a la figura de Eva Perón como referente femenino y la ropa de ella y de los bailarines es andrógina concordando con el mensaje del tema.

Lo Que Siente La Mujer es la versión en castellano que Madonna llevó a recorrer el mundo con su Drowned World tour. En este video no se puede ver el interludio de Don't Cry For Me Argentina. Vale la pena buscarlo.

Los demás temas son baladas: I Deserve It, dedicada al director inglés, Nobody's Perfect, la hermosísima Gone con una letra de mucha autocrítica y sinceridad (Letting go / is not my thing / walk away / won't let it happen again / I'm not, I'm not what you think / Turn to stone / lose my faith / I'll be gone before it happens) y la joya del disco: Paradise Is Not For Me. Este último tema fue incluido tanto en el DWT -separando el bloque “punk” del de “la fuga de la geisha”- como en el Conffession Tour. Ambas versiones son dignas de ser presentadas aquí.Una al estilo de un video clip en vivo y otra totalmente acústica y de colección junto a su amigo y colaborardor de Conffessions On a Dance Floor, Yitzhak Sinwani quien canta las partes que originalmente Madonna cantaba en francés, en árabe.

Paradise se presentó como un video en vivo en la gira de 2001


Paradise en el COnfessions tour. Una versión bellísima por donde se la mire.

La versión americana incluía como último tema el de la película que Madonna realizara junto a Ruppert Everett durante la grabación de Music, The Next Best Thing. El tema es American Pie. A pesar de haber logrado una muy buena versión del clásico de Don McLean, Madonna no estaba del todo conforme con incluirla en el disco además de la banda de sonido de la película.
Music es otra gran muestra de lo que Madonna podía lograr. Justamente por suceder a un disco con tan buen recibimiento de parte de todos los sectores de la opinión pública como fue Ray Of Light. Se especuló que tal vez Madonna ya había llegado a su punto más alto. Sin embargo, Music demostró que no era así. Que por más alta calidad que Ray Of Light tenía, aún faltaba un sello propio que este trabajo de 2000 confirmó. De la mano de una relación amorosa que le trajo estabilidad una vez más asu vida y que en 2001 le daría su segundo hijo biológico, Rocco Ritchie. Tanto Don't Tell Me, como Paradise (Is Not For Me) o la mismísima Music, muestran la versatilidad que tiene Madonna para que con un “mismo género” nada suena igual. En un mismo disco se puede dar el lujo de hacer un tema como Music y como Gone y aún así no se saltea una lógica conceptual de género o estilo. Tal es así que casi todos sus discos son una huella que se fija en la historia de la música pop y se vuelven referentes. Ya sea como espectáculo, como obra de expresión de un momento personal, Madonna hace de la música el soporte de sus emociones, concepciones y necesidades. La música es algo así como su cuerpo y por eso este disco es tan emblemático. De alguna forma, la música es la que la amalgama.

Se hizo la luz

No es fácil la próxima tarea. Seguramente la lectura de este repaso va a ser densa porque este disco es denso, pesado. No en el sentido que uno lo dice comúnmente, sino que es pesado por el calibre de sentimientos, expriencias y emociones que Madonna volcó en él. Desmembrar los discos de Madonna hasta ahora fue sencillo, porque Madonna era “todo sobre ella”: sobre su ideología, su corpología, su sexualidad, su historia, sus conceptos y percepciones. Sin embargo, en 1995, tras el nacimiento de su primera hija, Madonna no fue la misma. Nunca más. Y como no podía ser de otra manera, lo dejó asentado en su música.
Ray Of Light (1998) es el mejor disco de Madonna. Like a Prayer puede pensarse como el Revolver de los Beatles de su carrera. Pero Ray Of Light tiene una particularidad que lo hace único: es oscuro y a pesar de ello todo el tiempo va iluminando los momentos que van sucediendo mientras lo escuchamos.
Tanto la interpretación de los temas, como las letras (las de mejor contenido en la historia de la cantante) y la originalidad de la música (en este disco irrumpió definitivamente con un sonido más tecno) hacen de Ray Of Light el disco sin precedentes de todas sus producciones. Algo así, siempre salvando las distancias, como el Sgt. Pepper's de los Beatles.
Así como Like a Prayer estaba marcado por la dicotomía entre la sexualidad, el amor y la religión, Ray Of Light, se entromete con el amor pero en una faceta muy distinta. El amor responsable, el amor maduro, sano y sensato. Ya no era el cristianismo lo que regía el pensamiento religioso de Madonna, sino la Cabala. A su vez, ese año en que lanzó este disco, cumplió sus 40 años, número de extrema importancia para esa filosofía.


En 1995, justo antes de colaborar con Alan Parker en la película Evita, lanzó el tercer disco compilatorio: Something to remember, una excelente producción que contiene las mejores baladas de Madonna, y más reconocidas (quedan afuera muchísimas no tan conocidas). Ese disco fue la confirmación de la etapa que había abierto con el disco Bedtime Stories. El nombre del disco proviene de un tema de la banda de sonido de la película Dick Tracy, “I'm Breathless”. La letra es preciosa. Esta compilación, especialmente la elección de ese título para el disco, dejó muy en claro que Madonna es una persona muy nostálgica, que encuentra mucha inspiración en la retrospección y la autocrítica. El disco, además de ser una compilación, tiene tres temas nuevos: la genial versión de I Want You de Marvin Gaye junto a Massive Attack (de nuevo, otra sobresaliente interpretación de Madonna), You'll see, un muy buen tema que precedió su rol en Evita y One More Chance, una hermosísima balada a base de guitarras españolas que se refiere a conseguir otra oportunidad en el amor en donde esa retrospección y autocrítica de la que hablábamos son el bastión de la composición.
Desde el año 1994 que Madonna no entraba a un estudio para grabar un disco completamente nuevo. Esos cuatro años de espera no fueron en vano. Tal vez no es casualidad que volvió a trabajar junto a Patrick Leonard, quien fuera pieza clave de Like a Prayer. La producción integral del disco, quedó bajo la tutela de William Orbit, productor europeo muy reconocido, especialmente en el ámbito del tecno pop. Produjo temas como Black Coffe de All Saints, Electrical Storm de U2 y el disco mejor criticado Blur, 13.
El nacimiento de Lourdes fue clave para la concepción de este “otro hijo” de Madonna. Convengamos que la marcó tanto como su niña en aquel momento. El clima del disco nos va envolviendo como se envuelve Madonna con su ropa en el video de Frozen, el que fuera el primer corte. Con este concepto de fondo, el disco podría dividirse en dos partes: la primera menos personal, hablando de las relaciones humanas desde una visión más externa. Otra, a partir de Nothing Really Matters, en donde las canciones son una exposición de los cambios que Madonna estaba viviendo en aquel momento con su incursión en el judaísmo y el budismo y su rol materno.
El primer tema del disco es Drowned World / Substitute For Love. Originalmente, esta canción se llamaba Substitute For Love, pero fue renombrada para el lanzamiento del sencillo (el tercero de aquel disco). La composición le pertenece a la misma Madonna con William Orbit. Dicen que la participación del productor en este tema, fue determinante para la que quedara como el productor general de toda la obra. La temática de la canción apunta a desmitificar a la fama como el eje de la vida de Madonna, sobre todo luego del nacimiento de Lourdes. El video la muestra huyendo de los paparazzis al mejor estilo Lady Di y terminando en una habitación vacía con una niña esperándola, seguramente, representando a Lourdes. El tour con el que Madonna presentó Ray Of Light junto a su precesor Music fue denominado bajo el título de este track que abría el álbum.

Madonna haciendo una perfecta versión de Substitute For Love / Drowned World en el tour con el mismo nombre en el año 2001.

El siguiente tema habla sobre la purificación del mal karma: Swim (Nadar) se va desarrollando con el sonido del agua de fondo y convocándonos a que nos dejemos sumergir en el agua (elemento clave para la concepción de Ray Of Light) para lavar todas nuestras culpas y errores (o pecados): I can't carry this sins on my back / don't wanna carry anymore / I'm gonna carry this train off the track / I'm gonna swim to the oceans floor. Las guitarras que protagonizan este tema, marcaron un estilo muy particular en esta producción.
El siguiente tema no necesitaría presentación de no tratarse de un repaso escrito por la discografía de la Ciccone. Ray Of Light es la versión moderna de Like a Prayer. Tiene una fuerza que Madonna nunca antes había llevado a sus temas. Es como un hard rock electrónico. Está basada en la canción “Sepheryn” de Curtis Maldoon del grupo Bodce en 1971 y fue el sencillo más premiado de Madonna. El ritmo del tema es prácticamente ten frenético como el de la velocidad de la luz. Los alaridos de Madonna son estridentes y tiene una armonía muy difícil de seguir. Sin embargo, Madonna la acompaña perfectamente tanto en la versión de estudio como en la del show en vivo. El comienzo del tema con esa hermosa guitarra acústica se acopla a una metáfora de la salida del sol, el inicio de un día hasta el despertar y el tema estalla con toda su luz. La primera versión grabada duraba 10 minutos y fue recortada para incluirla en el álbum.


Madonna hace una excelente versión de Ray Of Light reivindicando su floja interpretación en los MTV VA de 1999

Candy Perfume Girl es el tema más distinto de todos y, aún así, conserva la esencia del disco. Es un tema tecno/pop con muchos sintetizadores y una muy buena guitarra eléctrica. El tema pareciera estar retratando una relación adolescente entre un chico y una chica. Muy hormonal por catalogarla de alguna manera: Candy perfume girl / the sacred nerve is magic poison. Esa frase podría referirse a la primera etapa de descubrimiento sexual.
Skin es el último tema de esta primera parte de Ray Of Light. Siendo uno de los temas más complejos, Skin habla de la necesidad del contacto físico como algo posesivo y abusivo. Una frase que refleja el concepto del tema podría ser con la que abre: Do I know you from somewhere? / Why do you leave me wanting more? / /Why do all the things I say / Sound like the stupid things I've said before? Son las típicas preguntas que uno se hace cuando conoce a alguien y no sabe que visión se llevó de nosotros. La melodía es hipnótica y el estilo del tema es más cercano al tecno que al pop. Según Madonna, es una canción totalmente visceral que terminó siendo algo muy distinto a lo que originariamente había pensado junto a su co-escritor Patrick Leonard.
Con Nothing Really Matters se abre la segunda parte del disco. Y este tema es el mejor para hacerlo. La frase más importante del tema es: Nothing really matters, love is all we need. Frase a la cual Madonna hace mención al igual que los Beatles, pero no en el sentido banalizado de que si uno ama a alguien no importa nada más que eso. Sino que el amor es la relación que nos certifica como seres humanos. Amar al otro y en ese amar no buscar la correspondencia del recibir. Presenta al amor como un fin al que uno llega mediante distintas situaciones y como un medio, pero no como una razón y justificación que nos absuelve ante cualquier cosa hacha por “amor” ya que realmente, no sabremos si lo que vivimos es amor, hasta que hayamos llegado a tener una relación en base a él y no sobre él. Madonna lo explica de esta forma: “Creo que el título lo dice todo. Nada de este mundo materialista merece la pena. Al final, lo que cuenta es el amor, compartiéndolo nosotros mismos y haciendo feliz a los demás. Hay una línea en el puente de la canción que dice 'Nada borra el pasado como el futuro', pienso que es una gran verdad. Todos hemos sido egoístas en el pasado, pero hay un momento en el que nos vemos atrapados por ello, sintiéndonos culpables y llenos de remordimientos. La única forma de cambiar nuestro karma es empezar de nuevo ahora y es así como podemos crear un futuro diferente para nosotros mismos y para los demás.” Fue presentado en los Grammys de 1999 en los que Ray Of Light se llevó varios premios. No fue incluida en el Drowned Wolrd Tour, pero la temática oriental utilizada en su videoclip copó todo un bloque de aquella gira.

Nothing Really Matters en vivo en los Grammys de 1999

El séptimo tema es una explosión de energía. Sky Fits Heaven es uno de los mejores temas del disco tanto por su melodía como por su letra y es presentado en vivo con una gran puesta en escena y coreografía inspirada en El Tigre Y El Dragón de Ang Lee. La canción habla de saber interpretar las señales que se nos van cruzando en la vida. Si uno logra interpretar bien esas señales, basándonos en el conociemiento propio y en la confianza por el otro, todo encajará en perfecta armonía.

La influencia del arte oriental en Sky Fits Heaven en vivo en el Drowned World Tour. Este es el único tema en el que Madonna hizo pista en esa gira por la agilidad que requerían sus movimientos aéreos.

En continuado con Sky Fits Heaven, comienza un reso budista: Shanti/Ashtangi. Está escrita y cantada en sánscrito. La letra se compone de algunos fragmentos de un poema llamado "Yoga Taravali", adaptada para la canción por Shankra Charya: “La inspiración me vino de Marius (De Vries), quien ha recopilado un montón de sonidos muy buenos procedentes de la India y Marruecos, de todo, desde música hasta los sonidos de los bazares. Esta influencia está en todo el álbum"
Frozen fue el primer corte del disco. Todo el mundo quedó más que conforme cuando lo escucharon por primera vez. Críticos, fans, todos. Madonna había madurado muchísimo. La clave de este tema es su clima místico y misterioso, logrado por unos violines muy poderosos, más un estribillo pegadizo, con letras imborrables y muy difícil de tararear por su clásico “Mmmmmmmmmm”: If I could melt your heart / We'd never we appart / Give yourself to me / you hold the key. Madonna intenta develar la mente de aquellas personas cuyos corazones de hallan congelados por el miedo a amar. La primera frase del tema es muy difícil de digerir: You only see what your eyes want to see. Y sigue diciendo que la vida no puede ser nunca lo que uno quiera porque si no abrimos nuestro corazón, estamos congelados ante los sucesos que nos rodean. Sin dudas, una de las tantas grandes letras que Madonna vino cosechando durante su carrera y que se encuentran muchas en este álbum. No podemos de dejar de destacar otras de las grandes frases de esta canción: You're so consumed with how much you get / you waste your time with hate and regret. Maravillosa. El video también debe ser tenido en cuenta para el análisis de esta canción en donde Madonna se encuentra en un desierto oscuro. El clima del video de por sí ya es oscuro y Madonna es rodeada por un manto, que por una excelente trabajo de edición, siempre va develando su rostro. Sus manos cubiertas de dibujos realizados con henna que tienen su significado en el yoga (el que lleva en la palma de la mano se llama "Ohm"), que le dan un aire más místico a su imagen. Esta costumbre india se llama "Mendhi".

Frozen, uno de los majores videos de Madonna

El tema que sigue, es unas de las mejores baladas de Madonna y una de mis preferidas: The Power Of Goodbye. Otra gran letra y muestra de enorme madurez de la cantante. La canción habla sobre el valor necesario para cortar una relación que ya no puede seguir prolongándose pero desde una persepectiva de aprendizaje: You were my lesson I had to learn / I was your fortress. El estribillo es una poesía: There's nothing left to try / there's no more places to hide / there's no greater power than the power of goodbye / there's nothing left to lose / there's no more heart to bruise / there's no greater power than the power of goodbye. La presentó en los MTV Europe Awards de 1998 acompañada sólo por la guitarra protagonista de la canción. Seguramente cuando uno escuchó las presentaciones en premios que hizo Madonna durante esos años, pensó que Madonna ya no podía cantar más en vivo, porque venía desafinando bastante. Sin embargo, para el Drowned World Tour cuidó cada detalle de su voz para poder cantar en vivo sin desafinar y moverse todo el tiempo.
El siguiente tema es una rareza en la carrera de Madonna: To Have And Not To Hold, es una especie de Bossa Nova electrónica. Una canción chiquita pero no menor. Madonna dice sobre ella: “Esta es la tercera canción de una trilogía que también incluye a "Frozen" y "The Power of Goodbye". Trata sobre estar por encima de las ataduras del mundo, dejando ir las cosas que nos mantienen avanzando, incluso si hay otra persona. Nos es tan duro entregarnos, pero cuando aprendemos a dejarnos ir, aprendemos realmente amar y respetarnos unos a otros". La letra dice cosas talez como: To love but not to keep / /To laugh, not to weep / Your eyes, they go right through / And yet you never do / Anything to make me want to stay.
Las dos últimas canciones son las más personales del disco. Little Star habla sobre el nacimiento de su hija. La melodía es preciosa y la carga emocional que tiene se evidencia en la interpretación de Madonna. Ya fue incluida en este blog por la muerte de mis hijos/gatos. La letra habla por sí sola, así que si quieren ir a la letra hagan click aquí.
Mer Girl... Permítanme, nuevamente, una licencia de primera persona: esta canción tiene mi nombre!!!! Lástima que no habla de mí sino de su madre muerta. La letra de la canción está compuesta a modo de sueño. Como un sueño de muerte de Madonna en el que hace un recorrido por todos sus temores desde el comienzo: I ran from my house that cannot contain me / from the man that I cannot keep / From my mother who haunts me / even though she's gone / from my daughter that never sleeps / I ran from the noise and the silence / from the traffic on the streets.
Es la cuarta canción que le dedica a su madre junto a Promise To Try (Like A Prayer), Inside Of Me (Bedtime Stories) y Mother And Father (del disco que aún no repasamos, American Life). Madonna cuenta cómo escribió esta belleza: "Empecé a escribirla mientras estaba en casa de mi padre. Estaba corriendo y empezó a llover, así que fui a refugiarme a un cementerio cercano al lugar donde me crié con mi madre. No es el cementerio donde está enterrada, pero es un lugar al que solía acudir a menudo. No paraba de llover, y el cielo estaba más negro que nunca. Resistí el instinto de echar a correr. Cuando regresé a casa, me invadió esa extraña sensación de melancolía. Todos se habían marchado y me alegré de encontrar ese silencio. Entonces escribí Mer Girl. En ese momento solo fueron seis líneas. Días más tarde escuché la música que William Orbit había preparado, y de vuelta a Los Angeles, tumbada en mi cama, escuchaba la melodía y acabé de escribir la canción". El tema fue presentado en dos partes durante el Drowned World Tour.
Todo eso, y mucho más es Ray Of Light. Hay algo misterioso que lo envuelve y no sólo el clima. A partir de este disco Madonna empezó a reservarse cosas; no tanto por no expresarlas en su música, sino para dejarlas madurar.
Comencé diciendo que Ray Of Light es un disco denso. Ella misma lo ha denominado así y es el mejor adjetivo para adjudicarle y de nuevo, no porque sea aburrido, sino porque hay que estar preparado para enfrentar a esta Madonna que, en esta producción, se permitió no entretener. Y en relación a mi hipótesis por la que comencé a escribir estos repasos, ese punto es clave, ya que a pesar de no intentar entretenernos, logró el mejor disco de su carrera hasta aquel momento, para ella y para todos. Es, sin dudas, un rayo de luz.

Etapa romántica: sueños a la hora de la cama

Reconocer los fracasos, probablemente sea una de las principales razones que nos lleven al éxito, a corregirnos y seguir generando cosas nuevas, creativas y originales. Suena trillado pero eso es la que mantiene a Madonna en el tope de cualquiera lista. Después de lo que los críticos y el imaginario popular clasificó como una etapa decepcionante de Madonna (la que abarca la publicación del libros Sex, el lanzamiento del disco Erotica y todo su mambo con la sexualidad), la cantante dio vuelta la cara de muchos con una cachetazo, o también, se puede decir que se dio vuelta la cara a ella misma.
Fue así que en 1994, se rodeó de los mejores compositores y productores de la década como Brian Austin, David Hall, Nelle Hooper, Babyface y la mismísima Björk y lanzó el romántico y personal (aunque a esta altura ya es redundante ese adjetivo) Bedtime Stories. La variedad de productores le permitió abarcar una cantidad y diversidad de géneros musicales, cosa que Madonna, aún, no había experimentado. El disco tiene un ambiente trip hop/pop que pasea y coquetea con el blues, el R&B, el jazz, urban pop y el hip hop. Esa combinación tan ecléctica, tal vez, en las primeras escuchas, generaba un poco de rechazo. El rechazo típico que sentimos en el oído cuando un nuevo sonido aparece en el lugar de otro que esperábamos. Como cuando nos confundimos de vaso y tomamos algo que no esperábamos encontrar. Pero que si le seguimos dando la oportunidad, nos seduce. Eso es Bedtime Stories, una constante seducción, como antes de irnos a la cama.

Yo viví esa situación, pero tratándose de Madonna, no podía faltar algún tema super pegadizo y entrador que nos haría escuchar una y otra vez el disco. Es el caso del tema con el que abre: Survival, excelente elección para la apertura. El primer corte, el, otra vez, confesional Secret con una base de guitarra acústica preciosa y loops hiper movedizos. Otros temas como Don't Stop y la que conquistó a todos de primera, la melosa por donde se la escuche, Take a Bow, de la mano del oportuno, Babyface, que sí que sabe hacer baladas.
Secret, originariamente fue compuesta por Shepp Pettibone, colaborador de Madonna en su disco anterior, Erotica. Madonna lo grabó como un demo bajo el nombre de Something’s Coming Over Me, y luego, con los cambios de letra, terminó nombrándolo Secret. Según Madonna tiene que ver con la espiritualidad religiosa. Sin dudas, fue un cambio rotundo en el sonido madonnísitico al que estábamos acostumbrados. I’d Rather Be Your Lover es un muy buen tema hip hop, con un fragmento de “It’s Your Thing”, un rap interpretado por Lou Donaldson. Éste junto a Don’t Stop, son los temas más bailable del disco. Imposible no mover los pies.

Secret durante el Drowned World Tour en el año 2001.

En este álbum, abundan las baladas, y de las buenas: En Inside Of Me, Madonna habla
por segunda vez de la muerte de su madre: I will always have you / Inside of me / Even though you’re gone / Love still carries on / Love inside of me.
Por su parte, Forbidden Love, como bien lo indica su nombre habla de un amor imposible. Por lo que insinúa la letra, se trata de un amor que no está bien visto. Muchos críticos lo relacionan con las relaciones homosexuales. Yo creo que es una buena interpretación aunque algo corta. Madonna intenta relatar la frustración de un amor prohibido, ya sea hétero u homosexual. Love Tried To Welcome Me, es una de las más lindas baladas del disco: habla de la dificultad de amar: this are my lips but they whisper sorrow / this is my voice but it’s telling lies / I know how to laugh but I don’t know happiness / And I must confess instead of spring it’s always winter / And my heart has always been a lonely hunter. Unas de las mejores letras del disco.
Los temas Human Nature, Sanctuary y Bedtime Story merecen una mención especial. Estos tres temas son los más anómalos del disco y los tres se pelean entre ellos por ser el más intenso del disco. Human Nature es toda una declaración de principios de Madonna. Después de los escándalos “sexuales” de los últimos tres años, Madonna escribió esta canción para reivindicar todas sus acciones y perpetuar que no tienen ningún tipo de arrepentimiento: “Absolutly no regrets”. El video es uno de los más conocidos de su carrera, por la coreografía, la metáfora y la estética: Madonna aparece con un traje apretadísimo de vinilo, como si estuviera atrapada por su propias declaraciones, atrapada también en cubículos y sus bailarines con bolsas asfixiantes en la cara y atrapada entre sogas que la atan y no le permiten salir de ese encasillamiento. Madonna decía, para el horror de los censores de los medios: “I’m not your bitch don’t hang your shit on me”. En la última gira Madonna le dedica esta canción a su amiga e intento de heredera (licencia) Britney Spears. Durante el tema se ve un video de Spears encerrada en un ascensor aburriéndose y desesperándose. Al final se escucha la frase de su tema Gimme More: It’s Britney, Bitch.
Sanctuary, por su parte, tiene una melodía muy particular. Climática como ella sola y con una excelente interpretación de Madonna, la canción habla de la espiritualidad y de cómo encontrar vida y energía aún en los espacios menos pensados: Who needs a smile when a tear’s so full of like? / Who need a home with the stars up above? Junto a Love Tried To Wlcome Me, sin dudas es la mejor composición del disco.
El tema que (casi) da nombre a esta producción es Bedtime Story (hacer click aquí para ver la presentación en vivo del tema en los Brits Awards de 1995), compuesto junto a Björk. Muchos pensaban que este iba a ser un tema para irse a dormir y sin embargo, es más el tema que suena como soundtrack durante nuestros sueños. La islandesa se quejó muchísimo luego de trabajar con Madonna. Pero también se quejó muchísimo después de trabajar con Lars Von Trier en Dancer In The Dark. Comienzo a pensar que mi islandesa preferida es una quejosa. Madonna amó trabajar con ella. Tal vez a Björk no le gustó que Madonna retocara el tema a su gusto y piaccere, pero ojo, el tema era para un disco de ella. Nelle Hooper estuvo a cargo de la producción del tema. El video encaja perfectamente con la idea de un viaje al inconciente (los sueños). Está perfectamente armado a la manera freudiana. De hecho, fue expuesto en la galería de arte moderno de Nueva York. Sin dudas, aquí fue cuando Madonna supo cuál sería su próximo sonido por muchos años. Inspiración islandesa.
El último tema del disco es la balada Take a Bow (que también merece una mención especial). Es una de las canciones más importantes en la historia de Madonna. Este tema le gusta a casi todo el mundo, tiene un video excelente en donde vale la pena ver a Madona revolcarse en la cama calentándose con el torero, bien fiero y además de su excelente interpretación en la canción, su interpretación en ese video le valió el papel de Eva Perón en el musical de Alan Parker de 1997. Ya era conocida la devoción de la cantante hacia la primera dama argentina, hasta se podría pensar que la película fue hecha para ella. El film deja mucho que desear, no así la banda de sonido con la hermosa You Must Love Me de Andrew Lloyd Weber inspirada en la agonía de la mujer del General Perón . Por esa película Madonna ganó un Globo de Oro (la interpretación vocal es lo suyo) y cantó otra vez en los premios de la Academia por la nominación de You Must Love Me como mejor tema de película. A partir de Evita, la técnica de canto de Madonna cambió notoriamente. Cosa que evaluaremos en los próximos capítulos.Ese mismo año, quedaba embarazada de Lourdes, su primera hija.

Madonna puede no ser una gran vocalista, pero la interpretación de este tema desnuda su capacidad de involucramiento con las emociones y situaciones de las canciones que canta.

Bed Time Stories no fue un best seller ni un éxito comercial, pero sí la posicionó a Madonna como una artista ecléctica y totalmente impredecible. Revela la versatilidad de la cantante y su capacidad de generar nuevos estilos, nuevas facetas, como lo hace con su propia persona. Todas las canciones son buenas y de una calidad de grabación impecable. Otra muestra de que vender y complacer al público masivo o a los críticos, no siempre tienen que ver con la inspiración y creación de los artistas.

Profundo y más profundo

“Poor is the man whose pleassure depends on the permission of another”
Justify My Love - Madonna Immaculate Collection

Sin dudas el comienzo de los 90´s fue el momento consagratorio de Madonna. Por más de que a veces se la relaciona más con el auge de los 80’s por ser pivote de la MTV (que en esa década parecía estar casi pariendo a Madonna), sin dudas, los últimos diez años del milenio pasado fueron los que marcaron a esta artista como la más influyente de la industria musical de los últimos 20 años.
Recapitulemos: Cuatro discos de estudio que vendieron millones de placas y en los que ella misma se superaba como compositora e intérprete notoriamente, matrimonio pasional y frustrado con uno de los actores más polémicos de Hollywood, haciendo juego con la polémica que seguiría Madonna a lo largo de su historia comenzando con mezclar a la religión con el sexo y el rock. Una mujer que marca tendencia en la moda, una gira que rompe récords de venta de entradas con un montaje inédito en el mundo, dos bandas de sonido de la cual una estaba un 90% a su cargo, seductora y que, aunque remitía a otra época, tenía todo su estilo: Strike a Pose, sé Madonna.

Así es que lanza al mercado su primera recopilación: The Immaculate Collection. Este disco es clave en su carrera. Muchísimos de sus fans de los ’90 se acercaron a ella por este disco, que contiene, sus más grandes éxitos hasta aquel momento, con algunas versiones remixadas, como la de Like a Prayer o Express Yourself. Además Madonna comenzaba con su faceta de destape sexual: lanzaba Rescue Me y el escandaloso tema compuesto con Lenny Kravitz, quien también hace los coros, Justify My Love, una de las mejores letras de Madonna (hacer click aquí) y un video maravillosamente excitante (literalmente). El video narra una fantasía sexual de Madonna y desde ya, fue censurado por los canales de música en aquel entonces.

Justify My Love. La primera fantasía sexual que Madonna difundía como parte de su carrera musical.

El siguiente disco de Madonna llegó en 1993 bajo el título Erotica. Los críticos especializados (?) lo defenestraron bastante por toda la movida publicitaria que acompañó al álbum demasiado enfocada en las fantasías sexuales que Madonna quería presentar. Sin embargo, para todos aquellos que entienden de la carrera de Madonna y de producción musical, Erotica, es considerado uno de sus mejores trabajos, uno de lo más experimentales y personales. Según la Rolling Stones es uno de sus mejores discos. Claro que tiene algunos excesos en cuanto al formato de las canciones: el CD comenzaba su reinado dejando atrás el vinilo. Esto permitía una duración mucho mayor de las piezas musicales. Algunos temas tienen excesos de duración y tal vez haya un tema de más en el disco. Sin embargo, no deja de ser una joya, no sólo por el concepto del disco, sino por la mezcla de ritmos y la metamorfosis a la que Madonna sometía su voz en cada uno de los temas. Un disco imperdible.
Al mismo tiempo Madonna grabó para la película A League On Their Own, una de sus mejores baladas: This Used To Be My Playground. La película trata del grupo de Baseball creado durante la 2° Guerra Mundial, compuesto por mujeres por la ida de los hombres a luchar. La letra es perfecta, no puede ser mejor: This used to be my playground / This used to be our pride and joy / This used to be the place we ran to / whenever I was in need of a friend / Why did it have to end? / And why do they always say don’t look back / though I wish that you were here with me where then there’s hope yet / I can see your face in a secret place / you’re not just a memory / “Don’t hold on to the past”, well, that’s too much to ask.
Si uno piensa en que al mismo tiempo que cantaba esa maravilla poética, con un video bastante metafórico, le costará conciliar la imagen con las exhibidas en el libros Sex, lanzado en paralelo a Erotica, superando la venta del disco.
Según palabras de la misma Madonna, el libro y el álbum apuntaba a desnudar la mentira de la sociedad yanqui, que siempre se jactó de censurar al sexo y sin embargo es uno de sus principales consumidores. Erotica habla del amor y el sexo separándolos, sin concebirlos como dos caras de la misma moneda. La gira Girlie Show del año 1993, es la que presentaba esta etapa de la cantante, superando en dirección artística al Blond Ambition. Estaba concebido como un espectáculo burlescos circense, rodeando la temática del sexo, el amor y el entretenimiento en sus distintos bloques. Este show traía a Madonna por primera vez a Latino América y a Oceanía (según muchos críticos, por la poca difusión de su último trabajo en los Estados Unidos).
El disco empieza con el tema homónimo que, por lo que sugiere la letra, pone en voz de una Madama del sexo sadomasoquista lo que es la experiencia sexual. Interesantísimos arreglos y composición. La interpretación de Madonna es perfecta. De hecho es por esa interpretación que desciframos cuál es su rol en esta pista. My name is Dita / I'll be your Mistress tonite / I like to put you in a trance. One you put your hand in the flame / it could never be the same / there's a certain satisfaction / in a litlle bit of pain / I can see you understande it / Tell me you're the same / If you're affraid of what I suposse: I only hurt the ones I love./ Give it up do as I say / Give it up and let me have my way / I 'll give you love / I'll hit you like a track / I'll give you love / I'll teach you how to ... (fuck). Bastante evidente, ¿no?

Erotica durante el Confessions Tour. Sorprendió a todos con una presentación con marcada sensualidad y sofisticación, oponiéndose a lo que el tema siempre connotaba.

El siguiente es ni más ni menos una versión tecno dance de Fever, el clásico que, entre otros, interpretaron Elvis Priestly y Peggy Lee. También respetó el orden de estos dos temas en la presentación del show. El número de Fever remite a relacionar la visión de Madonna sobre este tema con un triángulo pasional.
El siguiente tema podría considerarse el primer tema hip hop que se le escuchó a Madonna: Bye Bye Baby (This is not a love song, bye bye baby). El tema habla sobre tomar las riendas de una relación ya sea frustrada o que no se termina de concretar. De no dejarse opacar el otro en la dinámica de una pareja.
El cuarto track es Deeper and Deeper, el tema más disco/dance que se puede encontrar en Erotica. Madonna se auto referencia cuando al final del tema (remitiéndose al estilo tan bailable de la canción) se escucha uno de los versos más fuertes del tema Vogue: Let your body move to the music / You got to just let your bady go with the flow y sigue (como letra de Deeper and Deeper) I can't keep on falling in love with you / You know there's nothing better that I'd like to do. El video es un homenaje a Andy Warhol y la letra de la canción se la puede relacionar con el amor homosexual. Durante el desarrollo del tema habla de cosas morales y repite frases como “that's what my mamma told me” o “that's what my father mold me” y después dice: “Daddy couldn't be all wrong: Not gonna let you slip away, I'm gonna be there”. Típicas frases de padres que quiere corregir a sus hijos ante una mala elección. La versión en vivo del Girlie Show, representa una fiesta disco en la que todos terminan revolcándose en el piso simulando una orgía.

Deeper and Depper era el momento más zarpado del concierto con el que Madonna vino por primera vez a nuestro país en octubre de 1993.

Where Life Begins es uno de mis temas preferidos del disco. No me sugiere nada persona como otros temas que son superiores a nivel compositivo y de producción. Sin embargo, tiene una fusión de soul, hip hop, jazz y R&B muy interesante y de las más experimentales que se le ha escuchado a Madonna, por lo menos, hasta aquel momento. Además, la letra hace una analogía entre la salidas a cenar y conocerse con terminar acostándose con alguien y llegar a la intimidad y confianza necesaria como para practicar sexo oral: So won't you go down / where is warm inside / go down where I cannot hide / go down where all life begins / go down there's where my love is. Como si allí se pudiese comer la vida misma. Interesante analogía.
En ese período Madonna también volvía a incursionar en el cine con una patética película, que está empatada con Bajos Instintos (sólo que en esa por lo menos Sharon Stone está bien. Perdón Madonna, pero tu actuación allí es patética): El Cuerpo del Delito. Sí hay algo que Madonna hizo bien en esa película, y obviamente fue la música: el tema Bad Girl en cuyo video se remite a la película (el video la supera, obviamente) con la actuación del genial Christopher Walken. El tema narra la historia de una mujer desolada que no puede encontrar la manera de amar y ser amada. Harta de los fracasos amarosos confiesa que no es feliz de esa forma: Is it me or you that I'm affraid of? / I tell myself “I'll show you what I'm made of” / Can't bring myself to let you go. También alude a una frase como si fuese una muletilla que usa para romper esas relaciones: Don't want to cause you any pain / but I love you just the same and you'll always be my baby / In my heart I know we come appart / but I don't know where to start / what can I do? / I don't wanna feel blue.
Waiting tiene lo mismo que All Life Begings. Un excelente tema a nivel de producción. Muy buena interpretación de Madonna. Otro buen tema del disco.
Thief of hearts es un tema tecno, muy bien hecho que mucho no sugiere, pero que está bueno para poner en alguna fiesta.
Words es el único tema de Erotica que se puede saltear, es medio reiterativo en relación con Waiting y Thief of Hearts. Nada que valga la pena destacar.
En cambio, el tema que sigue es una de las mejores canciones que Madonna jamás grabó y escribió. Una balada de las más logradas como supo hacerlo con temas como Live To Tell y Promise To Try: Rain. Sólo citaré el recitado del tema porque habla por sí mismo. Son dos monólogos separados que Madonna va recitando paralelamente. Una canción que en su momento conmovió hasta los que criticaron fuertemente al album:
Waiting is the hardest thing
[It's strange I feel like I've known you before]
I tell myself that if I believe in you
[And I want to understand you]
In the dream of you
[More and more]
With all my heart and all my soul
[When I'm with you]
That by sheer force of will
[I feel like a magical child]
I will raise you from the ground
[Everything strange]
And without a sound you'll appear
[Everything wild]
And surrender to me, to love
La canción se basa en una composición analógico/metafórica del amor verdadero como una lluvia que lava el dolor y la angustia de una persona que esperó por él durante mucho tiempo. Your love's coming down like rain / when your lips are burning mine and you take the time / to tell me how you feel / when you listen to my words and I know you heard / I know it's real. El video fue dirigido por Mark Romanek, uno de los más prestigiosos directores de videos quien tuvo a cargo los clips de canciones como Criminal de Fiona Apple, Closer de Nine Inch Nails, Are You Gonna Go My Way de Lenny Kravitz, Free Your Mind de En Vogue, 99 Problems de Jay – Z y Bed Time Story de Madonna. Es uno de los videos más sutiles, estéticamente hablando, de Madonna, en donde los tonos negros, azules y grises se fusionan para lograr el clima de tristeza y esperanza necesario acompañados por los ojos azules de Madonna y su pelo negro como protagonistas. En el Girlie Show, la presentación de Rain supone el momento de mejor gusto del show, cuando Madonna y sus dos cantantes quedan solas en el escenario para cantarla en un hermoso juego armónico intercalándola con “Just My Imagination” de Temptations, seguido por un interludio de baile clásico mezclado con Singing In The Rain. En el Sticky & Sweet también fue el preludio del momento más refinado de la noche, cuando fue remixada con el tema Here Comes The Rain de Eurythmics para comenzar Devil Wouldn't Recognize You, tema de Hard Candy.
Los últimos tres temas del disco junto con Rain hacen un grupo de temas excelentes (en realidad son cinco si se cuenta Did You Do It que es un sampleo del tema Waiting pero que no aporta nada, sólo un poco de polémica por referirse al sexo). Why's It's So Hard hace referencia a la poca tolerancia que hay hacia las distintas formas de amar, ya sea amor erótico hetero y homosexual, amor fratenal, amor racial. Excelentes arreglos con una gran versión en vivo. Luego, In This Life, narra la historia de dos amigos de Madonna quienes murieron de SIDA a fines de los 80. El tema tiene como lei motiv unas notas muy tristes en el piano al igual que el estribillo, que contiene la pregunta: “What For?”. La interpretación de Madonna en vivo es emocionante. El último tema es el más experimental del disco: Secret Garden es una fusión de jazz con hip hop con largas intervenciones instrumentales y una Madonna que pasa de recitar roncamente y casi sin color de voz a cantar un estribillo lleno de nostalgia y dulzura.
Erotica es un disco sin desperdicio por donde se lo mire o escuche. Es el disco más conceptual de Madonna y el que más producción y post-producción supuso de la mano de Shepp Pettibone. La polémica que lo rodeó lo opacó, es cierto, pero no se puede decir que haya sido por lo que Madonna quiso hacer, sino por los tabúes de la sociedad en concebir que una mujer pueda expresar su sexualidad sin ser tildada de puta y reventada, trepadora y arrastrada. La sexualidad de Madonna tiene algo que muchos no podemos lograr. George Michael lo dijo en una entrevista perfectamente: la sexualidad de Madonna es muy de ella, y eso, el ser humano, no lo puede soportar.

Nota: El mejor tema del disco es Rain con 10 puntos y el tema más flojo es Words con 5 puntos por su ubicación en el disco y por reiterar el formato de los otros temas dance sin poder sostenerlo.

El amor después del amor

La carrera de Madonna presenta altos y bajos como la mayoría de la trayectoria de los artistas. Los altos comos los bajos, no pueden ser caracterizados como simples hechos del azar o de la poca inspiración de un artista. Esa poca inspiración puede tener que ver con la obligación de sacar un disco por lo que dice el contrato con las voraces discográficas. Pero eso no es condición sine qua non de mala calidad del producto ¿Acaso no puede ser que por más obligación que se le imponga al artista, azarosamente, o por una cuestión de talento o astucia, ese trabajo sea supremo? Como bien dije, en este mundo, el éxito de un artista o de sus logros en las distintas esferas que abarca el arte a veces pasa por el talento, a veces por las influencias, a veces por la (des)inspiración y a veces, muchas, por la astucia.
Madonna es la combinación perfecta de todas estas situaciones, en donde reina, sobre todas, la astucia.
Pero hay un disco de esta diva en donde la inspiración se apoderó de sus cualidades realizando, así, el disco que según revistas como la Rolling Stones, es uno de los mejores discos de la historia de la música popular. Y hasta el año 1998, en este ranking que hizo aquella revista, era el único disco de una artista femenina que integraba la lista. Ese álbum, es el catártico y personalísimo Like a Prayer.
El disco no sólo es reconocido por su música, sino por el diseño de sus tapas, las fotografías, la nueva faceta de Madonna en su moda con una tendencia más grunge y sobre todas las cosas, muy mística y muy polémica. Lo promocionó realizando su primer tour que presentaba un espectáculo de estadio a grandes escalas, con geniales escenografías y coreografías. También, es reconocido como el primer espectáculo de rock de estadio que se dividía en bloques temáticos para la representación (teatral) de las versiones de los temas. Madonna resignó un poco el cantar en vivo para priorizar un poco más la representación visual utilizando el playback o la pista para apoyar su canto en dos o tres temas de todo el show de dos horas en el que baila casi sin parar. Aunque su técnica no es la mejor (que llegaría en la época de Evita) la manera en que se esfuerza para llegar a los agudos (que los alcanza siempre) es muy auténtica y le da una personalidad a su voz que fue su sello personal hasta el momento de interpretar a la política argentina. El show integraba su papel como Breathless Mahoney en la película Dick Tracy. La banda de sonido de la película, I’m Breathless, estuvo íntegramente realizada por Madonna. Se debe destacar algo de este disco. El clásico Vogue, insignia de la carrera de la cantante durante la década de los ’90, sale de esta producción. También se destacan el divertidísimo Hanky Panky (se recomienda hacer click aquí para ver la versión del Blond Ambition), Something To Remember (con una bellísima letra) y una de las mejores baladas de Madonna: Sooner Or Later, que tan bien interpretaba en los Oscars de 1991 cuando fue nominada como mejor canción de película. Probablemente la mejor performance en vivo de Madonna.


Sooner Or Later - I'm Breathless durante los Oscars de 1991

Volviendo al disco en sí, uno no puede más que deshacerse de elogios cuando habla de esta producción. Sin dudas la separación traumática con Sean Penn generó el afloramiento de tantas emociones en Madonna, valiéndole la composición de temas sobre esa ruptura, sobre la muerte de su madre, sobre el lazo con su padre y sus inclinaciones religiosas, que fueron centro de ese disco y de la polémica que desató la americana durante los años siguientes. El disco está dedicado a su madre “quien me enseñó a rezar”.

El primer tema es el homónimo del disco y, es claro, como una plegaria. Life is a mistery / everyone must stand alone / I hear you call my name / and it feels like home. Todos sabemos el escándalo provocado alrededor del video clip de esta canción: Madonna corriendo hacia una pequeña capilla, besándose con un santo, haciendo el amor con él en el altar, incendiando cruces. Arte. No era más que una devoción total hacia la religión y sin embargo la Iglesia se le puso como loca. En el Blond Ambition este tema seguía a una versión de Like a Virgin (perfecta alegoría) en la que Madonna simula (o no) una masturbación. Luego de representar la masturbación con una euforia descontrolada, las luces se apagan, la iluminan a ella y una voz en Off llama: God? (Dios?). No hay mucho más que agregar.


Madonna simula masturbarse mientras canta Like A Virgin en el Blonde Ambition Tour de 1991

El track número dos, es ni más ni menos que el clásico Express Yourself. Muy ochentas, con unos vientos interesantes. Una atmósfera de los temas más bailables de la época disco. Una letra muy lograda. Un temazo que tenía de las mejores coreografías para hacer en vivo, en este caso, en el tour, utilizaba pista. En la presentación del tema en los Video Music Awards de 1990, cantó y bailó en vivo acompañada por Niki Harris y Donna Delory, quienes le hicieron los coros y bailaron con ella durante unos 15 años (hacer click aquí). Un video que imitaba a la película Metrópolis de Fritz Lang. La voz de Madonna suena con mucha fuerza y desafío.
El tercer tema es una perla escondida de Madonna. Love Song la grabó y compuso junto a Prince, quien también produce el último tema del disco. El tema también es una alegoría a su relación con Sean Penn. Paradójicamente a lo que insinúa el título, la letra del tema aclara que esta no es una canción de amor: This is not a love song. Es una genialidad con el sello de Prince y una hermosa interpretación de Madonna.
El tema que le sigue era el relato de la relación con Sean Penn en los últimos tiempos antes del divorcio: They never laugh / not like before / she takes the key / he breaks the door / She cannot stay here anymore / he’s not in love with her anymore / the bruises the will fade away / you hit so hard with the things you say / I will not stay to watch your hate as it grows / You're not in love with someone else / You don't even love yourself / Still I wish you'd ask me not to go. El título de este tema es una ironía a lo que se supone que debe ser el matrimonio (otra cuestión que generó polémica), durar hasta que la muerte nos separe.
Promise To Try es una de las mejores interpretaciones de Madonna., probablemente por la carga emocional que tiene esta canción. Promise To Try es una catarsis sobre la muerte de su madre, cuando ella tenía 5 años, y cómo quiere recordarla de la mejor manera, cosa que tal vez le ha costado hacer: Does she hear my voice in the night when I call / Wipe away all your tears, it's gonna be all right / Don't let memory play games with your mind / She’s a faded smile / frozen in time / I’m still hanging on / but I’m doing it wrong. Toda la letra vale la pena (haga click aquí). La canta con un nudo en la garganta durante todo el desarrollo del tema, cosa que le da la unicidad de una verdadera obra de arte.
Cherish es una de las canciones con más alegría que jamás haya grabado. También hace referencia a su separación con Sean Penn pero del lado positivo: So tired of de broken heart and losing at this game / befote I star this dance / I take a chance in telling you / I want more than just romance / Cherish the thought of always having you here by my side / cherish the joy / you keep bringing into my life / cherish the strength you got the power to make me feel good / I perish the thought of ever leaving / I never would. El video lo dirigió Herb Ritts, el fotógrafo de True Blue, quien no se sentía capacitado para hacerlo. Aún así, sacó una de las más hermosas caras de Madonna: muy natural, en la playa, sin maquillaje, rodeada de sirenos y sirenitos.
Dear Jessie es una hermosa canción para niños escrita por el co - productor de este disco, Patrick Leonard, para su hija recién nacida Jessie. Madonna quiso incluirla en su disco ya que contemplaba una etapa de la vida familiar, tan citada en esta obra. Es hermosa de escuchar y en el video Madonna aparece como un hada animada que hace magia sobre Jessie. Los violines que son la base de este tema, van mutando hasta transformarse en la introducción del siguiente tema, mucho más oscuro, Oh, Father.
Sin dudas, otro de los más altos momentos del disco. Madonna insiste en que no es directamente a su padre a quien le canta, sino que es al vínculo con los hombres y cómo la relación con el padre es preámbulo de esto. Sin embargo, cuando uno ve el video no puede no hacer esta asociación. Una maravilla: Oh, father, if you never wanted to live that way / If you never wanted to hurt me / Why Am I running away? / You can’t hurt me now / I got a away from you / I never thought I would / You can’t make me cry / you once had the power / I never felt so good, ‘bout my self. Como ya hemos visto en el blog, tiene el mismo ambiente de confesión de Live To Tell, por eso las interpreta juntas en el Blond Ambition.
En Keep it together, por su lado, intenta exorcizar a todos los demonios que la persiguen en su historia familiar y narra la historia de su vida hasta ese momento y cómo la familia para ella fue clave. La versión en vivo en el Blond Ambition es un imperdible homenaje a Bob Fosse.


Keep It Together durante la presentación del Blond Ambition Tour

Spanish Eyes es una hermosa balada con ritmo español a lo Isla Bonita y me atrevo a decir que es mucho más hipnótica y poética que el éxito de su disco anterior. Le canta a un amor perdido a través de una plegaria con algunas frases en castellano mechadas como en aquel tema también. Por lo que insinúa el tema (no se encuentra mucha información en la web sobre él) ese hombre ha sido muerto en algo similar a una Guerra Civil: How many lives will they have to take? / how much heartahe? / how many suns will they have to burn? / spanish eyes / when wll they ever learn?
Lo último es una rareza. Art of Contrition es literalmente, una plegaria con la que comienzan algunas misas católicas. Sólo que está producida por Madonna y Prince, contiene voces gospel reproducidas al revés, al igual que la guitarra de Prince, que es la que aparece al comienzo de Like a Prayer y Madonna la hace cantada.

Por todo esto, hago hincapié en declarar, que así como a Fito Páez el amor le supuso su más grande inspiración y hacer su único excelente disco, El amor después del amor, que supera cualquier disco que se haya hecho en los últimos 15 años en este país, a Madonna el amor, le supuso lo mismo, pero desde otro lugar. Han dicho que este disco ha sido lo más cercano al arte que ha estado el pop. No se puede estar más de acuerdo. Porque todas las experiencias propias que Madonna había vivido en los años que precedieron a este disco fueron la gestación de sus emociones más oscuras y reveladoras a la vez de cuál era su potencial. A eso le sumó su astucia. Así, comenzó a gestarse lo que hoy conocemos como Madonna. Este fue el período más influyente de la cantante porque fue en donde su talento y dotes artísticos se fusionaron con el condimento de empresaria necesario.

True Blue: inspiración azul

Es interesante hacer análisis y críticas en diacronía. Más cuando lo que se analiza tuvo cierta continuidad, a pesar de algunas interrupciones, a lo largo de un período mayor de 20 años.
En el caso de la discografía de Madonna, se puede aprovechar mucho la diacronía. Porque son tantos sus discos de estudio y a la vez tan comprometidos con su vida personal que, si uno se interna en conocer la historia que los rodea puede darse cuenta de cuáles son las condiciones de existencia que llevaron a Madonna a realizar ese disco, de esa forma, con esos productores y la elección de las temáticas a tratar en cada producción. Claro que esto sucede con casi todos los artistas comprometidos con sus carreras. Sus vidas empiezan a tornarse el eje de su inspiración.
A diferencia de los dos primeros discos que he tratado en el post anterior, el tercer disco de Madonna reveló un aspecto que los otros dos no habían demostrado excepto por un par de temas: su faceta romántica y adulta. Ese disco es True Blue (Verdaderamente Triste). Y la verdad, que el título es una ironía. Porque Madonna, hasta ese año, estaba felizmente casada y enamoradísima, de quien, por lo menos hasta la realización de “Truth Or Dear”, documental de su gira Blond Ambition (1991), ella reconoce como el amor de su vida: Sean Penn. El matrimonio terminó con denuncias de agresión de parte de Penn y Madonna lo dejó, quedando verdaderamente triste.
Digamos que, si uno no hace este estudio en diacronía, y no sabe que Madonna era la Madonna que sólo un año atrás se arrastraba por el escenario cantando Like a Virgin, no creería que se trataba de la misma persona. Digamos que True Blue, fue el primer disco en donde Madonna volcó sus infinitas metamorfosis emocionales y estéticas en su música.
Entonces apareció rubia con el pelo corto, con ropa entalladísima y con unos 10 kilos menos. Y esa diferenciación también se notaba en las melodías y arreglos de los temas.
El disco lo produjo Madonna junto a Patrick Leonard, quien la acompañó hasta Ray Of Light. También tuvo la colaboración de Stephen Bray. A su vez, por primera vez, Madonna se integraba a la composición de todos los temas.
True Blue abre con Pappa Don’t Preach, temazo. Uno aprieta play y suenan unos violines grandilocuentes que luego serán loopeados con una muy buena batería. Por su parte, Madonna mejoró su técnica vocal. No es la mejor, pero sí se la escucha menos nasal. Su voz se sostiene más en los graves y en los agudos se le nota que fuerza la voz, pero no pifia una nota. Esa era la nueva Madonna. En este tema, Madonna narra la historia de la relación de una joven con su padre, sólo que la mecha con un conflicto de adolescente embarazada. No era muy común que en medio del Gobierno de Ronald Reagan se hablara de la posibilidad de realizarse un aborto o de una muchacha joven que expresara sobre su sexualidad. Claramente, Madonna se oponía al aborto en ese tema. Aparentemente, un muchacho que la quiere mucho la dejó preñada y su padre, convengamos que no es de fiarle su hija a cualquiera y no esperaba eso de su niñita. Así que “la muchacha” le pide a su papá que no la rete, o mejor dicho que no la sermonee (…don’t preach). En el video Madonna está preciosa.
El tema que le sigue, en mi opinión, es uno de los mejores temas bailables. Por su letra, su ritmo, los arreglos vocales y una vez que se ve el video o las presentaciones en vivo en el “Who’s That Girl Tour” (1988) o en el “Blond Ambition” (1991), se ve que ese tipo de coreografía son las que sellaron un estilo en su baile: Open your heart with the key / One is such a lonely number. Originalmente el tema había sido escrito para Cyndi Lauper. Sin embargo, la cantante lo rebotó y Madonna y Patrick Leonard lo retomaron y le cambiaron algunos versos.


Madonna abrió el Who's That Girl Tour de 1987 con una versión hiper bailada de Open Your Heart preciosa.

White Heat es otro tema genial para bailar y que si uno la ve a Madonna cantarlo en vivo en la gira de 1987 entiende porqué tanta gente no cree que hoy por hoy pueda cantar sin hacer play back. La muchacha de 27 años, subía y bajaba escaleras bailando y cantando a la vez, sin agitarse.
El tema que viene guarda un lugar especial en la carrera de Madonna. Es el primer sencillo del disco y se lo considera su primer tema maduro: Live To Tell. Los críticos “especializados” (?) insistían en que este cambio de imagen iba a enterrar a Madonna porque era una producto prefabricado que sólo podía vender siendo siempre igual. Sin embargo, fue uno de los sencillos más exitosos de Madonna y True Blue vendió más que sus dos primeros discos. Ya desde el vamos, el clima que genera el tema es el de un confesionario, muy eclesiástico. El tema es digno de Fedor Dostoievski y formó parte del soundtrack de la película que protagonizaba su marido, “At Close Range”. Es un diálogo que Madonna tiene consigo misma en su cabeza sobre la posibilidad de develar sus secretos y contradicciones. Ella misma la ha nombrado como su canción preferida. No tiene ningún desperdicio. Sin dudas, uno de sus mejores temas: if I ran away, I'd never have the strength to go very far / how would they hear the beating of my heart / will it grow cold / the secret that I hide, will I grow old / how will they hear / when will they learn / how will they know


Live To Tell/Oh,Father representando algún tipo de confesión en el Blond Ambition Tour 1991

Where’s The Party es un tema hiper bailable que Madonna suele mechar en sus presentaciones en vivo, para darle más connotación fiestera al ambiente. Nunca fue un sencillo pero sí formó parte de la compilación de Megamixes que se lanzó en 1987 llamado You Can Dance.
El tema que le da nombre al disco es una balada con ritmo cincuentero, cuyo video también remite a la época en la que los padres de Marti McFly se conocieron en Volver Al Futuro. Se supone que hay dos versiones de ese video pero la que se conoció acá es la que menos se difundió. La canción habla de su relación con Sean Penn, y es por ello que nunca más la tocó en vivo. Tiene una melodía muy linda, con una estructura de verso, estribillo y puente muy lineal. Sin embargo, la dulzura de la letra y la interpretación de Madonna, la hacen ser una canción hermosa para escuchar: Don’t want more sadness, I kiss it good-bye / The sun is bursting right out of the sky / I searched the whole world for someone like you / Don't you know, don't you know that it's true love.
El track número siete es ni más ni menos que La Isla Bonita. Uno de los hits más exitosos de la cantante, incluido en casi todas sus giras, exceptuando The Virgin Tour y el Blond Ambition. Fue escrita por Patrick Leonard para ser incluida en el disco Bad de Michael Jackson quien la rechazó. Madonna modificó la letra y la hizo marca registrada. La canción narra la historia de una inmigrante que dejó su pueblo natal, San Pedro. Fue el primer acercamiento de Madonna a la música hispano/latina. Incluye versos en castellano, cosa que hasta ese momento no era nada común y tiene una estructura muy atractiva con compases de flamenco y algo de bolero.
Jimmy, Jimmy es otro tema semi cincuentero al estilo True Blue pero con un ritmo más ochentoso y muy pegadizo.
El disco cierra con el primer tema que fue grabado para este álbum en el año 1985 y que Madonna interpretó en vivo en el Live AID de ese año. La temática es especial para aquella ocasión ya que hablaba sobre la injusticia social y la falta de paz y conciliación en la humanidad: Love means to understand / Reach out for someone's hand / 'Cause everything you do / Comes back in time to you / We have to change our fate / Before it gets too late.
True Blue era todo un desafío en la carrera de Madonna. Tenía que hacer algo lo suficientemente bueno y maduro como para ganarse a los críticos que la veían como un fenómeno adolescente que no iba a llegar a ningún lado. Su cambio de imagen plasmado maravillosamente en la tapa del disco por el fotógrafo Herb Ritts fue su carta de presentación. De la misma manera, la calidad de la grabación fue una de las mejores de ese momento y las canciones, todas, demostraban que su experiencia en la industria musical y en su vida personal comenzaba a fusionarse para hacer una de las carreras más prolíferas de la historia.


Nota: teniendo en cuenta interpretación, arreglos instrumentales y vocales, producción, composición muscial y lírica, calificaré el mejor y el más flojo de los temas de los discos de Madonna. En este caso Live To Tell se lleva 10 puntos y Love's What Makes The World Go Round, 6.