Un día de perros

El 16 de noviembre de 2016 quedará registrado en la memoria de miles de argentinos (tal vez algunos hoy aún no lo sepan) como un día histórico. El Congreso de la Nación sancionó la ley de prohibición de carrera de galgos asentando así una idea de igualdad de especies sin precedentes casi en este país. La ley de defensa animal que tenemos data de añares atrás y le falta mucho para ser una ley ejemplar como lo es ésta. No voy a entrar en detalles en torno a la ley ni a destacar lo que ya saben que creo en relación a los animales que habitan esta tierra, muchos años antes que nosotros, de una manera mucho más responsable y real. Lo que voy a realizar es un descargo contra los diputados que votaron en contra. Primero, y en breves palabras, me planto contra todos ellos: seres que se dejaron apretar por una mafia espantosa, que de lejos se nota que les chupa un huevo el perro (durante la vigilia por el voto de la ley alzaban a uno como si fuera un trofeo... Basta ver la cara del pobre animal). Estos diputados no quisieron ver lo evidente: los videos en donde estos animales son torturados, las denuncias hechas por las organizaciones sobre el uso de estupefacientes de manera sitemática para "un mejor rendimiento" (en los Facebooks de estos tipos recomiendan qué drogas son mejores), de montas desreguladas de perras que son abandonadas cuando ya no pueden más de parir o bien de correr. Los "galgueros" los tiran a la ruta, quebrados, a morir, cuando no los matan a balazos o los cuelgan de los árboles. A todos esos diputados (la lista la pueden encontrar en Internet), les deseo lo peor. Y a otro grupo de diputados, muy específicamente, les deseo más que lo peor aún, porque corresponden al partido que durante 12 años llevó a este país a un estado de mayor democracia con leyes ejemplares como la de matrimonio igualitario, la de identidad de género, muerte digna, asignación universal, medios, etc. Ahora, cuando se trató de "otra especie" no pudieron. No pudieron seguir haciendo de este país uno más democrático. Y sí pudieron muchos que votaron en contra de esas hermosas leyes ¿Es esto casual...? Claro que no. Claro que la ley de prohibición de carreras de perros en todo el territorio nacional es una elección más fácil de digerir que la ley de medios. Pero justamento por eso, a vos te digo, Juliana Ditulio, Diana Conti, Carlos Kunkel: ¿NO ERA MÁS FÁCIL VOTARLA? Estoy indiganada. Algunos incluyo metían en sus discursos la palabra "trabajo digno". O sea que regentear prostitutas tambièn es un trabajo digno. Es la misma esclavización. Si el perro se "auto entrenara y auto contratara" para correr las carreras, allá ellos. Pero bien sabemos que no tienen la posibilidad, ni el lenguaje para hacerlo. Se los digo, para que les quede claro, aunque me cuesta creer que no lo sepan, loco... Muchos incluso decían que si se trataba esta ley, debería tratarse otras en torno a otras especies animales. CHOCOLATE POR LA NOTICIA, PAPÁ ¡Pero no por eso votás en contra! Es como decir que no vas a la marcha de Ni Una Menos porque la violencia es contra todos los seres humanos. El reclamo tiene que hacerse igual. Me cuesta creer (o no quiero creer) que estos tres diputados (los destaco porque sé que son personas muy idóneas) no supieran esto... Pero su voto fue negativo, así que tengo que enojarme. Es mi deber enojarme, porque siempre voy a defender al Gobierno Kirchnerista. Y por eso aplaudo más que nunca ahora a Axel Kiciloff, Cristina Álvarez Rodríguez y a Juan Cabandié, entre otros, que nos supieron representar. A ellos, gracias. Si queremos un país más democrático tenemos que ir POR TODO, LOCO. De a poco, pero por todo. No sos más poronga porque le digas que no a una ley "friendly" que Macri y Vidal apoyan. Te lo digo yo y muchos del 50% que los elige, que acá la pifiaron mal. Esta era una oportunidad fácil y la dejaron pasar. Mientras tanto sigamos luchando por una Argentina más justa. Para todos y todas de todas las especies.

Un día de perros

El 16 de noviembre de 2016 quedará registrado en la memoria de miles de argentinos (tal vez algunos hoy aún no lo sepan) como un día histórico. El Congreso de la Nación sancionó la ley de prohibición de carrera de galgos asentando así una idea de igualdad de especies sin precedentes casi en este país. La ley de defensa animal que tenemos data de añares atrás y le falta mucho para ser una ley ejemplar como lo es ésta. No voy a entrar en detalles en torno a le ley ni a destacar lo que ya saben que creo en torno a los animales que habitan esta tierra, muchos años antes que nosotros, de una manera mucho más responsable y real. Lo que voy a realizar es un descargo contra los diputados que votaron en contra. Primero, y en breves palabras, me planto contra todos ellos: seres que se dejaron apretar por una mafia espantosa, que de lejos se nota que les chupa un huevo el perro (durante la vigilia por el voto de la ley alzaban a uno como si fuera un trofeo... Basta ver la cara del pobre animal). Seres que no quisieron ver lo evidente: los videos en donde estos animales son torturados, las denuncias hechas por las organizaciones sobre el uso de estupefacientes de manera sitemática para "un mejor rendimiento" (en sus Facebook se recomiendan qué drogas son mejores), de montas desreguladas de perras que son abandonadas cuando ya no pueden más de parir o bien de correr. Los "galgueros" los tiran a la ruta, quebrados, a morir, cuando no los matan a balazos o los cuelgan de los árboles. A todos esos diputados (la lista la pueden encontrar en Internet), les deseo lo peor. Y a otro grupo de diputados, muy específicamente, les deseo más que lo peor aún, porque corresponden al partido que durante 12 años llevó a este país a un estado de mayor democracia con leyes ejemplares como la de matrimonio igualitario, la de identidad de género, muerte digna, asignación universal, medios, etc. Ahora, cuando se trató de "otra especie" no pudieron. No pudieron seguir haciendo de este país uno más democrático. Y sí pudieron muchos que votaron en contra de esas hermosas leyes. Ahora: ¿es esto casual...? Claro que no. Claro que la ley de prohibición de carreras de perros en todo el territorio nacional es una elección más fácil de digerir que la ley de medios. Pero justamento por eso, a vos te digo, Juliana Ditulio, Diana Conti, Carlos Kunkel: ¿NO ERA MÁS FÁCIL VOTARLA? Estoy indiganada. Algunos incluyo metían en sus discursos la palabra "trabajo digno". O sea que regentear prostitutas tambièn es un trabajo digno. Es la misma esclavización. Si el perro se "auto entrenara y auto contratara" para correr las carreras, allá ellos. Pero bien sabemos que no tienen la posibilidad, ni el lenguaje para hacerlo. Se los digo, para que les quede claro, aunque me cuesta creer que no lo saben, loco... Muchos incluso decían que si se trata esta ley, debería tratarse otras en torno a otras especies animales. CHOCOLATE POR LA NOTICIA, PAPÁ ¡Pero no por eso votás en contra! Es como decir que no vas a la marcha de Ni Una Menos porque la violencia es contra todos los seres humanos. El reclamo tiene que hacerse igual. Me cuesta creer (o no quiero creer) que estos tres diputados (los destaco porque sé que son personas muy idóneas) no supieran esto... Pero su voto fue negativo, así que tengo que enojarme. Es mi deber enojarme, porque siempre voy a defender al Gobierno Kirchnerista. Y por eso aplaudo más que nunca ahora a Axel Kiciloff, Cristina Álvarez Rodríguez y a Juan Cabandié, entre otros, que nos supieron representar. A ellos, gracias. Si queremos un país más democrático tenemos que ir POR TODO, LOCO. De a poco, pero por todo. No sos más poronga porque le digas que no a una ley "friendly" que Macri y Vidal apoyan. Te lo digo yo y muchos del 50% que los elige, que acá la pifiaron mal. Esta era una oportunidad fácil y la dejaron pasar. Mientras tanto sigamos luchando por una Argentina más justa. Para todos y todas de todas las especies.

Diva - Annie Lennox

En los 80's hubo muchas bandas emblemáticas. Difícil contarlas con los dedos de la mano. A diferencia de los años 2000, de 1970 para el segundo milenio, todas las décadas estuvieron repletas de bandas y más bandas que marcaron la diferencia en la historia de la música. De la década del surgimiento de MTV, los peinados locos, los sintetizadores y los crucifijos colgantes hay una banda que me encantó desde el comienzo. Cuando yo tenía 1 año, lanzaron Sweet Dreams; a mis tempranos 3 años, sacaron uno de los hits más bellos que jamás escuché como There must be an angel. Sí, Eurythmics es la banda. Y Annie Lennox era la voz. Para comienzos de los 90's la banda se disolvió. David Stweart se convirtió en un productor prodigio además del músico que es y Annie... Annie sacó Diva, uno de los mejores discos que escuché en la vida y que nunca más volveré a escuchar. Lo primero que me sedujo de Diva fueron sus videos. En el canal de música de Cablevisión (aquellos años muy felices), Music 21, empezaron a rotar el catálogo de clips de aquel disco: casi todas las canciones tienen uno. En esa época no era común como ahora. Beyoncé, sin ir más lejos, ya sacó dos "discos visuales". En ese momento Annie sacó el disco y un VHS con la obra audiovisual. Además de la increíble estética, que no era más que un reflejo de esa belleza al estilo "reina de la nieve punk" que siempre tuvo Lennox. los videos contaban a la perfección la historia de las canciones, sin un relato muy literal. No se puede destacar ni un tema o ni un video por encima del otro. A la vez, quedaba a cargo del tema central de la gran versión de Drácula de Francis Ford Coppola. Lo que hizo con Love Song For A Vampire, también brilla El disco abre con Why, una de las baladas más perfectas, dulces; a la vez triste y cruda pero madura. El video la muestra a la cantante sin nada de maquillaje; como si algo la hubiese dejado en bruto, vacía. Pero comienza a maquillarse, a armarse para seguir a pesar de que se sintiera así: la letra habla del fin de una relación. Luego sigue Walking on broken glass, Precious, Legend in My living Room (un tema funkie-soul increíblemente oscuro a la vez). Las baladas Cold, Primitive, Stay By Me y, mi preferida, The Gift, hielan la sangre. Little Birds (con un video que presenta todos los estilos que tuvo Annie Lennox durante su carrera a lo Juana y Sus Hermanas representados por Drag Queens. Annie estaba embarazada) y Keep Young and Beautiful que se remonta al sonido de la música de los años 20. Pocos discos, en mi opinión, después de Diva, lograron la belleza, la calidad, la inspiración, simpleza pero profundidad a la vez, tanto en la interpretación como en la voz de esta mujer única que siempre va a influenciar la música pop de aquí a la eternidad, con todos sus discos, pero principalmente, éste, porque, en su forma, muy distinta de la convencional, es una Diva.

The Bourne Chemistry

Hay energías que cuando conectan, coindicen en un mismo espacio/tiempo, hacen magia. Trascienden, hablan sin hablar. Pasa con paisajes, como cuando la luna brilla sobre el agua, o hay montañas en el mar. Pasa con personas, como cuando Paul y John escribían o Eva conoció a Perón. Y pasa cuando Paul Greengrass decide volver a filmar la obra de Robert Ludlum y Matt Damon le dice que sí a protagonizarla. The Bourne Identity fue la primera de esta serie de películas basadas en las novelas de Ludlum. Esa primera entrega fue un inicio, una probadita justa, correcta, atrapante, dirgida por Doug Liman. La historia quedó perfectamente plasmada, introducida en nuestros cerebros. La química entre Damon y su co-piloto femenina, Franka Potente, fue infalible. Pero a partir de The Bourne Supremacy, las cosas se pusieron serias. Al punto (spoiler alert) que a pesar de esa maravillosa química, Paul Greengrass -el nuevo director a cargo- decidió respetar la historia y matar a Marie (el personaje de Potente). Y ahí, nos rendimos. Todos abrazamos a Jason Bourne y no lo soltamos más. Aparecerían personajes femeninos que también se aferraban a él y lo protegían como el de Joan Allen y el de Julia Stiles. Pamela Landy (Allen), en The Bourne Ultimatum, le devuelve su verdadera identidad: David Webb. Sin embargo nunca se logra apropiar de su ser. Sigue sin ser. Sigue y sigue y sigue. Por eso también el "nomadismo" de Bourne. No sólo porque lo persiguen sino porque ser en inglés significa lo mismo que estar: to be. Y entonces llega Jason Bourne, la cuarta entrega. Damon le dijo que sí a este rodaje justamente porque creía esta cuestión de la que hablamos aquí. Que la mirada de Greengass es infalible. Por eso quedó tan en el olvido The Bourne Legacy. Ni me pregunten de qué se trataba porque me olvidé de lo pasajera que es esa película. La dirección quedó en manos de Toni Gilroy. Pero no Jason Bourne. El hecho de que la primera persecución (en ésta hay cinco) se dé en una manifestación en Grecia, país europeo vapuleado por el fracaso del sistema capitalista, que se hable puntualmente de la conexión entre redes sociales y organizaciones de control e inteligencia, que la mujer no sea más la buenita, sensible y protectora, no es casual. La lectura de la realidad que hace Bourne, aún en su incertidumbre, en un contexto de espionaje y desconfianza constante habla más de todos nosotros que de aquél que él cree ser o no ser. En esta entrega, el título habla mucho sobre la esencia de la historia. Jason Bourne sigue siendo ese nombre. Como le dice el Director de la CIA interpretado increíblemente por Tommy Lee Jones, incluso pareciera ni importarle David Webb. Pero no es tan fácil. Webb/Bourne fue sometido a mecanismos de tortura y adiestramiento altamente inquebrantables por los que su psiquis pende de un hilo. Así se manejan la mayoría de los centros de inteligencia del mundo en formación de agentes. Su elección queda sumergida en un sin fin de sufrimientos y finalmente es anulada. Se eligen personas cuyo motivo en la vida es incierto, quienes no creen tener otra razón para existir. Los reclutan y los transforman es las máquinas que vemos en la película. Ojalá que Jason Bourne sea el reencuentro de este trío infalible y que podamos ver a nuestro héroe tan humano a pesar de todo, encontrar su razón de existir.

Mi vida sin Manu

Hace 14 años empecé a enloquecer por el basquet. El mundial de Indianapolis me voló la cabeza. Yo tenía 19 años. Manu Ginobili tendría unos 24. Hoy, 14 años después, puedo decir que vi a una selección argentina de básquet ser campeona olímpica y traer una medalla de bronce. Lo que han generado por el deporte (no sólo el de la pelota anaranjada) Nocioni, Pablo Prigioni, Carlos Delfino, Fabricio Oberto y el maravilloso Luis Scola, entre otros, no tiene parangón. Por lo menos, para mí, ni en el football ni en cualquier otro deporte. Tengo miles de jugadas, de momentos, miradas, actitudes de la llamada Generación Dorada en mis recuerdos. Podría nombrarles tantas que dirán ¿cómo a una piba se le quedó tan adherido a la memoria algo relacionado con el basquet? Pero sí. De los más importantes para mí: la entrada de Walter Herrman en aquel histórico triunfo de Argentina ante Estados Unidos en Atenas 2004, o viniendo más acá, los puntos del Chapu y el enorme pequeño jugador que es Facundo Campazzo durante el eterno partido contra Brasil en el último Juego Olímpico. Pero ya sabemos, que lo más grande que nos pasó a los amantes del deporte junto con el gol de Maradona a los ingleses, fue esto. Gracias, Manu. Te amaré por siempre. Gracias y amor eterno. Abajo de esa montaña final, hay oro.

La verdad de las plazas

El 24 de febrero marchamos los trabajadores a la Plaza de Mayo. Esa frase tiene muchas aristas para analizar. Pienso primero en que la fecha es exactamente un mes antes del 24 de marzo: una de las fechas más importantes de nuestra historia. Pienso, luego, en "trabajadores": no eran sólo trabajadores de hecho, sino, tal vez, gente sin trabajo, amas de casas, despedidos ¿Qué nos engloba como trabajadores? Nuestra clase ni más ni menos. La clase que si no es por el empleo, lisa y llanamente, no puede vivir (lo que dista de aquello llamado "clase media"). Pienso en "a la Plaza de Mayo": diría "una porción de la plaza", ya que -a diferencia de lo sucedido en los últimos 12 años- esa plaza se encuentra "recortada". Sólo una porción le pertenece al pueblo. Al avance del pueblo por sobre el Gobierno (que no es el Estado que sí es del pueblo). Pienso en esa plaza que, dos meses atrás, era testigo de un hecho muy poco común: el pueblo ("los trabajadores") despidiendo a un Presidente, colmando ese espacio público. Y entonces pienso en ese espacio público como huella imborrable de la historia. Huella que puede ser tergiversada por el medio o grupo monopólico que quiera, pero los que estuvimos allí, el 24 de febrero, los 24 de marzos, el 9 de diciembre de 2015, 2001, el 27 y 28 de octubre de 2010 (muerte de Néstor), la fecha que quieran, sabemos la verdad de esas plazas. Eso queda, eso es memoria, eso interpela y convoca como nada. No es la plaza de Blumberg, no es la plaza del Campo. Los trabajadores sí tenemos memoria. Soy optimista. Creo que los que no se solidarizan con la movida que se está dando, no lo entienden. No son de clase trabajadora. La clase no se define por su acción. No importa si sale a trabajar o no. Si no tiene conciencia de su clase, por más de que labure 600 horas por día, no es un trabajador. El trabajador, aunque cobre un plan, se solidariza, se moviliza (interna y activamente), se indigna ante la injusticia de los que manipulan al pueblo con mentiras asquerosas sin filtro, como la suba del "40%" a los docentes. Los trabajadores no nos comemos los mocos, ni una. Era fácil estar en la plaza y pensar en que hace dos meses fuimos tristes pero contentos (entendido como plenos) sabiendo que este tiempo hemos sidos empoderados, pero no por Cristina, sino por la soberanía que el pueblo fue construyendo, paso a paso. Por mí puede haber un 30% de personas que elijan a Macri, por ignorantes, por fachos, lo que quieran. Pero sé que hay un 21% que no lo es, que se cegó, se perdió, se distrajo -gran mecanismo para arrasar con los laureles que supimos conseguir. Tal vez muchos de los que votaron en blanco inclusive ahora entienden que no era lo mismo Scioli que Macri. Aunque Scioli no era la panacea (ni el Kirchnerismo lo fuera). Había cosas intocables para Scioli que sabemos que iban a quedar igual. Para Macri no, porque es un títere. Un títere de grupos financieros, monopólicos, seres mucho más demoníacos que él, se los aseguro. Y con el 49% más el 21% somos muchos. Ahora: esperamos a un buen/a candidato/a. Pero en lo que había que pensar hoy, no era en la tristeza o alegría, era en la bronca que tenemos -no miedo- de que quieran reproducir lo sucedido en 2001. No podemos dejarlos. Somos otra sociedad. Que gobiernen como quieran gobernar pero no los dejemos nosotros, los trabajadores. Defendiendo lo nuestro. Nuestro país, porque ellos, claramente pertenecen a otro. Un país de genocidas, déspotas y dictadores. Ese país, definitivamente, nunca más va a ser la Argentina.

Bella Calabaza en el adiós

Voy a ser breve. No hay mucho más que decir. Sólo quiero narrar mis emociones. Los análisis políticos sobran. Hace dos años que no publico nada en este blog o más, y me da pena. Eso han generado las redes sociales. La gente lee lo breve, lo gráfico... Yo no soy así. Y si nadie me lee, para qué escribo. Pero esto lo voy a escribir para mí y para quienes quieran reproducirlo. Hace menos de un mes, Mauricio Macri, el jefe del partido Pro, ganó las elecciones a Presidente en la segunda vuelta. Ganó por muy pocos puntos, por muy pocos votos. Ganó con votos que no le corresponden en un 100% así como a Daniel Scioli, su oponente, no le corresponden sus votos tampoco. Pero, eso es un ballotage. Sin embargo, a pesar de doce años en el poder -y con el desgaste que esao conlleva-, el Partido oficialista sumaba casi la mitad de los votos del electorado nacional. Desde el 22 de noviembre, la vida de ese más de 48% no es la misma. Sí, hubo tristeza, decepción, el inicio de una autocrítica que se hizo esperar, pero de pronto, noto, por lo menos yo desde mi humilde lugar, que hubo un reconocimiento, una revalorización de todo lo que los Gobiernos de Néstor y Cristina Kirchner nos han devuelto, o a muchos, entregado por primera vez. AUTONOMÍA. Siento que nos hicieron valorar la autonomía de pensamiento. No me refiero a los fanáticos, ni de un lado ni del otro, hablo de los que supimos realmente capitalizar los logros de estos Gobiernos más allá de los hechos concretos y comprenderlos como batallas ganadas a un sistema político y económico que durante años nos dijo que sólo unos pocos podían interesarse porque unos pocos podían formar parte. Ya no más. Ahora todos podemos formar parte de nuestro devenir político, en democracia. Sin necesidad de estar en una dictadura cruenta y genocida, estamos aquí, plantados para defender, defendernos, defenderlos. Por más críticas a dirigentes del Frente Para la Victoria, por más críticas a decisiones tomadas por la misma Presidenta o lo que fuere, tenemos que unificarnos en este presente AUTÓNOMO pero colectivo. La Plaza de ayer no fue una plaza más. No fue una plaza más tampoco de las tantas que tuvimos estos últimos doce años si quiera. Esta vez, yo sentí, que la plaza fue más nuestra que nunca. Aunque no he vivido el Peronismo de Perón... Pero bueno, hablo por mi parte. Yo también puedo mirar a los ojos a personas que votaron a Cambiemos con la misma convicción que lo hacía en el Gobierno de Néstor, luego de Cristina, de doce años, y hoy siento que es más nuestro que nunca. Aunque el "Jefe" sea Macri. Hoy somos más nosotros los que vamos a plantarnos para que las decisiones sean tomadas o no. Y en nosotros incluyo a todos los argentinos. Y si no lo creen, créanlo. Si queremos que "volvamos a ser Gobierno", aprendamos de los errores, y busquemos un líder que pueda representarnos a todos. Tal vez Scioli haya mostrado sólo una parte de lo que puede dar; tal vez sea otro. No lo sé, pero sí sé que esta búsqueda de líder, de nuevos caminos aprendiendo de los errores previos debe ser firme, constante y direccionada, compañeros. Somos nosotros los que llegamos hasta acá junto a Cristina. Sigamos, no nos perdamos. Fuerza. Mercedes Peluffo.

Adore - Smashing Pumkins: encontrarme en lo oscuro

Podría evitarlo, pero no hay forma de empezar a hablar de mis amados discos de los '90's sin citar a mi fuente de inspiración de aquella época: La MTV. Sí, ya todos sabemos que la MTV de hoy no es lo que comenzó siendo. Y se podría decir que casi todas las bandas que van apareciendo en esta sección de "Discos Pubertosos" han llegado a mis oídos (y ojos) gracias a aquella emisora. Así es como un día de 1994 pesqué un video muy particular: "Disarm" de Smashing Pumpking del segundo disco de la banda: Siamese dream. Se ve a sus miembros flotando sobre imágenes de una casa mientras tocan sus instrumentos, y a un anciano caminando a través de un paso subterráneo. Por otro lado se superponen con otras a color al estilo de las películas caseras antiguas, que muestran a un niño jugando en el exterior. El tema me hipnotizó de entrada, pero lo dejé ahí. Como una especie de "One Hit Wonder" personal (creé esa categoría para hermosas canciones de bandas que son mucho más que ese tema, pero a mi criterio no tienen mayor trascendencia). Luego vendría el disco Mellon Collie And The Infnitie Sadness. Allí estalló todo, particularmente por uno de los mejores temas de los 90's ("Tonihght, Tonight") con, claramente para esa época, uno de los videos más perfectos y logrados que se pudo haber visto en la MTV. Pero el disco de este grupo de Chicago que marcó mi etapa "pubertosa" fue Adore. Con toda la expectativa que podía generar un disco tan grandioso como Mellon Collie, sus seguidores y la crítica tenían los dientes muy afilados para hincárselos a la próxima obra de Don Billy "Dolape" Corgan. Recuerdo la crítica en Página/12 como si fuera hoy, no así quién la escribiera, pero puntuaba el disco con un diez redondísimo argumentando que era una de las joyas más preciosas que íbamos a ver en mucho tiempo. Las letras estaban llenas de melancolía, nostaligia, mucho más literalmente que su disco anterior que aunque en su título se cargaba de sentimientos desolados, en algún punto jugaba más con sonidos que buscaban la luz. Tanto "Tonight, Tonight" como el hitero "1979" son muestra de ello. Adore, no. Adore es oscuridad, pero no una oscuridad negra, sino gris, azul. Se pueden ver cosas de otra forma a través de la escucha de este disco. No voy a extenderme nombrando canción por canción lo que se puede destacar, pero sin dudas desde la apertura del álbum con "To Sheila", pasando por el Hit "Ava Adore" (con un video a tono con la estética gótica que Corgan quería darle a esta etapa de la banda, incluso lookeado como Nosferatu), "Tear" y la hermosísima "Crestfallen" (con una letra sencilla y muy sentida) Adore, es una invitación constante a querer más. Escuchar más y más en cada mínimo detalle de estas canciones que parecen tan sencillas pero suponen una introspección e inspiración que claro, le significó al grupo comenzar a disolverse luego de su lanzamiento. Primero la bajista D'Arcy y después el guitarrista James Iha. Jimmy Chamberlin (el baterista original) ya los había dejado después de Mellon Collie. La canción For Martha merece una mención especial, tal vez por ser la más "grandilocuente" del disco dentro de una aparente "sencillez" en los arreglos, por ser la de más larga duración, pero a su vez, por tener una letra tan tremendamente poética que hasta da envidia. Luego de esa formación, Corgan quedó sólo con el grupo, ya que los integrantes que estuvieron en las formaciones posteriores entraban y salían como por puertas giratorias. Una pena, porque Smashing Pumpkins fue sin dudas una de las bandas más emblemáticas de los '90's y de mi vida. For Martha - The Smashing Pumpkins

Eminem - The Marshall Mathers LP

Eminem es un personaje muy interesante para analizar. Partamos de la base de que es un rapero blanco en un mundo en el cual(casi como excepción) ser de esa raza es un estigma. En segundo lugar, este muchacho de Detroit, tiene buen fraseo e ideas para rapear a diferencia de sus colegas como Vanilla Ice. Por otro lado, supo hacer muy buenos discos. Tal vez no tanto ahora, pero tiene ojo para los hits, claro, sumado a un equipo de productores como Dr. Dre (capo del Hip hop) que supo guiarlo muy bien. Sus videos son referenciales del momento de apogeo era MTV; cando aún Youtube no había desplazado por completo a la forma tradicional de acceder a los bienes culturales (musicales, televisivos, cinematogréficos, de artes escénicas). En ese entonces, los videos de Eminem (nacido como Marshall Mathers) siempre se destacaban, así como hoy lo hacen los video de Lady Gaga. Con siete discos en su haber y pronto a lanzar el octavo, podemos decir que el chico tiene talento. Pero justamente esa es la frase que mejor aplica para describir en qué radica el capital artístico de Eminem. El talento, posiblemente, una de las cualidades más ambiguas que hay. Este concepto, muy post "noventas", propio de los realities que buscan estrellas fugaces, o de aquellos quienes logran llegar a la cima por un corto período podría compararse con una cajita que muchos pueden tener, pero la que pueden rellenar con porquerías (Britney Spears) o con diamantes (Justin Timberlake). Algo así como cuando uno corta una relación diciendo que: "sos una persona divina, pero..."; "Tenés mucho talento, pero..." Eminem está en el medio de esos dos casos. Sus últimos discos no hacen más que repetir la fórmula de un samplear un tema conocido o no (recordemos que fue él quien descubrió a Dido utilizando el estribillo del tema de la inglesa, Thank you, para hacer la joya Stan del disco The Marshall Mathers LP) ponerle una letra entretenida, polémica o de alto contenido intrigante y nada más. Sobretodo podemos decir que sus últimos hits fueron bastante básicos, como el que hace con Rihanna, Love the way you lie (creemos una dupla desaprovechada), en donde jugó con que lo que iba a bastar era poner a Megan Fox en el video. Desde ya que el tema rotó y rotó y bastó para que venda, pero los que escuchamos su tercer disco, The Marshall Mathers LP, sabemos de lo que hablamos. En 2000 Eminem tenía cierta reputación: niño blanco problemático, medio "todofóbico", machista, violento, adicto. Pärecía tenerlas todas. Tantas, que era más que evidente que no era más que un vende humo para llamar la atención de los medios. Lo logró, pero también se hartó. Entonces lanza este disco, con el nombre que aparece en su documento. Eminem quería jugar a ser él. Luego de su segundo disco, apodado como su Alter Ego Slim Shady, Eminem se enfocó en enterrar a ese otro yo. Las canciones de The Marshall cuentan sus problemas de aceptación personal, sus vínculos enfermizos con su ex mujer y madre, sus adicciones, el peso de ser blanco en una industria encasillada (tal vez por los blancos mismos) en que hay que ser negro para triunfar. A su vez, algunos tracks están separados por fragmentos de conversaciones entre el rapero con CEO de la discográfica, productores defenestrando su disco por su poco valor comercial, por su nivel de confrontación. Parecía estar explicitando su estrategia comercial: alto grado de polémica que lo podría llevar a perder su contrato con Polydor. Sin embargo lo que más atrajo al público, no fue tanto ese asunto, sino, la perfecta combinación entre lo visual y su música. Cada canción parecía ser un video clip sin necesidad de estar mirándolo. Perfectas radionovelas musicales; y cada uno de los videoclips cumplían perfectamente con la expectativa. Tal es el caso de Stan. Esta canción cuenta la historia de una fánatico obsesionado con el rapero, quien luego de enviarle una serie de cartas (cuando aún Internet no había estallado) que no fueron contestadas a tiempo, decide matarse arrojándose al río en su auto con su mujer embarazada en el baúl. Cuando Eminem tiene tiempo para responderle la carta, intenta convencerlo sobre su grado de obsesión para con él. Stan ya estaba muerto. Ve las noticias sobre el suicidio y cae en la cuenta. La brutalidad de la historia, está perfectamente plasmada en la interpretación que hace el mismo Marshall Mathers de Stan. Cuando llega el desenlace del relato, es imposible no tener escalofríos. Esto se repite en varios temas del disco, todos con excelentes letras, muy buenos ritmos e invitados como Snoop Dog, Dr. Dre, Nate Dogg y la banda que tenía Eminem en ese momento D12. En 2002 protagonizó una película casi autobiográfica cuya actuación fue muy bien recibida y le valió un Oscar a la mejor canción en ese año por la excelente Lose yourself. Eminem es un excelente ejemplo de talento, ¿cuánto se puede hacer con eso? Eminem - Stan Eminem - Lose Yourself

Muertos y muertitos

No puedo pensar en la muerte. No puedo concebir la idea de que hoy camino, respiro, río, lloro, conozco seres, me atraen, me repelen, me rechazan, comparto, crezco, vivo y un día, simplemente, se apaga la luz y dejás de estar, de ser, de transitar, procesar. No puedo concebir esto. Supongo que porque aún hay mucho camino por recorrer. La gente vieja, muy vieja, muchas veces, lo único que esperan de esta vida es morir. Llegaremos ahí como parte natural. La muerte es una de las cosas irrepresentables para el lenguaje humano. No hay nada que pueda darnos una idea de lo que es la muerte, sólo su (paradójicamente) vivencia. Entonces me parece muy interesante pensar en la creación de dos personajes del género del terror que están anclados a estos conceptos de maneras distintas pero que se rozan y que simbolizan a la muerte a tal punto que hasta logran tener relación con como vive la sociedad contemporánea. Para esto voy a recurrir a Drácula de Bram Stoker. Más puntualmente a la versión cinematográfica de Francis Ford Coppola con Gary Oldman, Winona Ryder (en su época de esplendor), Anthony Hopkins y Keanu Reeves. Yo tenía diez años cuando la vi. En VHS con mis padres. Lo que muchos consideraban que podía dar miedo, para mí no fue más que lo que el autor quiso expresar (probablemente por el excelente enfoque que da Copppola): una historia de amor, trágica, tan trágica como Romeo y Julieta. Entre todo ese mejunge de monstruos, lobos, sangre y misticismos (porque los vampiros son un mito más instalado en la cultura occidental a diferencia de los zombies -no es común que alguien crea en los zombies por estos lados del hemisferio. Son de procedencia africana y los vampiros, europeos) el Conde Drácula conoce a Wilhemina "Mina" Murray y ella lo conoce a él. Mina luchará constantemente durante el desarrollo de la historia contra el dilema de amar a ese monstruo que traumatizó a su pretendiente y el Conde contra el dilema de convertirla en un ser de muerte, podríamos decir una caminante muerta... Lucha contra su amor por la muerte y, de alguna forma, darle vida a través del amor. Sin embargo es por su voluntad que ella termina haciéndolo y es por su voluntad que termina dándole paz eterna a Drácula, por amor. En la escena de la conversión de Mina a vampiresa, ante la duda del vampiro ella le ruega: "Llévame lejos de esta muerte", que paradójicamente era estar viva. El deseo de muerte aparece entonces representado como un lugar de encuentro con el amor. Mientras la historia más grande de vampiros trata el dilema del amor y la muerte "a la" Romeo y Julieta en algún punto, los zombies no. Los zombies apuntan a lo peor del ser humano. Los muertos vivos son retomados por George Romero para hacer reinterpretaciones y relecturas sobre la realidad de las sociedad occidentales capitalistas. El zombie es peor que la muerte. Así como los vampiros de Drácula o Entrevista con el Vampiro, sufren el hecho de vivir eternamente, el zombie no registra, no piensa, no tiene ningún tipo de rastro de vida en su caminar letárgico. Simplemente devora. Los vampiros también tienen este apetito por la sangre, sin embargo es para sobrevivir. El zombie ataca por simple inercia, porque no puede hacer otra cosa, porque no "vive" si no ataca. Y los vivos deben convivir con eso, con la amenaza, y con que el más apto será quien prevalezca. Porque vivir entre muertos y entre la amenza de convertirse en uno de ellos (no sólo de morir) hace que se traicione a los pares vivos. Entonces podemos pensar a ambas criaturas como seres de muerte, pero sin embargo, los vampiros, tal vez por mantener razocinio, pueden sentir, pueden amar, pueden sufrir, pueden odiar, querer conquistar y vencer, aún dejándose perder. El zombie no, el zombie es la amenaza a la que más le teme el ser humano, porque en definitiva es lo más parecido a la vida en esta cultura sin necesidad de tener hambre de cerebros literalmente. Sin embargo, el sistema busca comerlo de todas formas. Además, su figura, viene del África.

Al infierno con Madonna

Estoy pensando mucho el tema del pop. De su importancia en la industria cultural. Su relación con el marketing. Esa idea de que cualquier banda de rock o del género que sea que empieza a marketinizarse un poco, "se popiza". A Kiss se los tilda de eso por ejemplo en el mundo del heavy, y lo mismo le paso a Metallica cuando entraron en esa lógica más masiva hacia mitad de los noventas. Los shows de estadio son el lugar más perfecto para que la música (lo sonoro) se acople a lo visual, al deslumbre, al espectáculo. Como tratando de sacar el foco al oído para que los ojos (el sentido más desarrollado en occidente) pasen a ser los que definan si algo nos gusta, es disfrutable, o no. Madonna lee todo eso a la perfección ¿Por qué digo esto cuando tanta gente dice que ya fue? Sus dos últimos discos son de mediocres a malos, tal vez no a nivel producción de la maquinaria pop, justamente. Pero dejó de lado eso tan único de Madonna que era reinterpretar su vida personal y traducirlo en melodías pop completas, íntegras, familiares pero que si tenían que virar hacia algo intenso y complejo como en Erotica o Ray Of Light lo hacía. O bien como con American Life en donde la lógica marketinera quedó de lado para que la controversia fuera la que la pusiera en el foco y la política se adueñó de la impronta del disco con el trasfondo de la ocupación a Irak. De distintas formas, Madonna lo sabe hacer. Entonces, con este último disco, el peor en ventas de su carrera (Madonna no sabe leer las nuevas tecnologías como sí lo hizo Lady Gaga), Madonna deja de lado lo sonoro (aunque no tanto) para que la transposición en el escenario, en el "vivo" (se podría cuestionar si la voz en un disco no es algo vivo) sea arrolladora con la música como clave para que la obra sea un todo. Temas que en el disco suenan como la nada misma, encadenados en una trama se transforman en una muy buena ópera rock. Astucia, como siempre. Madonna. Esta introducción es clave para poder encarar el repaso de las últimas presentaciones de Madonna en Buenos Aires los días 13 y 15 de diciembre. En el caso de quien escribe, el 13. Dejando de lado la queja común por su hora y media de retraso por la fiebre,el show fue arrolador, agresivo y entretenido. Justamente porque esa gripe la humanizó muchísimo y a su vez, no le impidió moverse, contorsionarse e incluso cantar en vivo (evidenciando el malestar de su garganta y olvidándose las letras). El show se estructura en cuatro ejes temáticos "Transgression", "Prophecy", "Masculine / Femenine" y "Celebration". Acá paso a citar fuentes: Revista Rolling Stone Digital 14/12: "Una mezcla de canto gregoriano y plegarias en hebreo y vasco sirven como punto de largada, mientras un grupo de monjes hace pendular un enorme incensario y en las pantallas de fondo se materializa una catedral, imagen que se hace añicos literalmente cuando el estribillo de "Girl Gone Wild" estalla a volumen 11 en el Monumental. Tras elevarse a sí misma como deidad poliétnica, Madonna toma las armas (también literalmente) en "Revolver" y "Gang Bang" para acribillar a todo su cuerpo de baile, para luego entregarse a una pelea cuerpo a cuerpo con su pareja, el bailarín Brahim Zaibat." Toda esa puesta en escena, probablemente sea la más oscura que Madonna jamás haya montado. El bloque "La Huida de la Geisha" del Drowned World Tour tenía unas marcas similares pero no tanto. Nunca se la vio fusilar a tantos personajes en escena, hacerle "Fuck You" a la cruz para, acto seguido, arder en el infierno. Al terminar este bloque, comienza un set un poco más alegre con Express Yourself a la cabeza. Madonna vestida al estilo porrista (como en el video de Give Me All Your Luvin') entremezcla su hit del disco Like a Prayer con Born This Way de Lady Gaga evidenciando el plagio. “Empezó a vestirse como yo y a hablar como yo, ¡me desencajó!”, canta la mayor al final de esa demostración y como parte del ligado “She’s Not Me”, aunque también como declaración. Una de las partes más interesantes fue la tranformación que le asignó Madonna a su clasiquísimo y hermoso "Open Your Heart" del disco True Blue de 1986. Junto al trío vasco Kalakan y un segmento instrumental ampliado. Luego de explicar que la tardanza del show se debió a su fiebre y pedir que la ayudaran a cantar porque se olvida las letras, entonó Masterpiece, la balada escrita para su última película como directora W.E. Introduce la canción diciendo que el mejor amor es aquel en el cual no hay expectativas. Que sabe que es muy difícil pero que hay que tratar de enfocarse en ello. La interpretación, a pesar de sus problemas en la voz, como siempre, es sentida y creíble. Eso es lo que siempre debe remarcarse de Madonna. En su voz siempre hay credibilidad. Al final del último verso ("Nothing's indestructible") se le vieron lágrimas en los ojos. Así cierra este acto segundo del concierto, que lleva el título “Profecía”. El siguiente es el momento (como en todos sus shows) en donde reina el buen gusto. Aquí incluye un video con nueva versión de Justify My Love, Vogue y logra una excelente versión de “Candy Shop” de su anteúltimo disco con el cual vino a la Argentina, Hard Candy. Allí samplea el estribillo de esa obra perfecta que es Erotica para hacer el Erotic Candy Shop. Este es el bloque “Masculino/Femenino”. En “Human Nature” Madonna justamente intenta develar la opresión sobre las mujeres a referirse a lo público e incluso de hacer pública la sexualidad (siempre permitido para los hombres). De pantalón de vestir de cintura alta, camisa y corbata, concluye diciendo que "las mujeres no somos sus putas y no nos tiren sus mierdas". Así dedica el siguiente tema a todas las mujeres que se impusieron y expresaron sus ideas ante un mundo machista. "Es jodido cantar cuando tenés el corazón roto, pero más con el zapato roto” Madonna se queda mostrando el culo en bombachón y medias, con un tatuaje que dice “Eva” en la espalda entona "Don't Cry For Me Argentina", otra vez con lágrimas en los ojos. “Love Spent” cierra el bloque. El tema habla de un hombre que vive de su mujer y sólo busca su dinero. La interpretación es fuerte: mientras le llueven billetes por alrededor, Madonna es sometida con una correa que ajusta y ajusta su corset por un bailarín. Ella termina dejándole todo el dinero al hombre y se marcha. Sorpresivamente faltaron dos himnos de Madonna de los útlimos años. Ray Of Light y Music, ambos temas dan título a dos de sus trabajos más intensos, personales y reconocidos por la crítica. EL bloque de Celebration no tuvo a Holiday como en casi todos sus conciertos e incluyó I'm Addicted y I'm A Sinner de MDNA. El bloque final busca que todos terminen bien arriba. Incluso Madonna a pesar de su fiebre, alzada por sus bailarines. Madonna declaró una vez que lo que más rescata del mundo del Rock & Roll fue haberlo sobrevivido. Debemos ser sinceros y agregar que le encontró la lógica a la industria musical desde todos sus frentes aunque hoy no logra ser una artista masiva en lo que es su producción musical en sí. Aún así no puede dejar de reconocérsele que es un puente entre dos eras: 80/90 y los 2000. El espectáculo es monumental, toda esta última galería de canciones da cuenta de que Louise Veronica Ciccone ha pasado largo tiempo a la defensiva, explicando las decisiones como una loba feroz que, sin embargo, no termina de ajusticiar a nadie. Creo que ya es hora de que deje la parafernalia de los shows que sabemos que puede montar y puede dedicarse a lograr cosas como estas. Madonna interpreta en una versión acústica perfecta Little Star de su disco de 1998, Ray OF Light. Esta canción es para su primera hija Lourdes.

Soul: alma

Probablemente mi género de música preferido ¿Será que se la nombró así por ser una música ligada con lo espiritual, con el gospel? ¿o es que lo que genera es tan contagioso y conmovedor que tiene que salir del alma? El huevo y la gallina, ¿no? Siempre dije que a Buenos Aires le falta soul (en todo sentido...) Pero cuando las bandas de este género visitan la ciudad dejan una huella imborrable. Pasó con James Brown (con su funk soulero), pasó con Simply Red y esta vez, con Joss Stone. Algo en su carita de ángel hizo que nunca pudiera sentirme muy identificada con su figura. Sin embargo, a la hora de interpretar, una y otra vez, me hizo probar que estaba equivocada. Mientras muchos idolatran a Adele (a quien la autora de este post admira muchísimo) Joss tiene algo que Adele no: rock y soul del bueno. A Stone (que no es de piedra, como dice en su canción Right to be wrong) le gusta que sus conciertos y sus discos transpiren soul por todos lados. Como dijo durante el concierto: le gustan que sus días tengan soul, su comida tenga soul y su vida tenga soul. El concierto que dio el 22 de noviembre en el estadio Luna Park no tuvo ni un minuto de pop (aunque en algunos de sus discos, sobretodo el segundo se pueda encontrar una estructura un poco más popeada en las canciones). La chica de apenas 25 años, comenzó su carrera de difusión masiva allá por 2002 con sólo 15 años. Grabó un disco en donde hacía covers desde los White Stripes a Aretha Franklin. Uno podía pensar que de ahí podía disparar a ser una Britney cualquiera. Pero no, a Joss le gusta el soul. Y aunque suene reiterativo en esta nota, se repetirá una y otra vez porque lo que quiso demostrarnos es eso. Que todo lo que toca tiene que tener alma y si no la tiene, ella se la dará. Descontracturada en sus movimientos en el escenario, juega con sus músicos, con el público, se ríe, se tienta, disfruta cada melodía como si fuera de su banda sola. Allí puede verse una gran diferencia con Adele. Su similitud a la forma de interpretar con la de Janis Joplin es muy evidente, casi como estar en un concierto en la década del 70. La banda es precisa y consistente pero no suena empaquetada e híper prolija como la de Adele. Es una banda de rock. Joss Stone fue la primera chica joven en traer el soul a públicos de estas época post Spice Girls y pre "Disney bands". Luego vendría Amy Winehouse quien es la única que le podía disputar ese lugar. Entre ellas pasó Duffy quien no logró pegar tan fuerte. Todos sabemos que si Amy hubiese estado viva, Adele, probablemente, no hubiese tenido la repercusión que tuvo. En definitiva, la presentación de Stone en Buenos Aires dejó un concierto en donde sólo hubo un sólo tema más melódico. Pero el sonido R&B del teclado no pasó nunca desapercibido y las voces de los coristas eran dignos de la época de Motown. Cualquier duda que podía tener de la capacidad de esta niña, han sido tiradas por la borda. Y queremos más soul, en nuestros días, en nuestra comida y en esta ciudad.

To Bring You My Love: mi edad del pavo...

En 1995 MTV lanza un video en donde una escuálida con un jopo de 2 metros y mucho maquillaje y mucho rojo cantaba una canción sobre un fondo de seda verde que la iba envolviendo, como el agua. Una canción sobre una madre que ahoga a su hija. La que cantaba Down by the water no era Amy Winehouse (claramente por la fecha no cerraría, pero por la descripción bien podría serlo). Era la enigmática y talentosísima PJ Harvey. Fue el hipnótico susurro del final "Little fish, big fish, swimming in the water. Come back, here man, give me my daughter", parte de una canción tradicional americana "Salty dog blues", lo que me hechizó y logró que este disco formara parte de mi vida. Polly Jean toma como primer corte de difusión con rotación para las radios y la MTV, un tema que habla de un filicidio. Creo que con eso ya se pueden imaginar de qué se trataba todo el disco. Las canciones apuntan todas hacia amores obsesivos, frustrados, enfermos hasta el punto de la locura como Down by the water expone. To Bring You My Love es una mezcla de Patti Smith y Nick Cave con la inconfundible mano de Polly quien toca casi todos los intrumentos. El disco fue producido por Flood quien trabajara con bandas como U2, Depeche Mode y Nine Inch Nails. Los mejores momentos del disco son To bring you my love, C'mon Billy, Down by the water, Send his love to me y The dancer. Un disco impecable, con un grado de sadismo, psicosis y obsesión imperdible para cualquier adolescente de 13 años...

The Cranberries x 2

Se me hizo muy difícil decidir entre cuál de los dos primeros discos de esta hermosísima banda irlandesa está más ubicada mi adolescencia. Sin duda me enganché con la voz de Dolores O'Riordan a partir de Zombie y Ode To My Family, de su segundo disco, No Need To Argue y desde que lo compré no paré de escucharlo y enamorarme cada vez más con cada una de sus canciones, que poco tienen que ver con ese hit. Las baladas Empty, Dreaming My Dreams, Everything I Said o las potentes Ridicoulous Thoughts, Yeat's Grave, Daffodil Lament, sumada a la trágica No Need To Argue hacen de este álbum una de las obras más redondas de la década. El Unplugged de la MTV es el mejor retrato para compilar las dos primeras producciones de la banda. Sin embargo, cuando me copié en cassette Su primera placa, el del nombre largo (Everybody Else Is Doing It So, Why Can't We?) encontré la matriz de sus composiciones, de su musicalidad, de su intensidad y sensibilidad. Y claro, lo que había escuchado antes de No Need To Argue por la radio y, sobretodo, la MTV, era eso y mucho más. El disco abre con I Still Do que marca el ritmo y cadencia de casi todo el disco excepto por Dreams. Waltzing Back, Still Can't o I Will Always son mis momentos predilectos. Linger y Dreams son, sin duda, himnos de mis años 90's. Y acá los tienen.

Smells Like Teen Spirit: Discos Pubertosos

La década de los 90's es considerada por este blog como una de las más brillantes de la música después de los 70's y 60's. Los pocos géneros musicales nuevos que podemos destacar surgen de finales de los 80's y se afianzan en esta década, como el tecno pop, el rock progresivo alternativo y desde ya, el Rap o Hip hop. A comienzos de los 90's yo estaba en la primaria. Para la segunda mitad ya cursaba mi secundaria en el ILSE, etapa que marcó muchísimo mis tendencias musicales. Lejos de dedicarme a los asuntos que atañen a todos los adolescentes de esa época (chicas, chicos, escavio y salidas) prefería quedarme en casa descubriendo la MTV Latina, que en aquel entonces emitía programas como Lado B, Nación Alternativa, Headbangers o los bellísimos MTV Unpluggeds cuya esencia en ese momento era la de desnudar al artistas y sus canciones al mínimo exponente.
En uno de mis tantos brotes nostálgicos me propuse sistematizar esos discos que tanto marcaron esta etapa. Voy a tomar como punto de partida 1994 (fin de mi primaria) por ser el año en que el MTV Unplugged de Nirvana se lanzaba al mercado y por la muerte de Kurt Cobain, punto de inflexión en la evolución musical de fin de los 90's hacia el 2000.
Remarco que no se tratará de un ránking. Los discos que vaya posteando son parte de mi historia, y en este caso, no voy a darles jerarquía por su calidad. Simplemente traerlos a colación para que todos puedan identificarse, y por qué no, hasta descubrir alguno.

Nirvana MTV Unplugged

Hasta Nevermind nunca le había prestado atención a esta banda. Con once años también no es muy estándar que una niña le prestara atención a un grupo como Nirvana. Liderada por un incomprendido social.
Sin embargo, el surgimiento de la MTV Latina me acercó a conceptos que no había tenido en cuenta a la hora de consumir música por mí misma, lejos de la influencia rockera paterna.
Así fue como un día el video de In Bloom cautivó mi atención y paré la oreja ante este trío de Seattle. No fue la rebeldía de Smells Like Teen Spirit sino el videito en donde Cobain, Grohl y Novoselic parecen ser unos nerds freaks sesentistas (algo así como Weezer en el video de Buddy Holly) con lo que me sentí identificada.
Cuando MTV emitió el Unplugged de Nirvana, grabado en Nueva York en noviembre de 1993, antes de que Kurt comenzara con la serie de internaciones que evidenciaban su estado de salud mental, estaba ansiosa por lo que podía ver y oír.
En este disco además participaba el nuevo integrante de la banda, Pat Smears, que ni siquiera había estado en el disco inmediatamente anterior, In Utero de septiembre del mismo año.
El repertorio de este concierto/disco incluía un par de "hits" de la banda como About A Girl o Come As You Are, pero de Smells Like Teen Spirit, ni un acorde. Tiene versiones de temas de David Bowie, The Vaselines e incluso de otra banda de grunge de la época, The Meat Puppets, quienes tocan en el mismo concierto como invitados.
Mucho ya se ha dicho en torno a la atmósfera que se creó en ese lugar. Un clima agradable, de amigos zapando, pero a su vez, como si hubiese un fantasma de despedida rondando el estudio.
Ya he posteado en este blog la interpretación del tema final, Where Did You Sleep Last Night?, la canción en la que Kurt suspende su mirada como queriendo decir algo, a todos, a nadie.
La que les dejo hoy, es más sutil, mi otra canción preferida del disco, Something In The Way, originalmente parte de Nevermind. Nunca me es fácil hablar de Kurt, no sé porqué. Busco algo en esa manera.

Tomboy: cuando el sexo es género

Tomboy: marimacho.

La premiada película de la francesa Céline Sciamma cuenta la historia de Laure, una niña que quiere ser Michäel (Miguel).
Aprovechando la mudanza a un nuevo vecindario, en donde ella y sus familia son totales desconocidos, Laure logra realizar su deseo de ser un niño.
A diferencia de muchas concepciones en torno a los chicos trans, la familia de Laure es afectiva, contenedora. Ella simplemente quiere ser varón.
Padre, madre y dos niñas. La hermanita menor de Michäel, Jeanne, es la femineidad infantil en su máxima exponencia. Mientras su hermana mayor busca en el espejo encontrar el varón y escupe en el lavabo probando cuán lejos llegan sus escupitajos, Jeanne, se pone el tutú y juega a la bailarina en su casa.
La cuestión del género como algo cultural se encuentra sosteniendo la teoría de tantas feministas como Judith Butler de que el par género/sexo no pueden ser disociados.
La escena en que los niños van a nadar busca la sexualización de esos cuerpos infantiles. La sexualización no desde lo genital, desde la lujuria, sino desde, justamente, la apropiación del género por nuestros cuerpos: el sexo.
Entonces, el tener vagina o pene no es lo que define nuestro sexo y como lo vivimos, sino, las prácticas en torno a ello.
Todos los "ritos" que definen a la sexualidad como jugar a la pelota o jugar a la bailarina, pelearse con los niños o maquillarse entre chicas son utilizados en el guión para demostrar que no importa si el que lo hace tiene como sexo masculino a femenino, sino cómo lo porta. De hecho cuando Laure/Michäel decide jugar al fútbol ante el comentario de su amiga Lisa de que no tenía permitido jugar porque era nula, la rompe. O cuando se agarra a trompadas con un muchacho que molesta a Jeanne termina siendo quien gana, así como en un juego de fuerza es ella/él quien sale victoriosa/o.
Lo asexuado del cuerpo infantil, que no demuestra diferencias casi entre "machos y hembras" hasta pasados los 10 años aproximadamente, aquí es totalmente sexuado, de nuevo, por la cuestión del género, sin necesidad de mostrar genitales.
Ahí está la mano de la directora, que encuentra una forma perfecta de plantar esta teoría, rodeándose de unos niños que conmueven en cada escena.

Robin

Las armonías en el mundo de la música son clave. La perfección de una canción puede llegar a depender en un 90%, para el criterio de esta blogger, en la calidad de los arreglos vocales. Por eso, temas como Because de los Beatles, ha conmocionado a altos niveles de tolerancia los nervios capilares que recorren mis bracitos. Sin embargo, otras de las bandas que se han encargado de este tipo de emotividad en mí y en miles de generaciones (más de las que se pueden imaginar) son los Bee Gees. Muchos han relacionado a estos tres hermanitos con falsestes insoportables, porque es cierto, Barry (el mayor) se ha encargado de dejar como sello de sus últimas décadas dicho recurso vocal. Sin embargo, son tanto más que eso. Y Robin, quien hoy, 20 de mayo falleció con sólo 62 años por un cáncer que lo perseguió y lo persiguió durante un año, fue parte de ello. Robin muere de la misma enfermedad que su mellizo Maurice hace 9 años. Si quieren llámenlo casualidad. A mí, me cuesta mucho otorgarle una categoría de tan poca importancia a ciertas cosas. El sonido de Bee Gees en sus comienzos se relacionaba más con el folk/pop. En ese estilo han producido bellezas como Massachussets, To Love Somebdoy, How Can You Mend A Broken Heart, I Started A Joke (El Tema de Robin) y veintenas más. Luego, con la revolución musical de los 70's los hermanitos Gibb prefierieron rotar hacia lo más comercial y claro, cambiaron la música disco. Adueñándose de arreglos típicos de la música funk basada en los bajos y las bases rítmicas bien marcadas, lanzan la banda de sonido de Saturday Night Fever y nadie salía el fin de semana sin caminar al ritmo de Staying Alive. Con un excelente gusto, con armonías perfectas. Nos guste o no, se adueñaron de eso y marcaron la cultura disco casi como nadie junto a Donna Summer, por más de que grandes bandas del funk y soul como Earth, Wind & Fire o Kool & The Gang hicieran lo suyo también. Por eso me pone triste la partida de Robin. Porque fue parte de un fragmento de la historia que muchos desacreditan pero que es indiscutiblemente revolucionaria en la música. Sin Disco no hay ni electrónica ni R&B. Y los arreglos en las canciones de los Bee Gees, siguen siendo referentes de afinación, sutileza y sentimiento. Así... Robin en su máximo exponente. La bellísima How Deep Is Yor Love.

Orgasmo ideológico

Ayer fue un día histórico. Para nuestro país, para el mundo, para la democracia. Se dio uno de los pasos más importantes que se puede dar dentro de un sistema que excluye a las minorías y a los que viven (o intentan morir) de una manera distinta. En la Argentina, ayer, se hicieron ley los proyectos de identidad de género y muerte digna. En concreto: una vez que el Ejecutivo promulgue ambas leyes, todos los argentinos tendrán derecho a elegir su identidad en relación a su género y todo argentino que sufra enfermedades terminales o esté en estado vegetativo podrá optar por evitar el "encarnizamiento terapéutico" que prolonga la vida aún cuando no haya expectativas de mejoras en la salud. La sanción de estas leyes, está logrando que los seres humanos que habitamos esta tierra tomemos las riendas verdaderamente de dos de los grandes aspectos que definen la vida: quiénes somos y cómo morimos, porque, aunque suene trillado, la muerte es parte de la vida. No se puede pensar una sin la otra.
Desde el punto de vista filosófico e ideológico es tanto lo que se puede hablar, debatir, combatir. Sin embargo yo prefiero quedarme con esta idea: este aporte jurídico alimenta a la democracia de una forma en la que pocas cosas lo pueden hacer en cuanto a derechos individuales, desde ya. He repetido en distintos posts la necesidad de sancionar una ley que regule la situación de los abortos practicados en el país y muchísimas leyes que trabajen en relación a los cuidados del medio ambiente y todos sus habitantes humanos y no humanos. La ley del matrimonio igualitario, la ley de medios, la asignación universal por hijo; todos ellos son enormes pasos hacia avances impensados hace 10 años atrás por esta bloggera y me animo a decir, por muchos compatriotas. Sin embargo aquí estamos. En un país en donde un chico menor de 18 años podrá optar por su género, más allá de la oposición de sus padres. Donde cualquier persona mayor de 18 años podrá hacerlo sin ningún tipo de traba judicial. Un país en donde las obras sociales y prepagas deberán cubrir tratamientos hormonales y realizar las cirugías de cambio de genitales (yo no considero desde mi ideología que el sexo y el género sean dos líneas paralelas) y los médicos que asistan a los pacientes a dejar sus tratamientos no serán penados por la ley. Donde la vida y la muerte se hermanan en su dignidad y no se dividen dejando al fin de nuestras vidas como un espacio marginado y estéril. Felicito y me honran todos los senadores y diputados que han hecho esto posible. Todos. Esto no fue una cuestión del Gobierno. Esto fue un resultado de una sociedad que ha estado aprendiendo de su propia capacidad de realización y superación. Perdón por el optimismo y entusiasmo, pero felicito a la Argentina.

Adam Yauch (1964-2012)

Si se guían por el título de este post, mucha gente no tendrá ni idea sobre lo que se habla. Si digo MCA, tal vez se orienten un poco: suena a rapero o DJ. Exactamente, Adam Nathaniel Yauch fue un rapero, Dj, director de cine y budista clave en la historia del desarrollo de la cultura pop/rock de los 90. Adam fue un Beastie Boy, que a partir de ayer, entró al mundo de los pretéritos. Falleció ayer luego de luchar contra el cáncer de glándulas salivales. MCA fue uno de los tres integrantes de una de las bandas pioneras del hip hop: los grandiosos y originales Beastie Boys. Entre la centena de recitales internacionales que fui a ver tuve el honor de caer en el BUE de 2006(evento que ya no se realiza más). Allí se presentaba el grupo y la histórica Pattie Smith. Me gané las entradas por mi servicio de proveedor de Internet. Tuve el enorme honor de verlos a ambos. Hasta el día anterior había estado altamente enferma, pero por suerte, y hoy lo agradezco más que nunca, tuve la posibilidad de salir de casa y asistir a tan único evento. Ni Pattie ni los BB volvieron después de ese concierto a Buenos Aires. Ambos shows fueron intensos, cada uno con su aporte. Pattie con su carga histórica del punk, su intensidad poética. Los Beastie hicieron lo suyo. Rompieron todo. Simplemente los tres integrantes con un DJ. Siendo una amante del hip hop desde hace más de una década, fue el único grupo de rap que pude ver en vivo y desterró todos los argumentos de los defractores del género. Hubo autenticidad, hubo actitud rock, hubo calidad musical y Adam Yauch era una pieza clave para ello. Era el que más se dedicaba a perfeccionar los sonidos en la banda. Así que no hay duda de que es una gran pérdida. No sólo porque ya no habrá más Beastie Boys (aunque hace un tiempo que él había dejado la banda) sino porque a partir de su muerte, todas las necrológicas que escuché en la radio no eran tanto sobre él como persona, sino sobre él como parte de un grupo. Y eso está perfecto: para el lamento personal están sus familiares y amigos. Para nosotros se va un Beastie y con eso, la posibilidad de seguir rapeando como si fuera rock. Sabotage, uno de los mejores temas de los 90's y uno de los mejores videos de la historia. Intergalactic del disco homónimo.

Puesto 1: The Beatles

Mi tatuaje: fragmento de Blackbird - The Beatles: Blackbird, fly into the light of a dark black night.

¿Tiene sentido argumentar? Creo que todo lo que diga ya se ha dicho antes. Así que simplemente sintetizaré en tres argumentos.
1) Los Beatles cambiaron para siempre la forma de crear, difundir y escuchar música. De alguna forma son quienes generaron lo que llamamos "música pop". En una carrera de 10 años lograron una evolución musical como banda y de sus individualidades que no se pudo ver nunca más.
2) Sus cuatro miembros, cada uno con su propia forma, han sabido dejar un sello en la forma de componer, interpretar y tocar instrumentos. Todos hacían la diferencia dentro de la banda.
3) Han sido mensajeros de una generación, y siguen enviando ese mensaje después de 50 años.

Explayando: Revolucionaron a la sociedad, no sólo culturalmente, sino en lo que despertaban en su público, emotiva y fanáticamente. Su historia no encuentra antecedentes ni sucesores. Al día de hoy siguen transmitiendo la misma emoción cuando sus canciones se escuchan y siguen cultivando fanáticos que jamás tuvieron la oportunidad de ver tocar si quiera a sus únicos dos integrantes vivos.
Este blog se posiciona en contra de quienes intentan enfrentar a John y a Paul. Claro que a nota personal, nos puede gustar más uno que otro, pero las producciones que generaron estos dos seres durante la existencia de los Beatles fue un complemento total derivado de su química juntos.
Este blog reivindica a la figura de George Harrison como un genio creativo que innovó en formas y estilos de hacer música, dejando melodías con un grado de espiritualidad que es difícil de encontrar, incluso, en las composiciones de Lennon/McCartney.
Este blog considera a Ringo Starr uno de los mejores bateristas de su época, y que incluso, al día de hoy, ha influenciado en la forma de visualizar la sección rítmica de una canción con una estructura sencilla pero original en cada tema. Además, supo ser quien trató de conciliar a la banda cada vez.

Por sus armonías, por su musicalidad, su interpretación, composición, carisma, cohesión grupal y por sus talentos individuales, por todo eso y por cosas inexplicables, son mis número 1


This Boy - The Beatles


All You Need Is Love - The Beatles


Woman - John Lennon


My Love - Paul McCartney


My Sweet Lord - George Harrison (Este tema te hace creer...)


With A Little Help From My Friends - Ringo Starr