Laberintos de Ideas

2012-02-12T18:11:00.000-08:00

Una semana triste. Sin Whitney yo no cantaría, aunque no haya sido de mis más fuertes influencias, sí ha influenciado a muchas que lo son. Siempre la admiré, su voz, su carisma, su sencillez.
Este es mi mejor recuerdo de Whitney. Todavía me acuerdo cuando descubrí este video en Feliz Domingo Para La Juventud. Creo que su voz lo hizo inolvidable.

Whitney Houston 1963 - 2012

Un hermoso video para recordar la década de los 80 y el mejor momento de Whitney.

Mientras miraba el video, lloraba y no dejaba de cantar con ella. La voy a extrañar =(

2012-02-09T06:11:00.000-08:00

Luis Alberto Spinetta (1950 - 2012)

Todas mis palabras son de El Flaco.

Puesto 4: Led Zeppelin

2012-02-02T09:48:00.000-08:00

Si hay vida en otro planeta, pongámosle, en Mercurio, debe sonar así: como Led Zeppelin. La guitarra densa de Jimmy Page, los fraseos interminables de Plant. Densos, como el mercurio. Sin embargo, dinámicos. Un tema de Led Zeppelin nunca suena igual. Ni en su primera escucha, ni en la última, ni entre ellos.
La batería exquisita pero potente de John Bonham y el bajo que tan bien le quedaba a la guitarra de Page, de la mano de John Paul Jones completaban a este cuarteto británico pionero del hard rock.
Más allá de las camisas locas (para la época) de Plant, de sus alaridos casi orgásmicos, de Page tocando con un arco de violín, más allá del solo de Bonham en Moby Dick tocado a mano pelada, más allá de las excentricidades, Zeppelin tiene cierta desnudez. Da la sensación de ser música en su estado más puro, rock en su estado más puro. Elaborado sí, pero purificado, inalterado, del bueno.
Los recorridos por sus discos, desde Lez Zeppelin (1969) hasta Coda (1982) son el retrato perfecto del hard rock, empapado con algo de psicodelia y hasta por momentos R&B y pop, como la tan popularizada Dyer Maker. Podríamos decir que sin Stairway to Heaven no habria baladas de los 80's. Creo que nada sería igual sin Zeppelin. Ni Lady Gaga, ni Sheryl Crow, ni Deep Purple.
Tristísima pérdida la del gran Bonham, allá por 1980. Se ahogó en su propio vómito después de tomarse 40 vasos de vodka. Era irremplazable, marcó el final de la banda.
Simplemente queda escuchar porque la canción permanece de todas formas (the song remains the same)

Discos: Led Zeppelin, II, III, IV, Houses of The Holy, Physical Grafitti, documental And The Song Remains The Same.

Whole Lotta Love en el Albert Hall 1970. La batería de Bonham entra antes que en la versión original hacia el estribillo y es todo!!!!

Moby Dick en el mismo concierto, luciendo al segundo mejor batero de la historia según esta bloggera.

Los días políticos

2012-01-27T06:35:00.000-08:00

Si el título de la última película de George Clooney se hubiese respetado en su traducción, probablemente, nos daría pistas más claras en torno a lo que sucede en la trama de esta cinta.
The Ides Of March históricamente es el nombre con el que se refiere al día 15 de marzo dentro del calendario Romano. Ese día, Julio César fue apuñalado hasta morir en el Senado por un grupo de conspiradores bajo el mando de Brutus, uno de los aliados de mayor confianza del líder romano. A partir de esto, fue expulsado de Roma.
Algo así es lo que pasa en Secretos de Estado (título vacío si los hay luego de esta recontextualización histórica). La película busca retratar la cocina de las campañas políticas estadounidenses. Sin embargo, lo que hace tan atrayente a The Ides of March es el tratamiento que se le da a la política a través de la seducción, de la intimidad y cómo juegan esos aspectos en la construcción de poder.
El argumento de la película se desarrolla durante la campaña para las primarias presidenciales dentro del partido demócrata. El Gobernador de Pennsylvania, Mike Morris (George Clooney) pelea por la nominación para candidato contra el Senador de Arkansas Ted Pullman. Morris tiene en su equipo a Paul Zara (el gran Phillip Seymour Hoffman) como jefe de campaña y a un jovencito buenmozo pero experimentado como segundo de Zara, Stephen Meyers (Ryan Gosling). El comienzo de la película describe los vínculos entre ellos tres, cómo se manejan con la prensa (Marisa Tomei personifica al estereotipo de periodista con el que tienen que lidiar los integrantes de un equipo de campaña, como siempre, perfecta) y se centra en destacar el respeto y convicción de Meyers sobre su jefe, Morris. Meyers está seguro de que esta vez, encontraron al candidato demócrata que realmente cambie la política norteamericana después de Kennedy.
Hasta ahí tenemos la etapa inicial de la película. Claro que hay una rubiecita (la intimidante Evan Rachel Wood) que se involucrará sentimentalmente con Stephen, y de hecho, uno se pregunta, ¿hacía falta este personaje? Y la película tiene un guión tan redondo que ese personaje es el detonante para todo lo que viene después: una seguidilla de situaciones límites en donde Stephen se juega el puesto y todo por la campaña y que comienzan a complicarse luego de que Meyers se reúne con el jefe de campaña del contrincante, Tom Duffy (Paul Giamatti), grave error dentro de una campaña. De ahí todo es desilusión y estrategia política.
Las mejores escenas de la película son: la primera, cuando Meyers se dirige al estrado del debate que se llevará a cabo entre los dos candidatos demócratas y repite unas líneas del discurso de su jefe. Todo es silencio, las luces están apagadas excepto la del estrado, de pronto, empiezan a aparecer las cámaras, el productor y otros personajes. La lectura que se puede hacer de esta escena es que todo candidato se apoya en su equipo de campaña, allí está todo su potencial, y sin el márketing político, poco queda por ganar.
La otra es cuando Morris cita a Stephen, luego de que todo estalle, a un encuentro privado en la cocina de un bar. Esa escena, no podía darse en otro lado, justamente, porque la charla que mantienen allí es la preparación del plato principal. Se dan la receta de cómo tienen que ser los pasos de preparación para que todo salga perfecto. Y sobretodo, se evidencia, como un mínimo error personal de un candidato puede costarle toda su carrera política, y en pos de ella, usa los ingredientes menos deseados. Y a su vez, el mismo tipo de error, le puede costar lo mismo al joven asesor.
Las actuaciones de todo el elenco son de destacables a supremas, el guión de Billy Wilder logra connotar toda la tensión de lo político en cada instancia de su desarrollo y, desde ya, Clooney se consolida como un muy interesante director de cine. Hay algo de El Padrino encerrado en la trama de la película: similar a Michael Corleone, Meyers va dejando su inocencia para generar un plan digno de un gran estratega.
Sintetizando, la política en esta cinta está retratada perfectamente: una herramienta para hacer las cosas posibles, siempre con doble filo. En donde los principios son lo primordial pero no son condicionantes para lograr una elección victoriosa. El poder (no necesariamente entendido como algo malo) está presente en cada escena de la película seduciendo a cada uno de sus personajes para algún fin o el mismo: llegar hasta donde uno quiere.

Puesto 5: Madonna

2012-01-16T09:40:00.000-08:00

Nadie, reitero, nadie puede discutir que esta mujer, ícono, creadora de algo que nunca más nadie pudo igualar, esté en el puesto 5. No tengo mucho más que argumentar después de haber hecho un análisis "enfermamente" obsesivo de todos sus discos de estudio relacionándolos con todas las etapas por las que atravesaba ella, el mundo y la industria musical. Pero diré algo, muy breve.
Madonna no fue la primera en imponer un estilo, no ha hecho grandes discos y revoluciones musicales de lo que es "la música" propiamentedicha. Pero nadie ha perdurado en la historia de la música de difusión masiva como lo ha hecho ella.
Constantemente se ha querido hablar de rey y reina del pop, dejándole el título masculino a Michael Jackson, pero más allá de lo defendible de Michael (su grado de influencia con sólo 4 discos buenos y dos o tres giras mundiales memorables) Madonna se ha ido superando año tras año, disco tras disco, gira tras gira en un crecimiento sólo comparable con el de los Beatles (salvando distancias). Ni hablar del legado de mujeres y muchachas que han sido influenciadas por ella en sus carreras. Incluso hombres como Robbie Williams.
Los formatos de sus giras mundiales han sobrepasado los límites del "pop" hasta llegar a bandas de rock. No porque haya sido la pionera: el Genesis de Peter Gabriel también había hecho esto antes o los shows del mismo Peter Gabriel durante su carrera solista (Secret World Tour de 1993 y Growing Up tour de 2003). Pero a partir del Blond Ambition de 1990 las giras de distintas bandas o cantantes comenzaron a integrar mucho más números coreográficos y teatrales en sus formatos.
Además de lo que se refiere a la industria musical, Madonna ha sabido combinar vida privada, profesional, ideología y fama de una forma única. Muchos artistas terminan devorados por la fama (como le pasó a Britney Spears o a Kurt Cobain), sus posturas políticas o declaraciones con respecto a temas sociales no tienen coherencia y sus producciones no logran prender en el público con el paso del tiempo. Nada de esto le pasó a esta mujer, que supo apropiarse de la sexualidad femenina de una forma en que el mercado no está acostumbrado y que la cultura occidental no suele permitir. Madonna es una mujer, con un nombre de santa, que disfruta de sus sexualidad, hace dinero con ella, pero no es ninguna "puta" y eso no les gustó nunca.

Acá empezó todo: Madonna con 25 años cantaba Like A Virgin en vivo en los Video Music Awards de 1984. Vean sus gesticulaciones y como, hacia el final del número, simula estar fornicándose al tul del vestido de novia.

Sooner Or Later del disco I am Breathless de la banda de sonido de la película Dick Tracy. Una de las mejores performaces de Madonna.

La emoción de verla en vivo se refleja en esta versión en vivo de Like A Prayer en Buenos Aires durante las 4 fechas que hizo en River en 2008. Fue una gran fiesta Gospel Rave.

Discos: Like A Virgin; True Blue; Like A Prayer, I Am Breathless, Immaculate Collection; Erotica; Bedtime Sotries; Ray Of Light, Music, American Life y Confessions On A Dancefloor.
Nota: Mi tesis sobre Madonna se basa en sus presentaciones en vivo. Es demasiado difícil elegir menos de 10 presentaciones, ya que en todas ellas justifica el lugar que tiene en este ránking muy personal, pero no por ello menos criterioso.

Puesto 6: The Who

2012-01-06T08:44:00.000-08:00

El rock ha sufrido muchísimas alteraciones en relación a qué es lo que suena como rock. Digamos que el término rock, en los últimos 30 años, ha sido altamente influenciado por el pop, que comenzó a abarcar la difusión musical al punto que bandas como Metallica, pertenecientes al heavy metal y hard rock, compusieron baladas como Nothing Else Matters o The Unforgiven. Esa baladas son baladas rock, pero digamos que el rock per se no conoce mucho de baladas. Cuando Elvis cantaba rock, cantaba rock y cuando no, cantaba baladas. Los Beatles, probablemente, hayan sido la primera banda de rock en ser pop. Pero entonces, ¿qué es el rock? Si yo tuviese que definir a este género musical con una banda elijo a The Who. Por tres razones: 1) sus cuatro integrantes tenían la cuota necesaria de ego, virtuosismo y carisma 2) todo lo que suene a rock (rock) hoy en día, suena a The Who 3) Su baterista, Keith Moon.
Desde la guitarra de Pete Townshend, pasando por los dedos locos de John Entwistle, la onda de Roger Daltry para cantar y pararse en el escenario y el desorbitante conjunto de ritmos lunáticos que salían de Keith Moon (luna en inglés) esta banda es el signo en lugar del concepto. El sostén creativo fue siempre Townshend, sin embargo, sin ninguno de los otros integrantes The Who hubiese sido lo que ha sido y ese es uno de los pilares del conjunto de rock. Es por eso que bandas como Coldplay no terminan de ser rock. Sin Chris Martin o, como mucho, Will Champion, su batero, no se notaría el cambio. Otro ejemplo de la importancia de la personalidad de sus integrantes en la conjunción del grupo en el rock fue Queen en donde, aunque el líder y vocalista era irremplazable, si se cambiaba alguno de los otros tres integrantes, la banda, no hubiese sido lo que ha sido. Por ello, este es un factor clave del rock: la BANDA de rock. The Who ha sido un referente de ello. Por lo menos, hasta la triste muerte de Keith en 1978 por sobredosis de Clometiazol, sedante que se le había recetado para consumir con supervisión médica por los síntomas por los cuales estaba atravesando como consecuencia de su abstinencia al alcohol. El más grande baterista de la historia del rock según este blog. The Who (y permítanme hacer mención a The Kinks) ha sido la banda más representativa del rock (del rock más puro, ni sinfónico, ni progresivo, ni hard rock). Sus shows en vivo rompiendo todo (metafórica y literalmente) son prueba de ello.

Discos: My Generation; Tommy, Who's Next?, Quadrophenia; Who Are You?

Hasta el lanzamiento de la ópera rock, Tommy, Roger Daltry estuvo buceando en su tarea interpretativa. See Me, Feel Me es la clara muestra de como se encontró.

Won't Get Fooled Again. Todo su esplendor: dedos locos en el bajo, revoleo de brazos en la guitarra, toda la onda en el frontman y la demencia rítmica de la batería.

Puesto 7: The Police

2011-11-29T08:41:00.001-08:00

Los puestos que siguen en este ránking comenzarán a tornarse un tanto predecibles tal vez. Las bandas subsiguientes siguen vivas aunque sus miembros hayan pasado al país del Nunca Jamás. El legado que dejaron estos grupos es evidente e inevitable. Y dentro de esas herencias está la de The Police. Allá por 1977 Gordon Sommers dejaba de ser un maestro de kinder garden para comenzar una de las bandas más importantes en cuanto a mestizaje musical e identidad de grupo, y de allí en más, llamarse Sting. The Police completó su formación con el único Andy Summers y el ocurrente y payasezco Stewart Copeland. Los tres tienen talentos inimitables y que han marcado un quiebre en el sonido de aquella época. No necesitamos destacar que el sonido The Police era la sumatoria del jazz, del reggae, del punk, el ska y del rock. El tinte reggae quedaba impregnado por los riffs de la guitarra de Summers. Sin embargo, esos riffs, tenían un resonar rockero que no tornaba monótonas las molodías como a veces (muchas) pasa con las guitarras de ese estilo. Sting es uno de los mejores bajistas del mainstream del rock al que se le suma la particularidad de ser la voz líder, cosa que no se ve tanto en bajistas (aunque tampoco es una rareza). El particular registro agudo que tiene dejaba asombrados hasta a artistas como Billy Joel que dijo que la primera vez que escuchó Roxanne pensó que se trataba de una mujer cantando. Hasta para una chica los gritos en So Lonely pueden ser de un muy alto rango. Y el mejor para lo último: Copeland es, probablemente, uno de los más grandes bateristas de la historia. Su fuerte siempre fue la combinación perfecta entre los golpes de "arriba" (platillos) y el uso de los pedales para los tambores. Los ritmos sincopados de la batería, los rasguidos de guitarra y los agudos de Sting hacen que todo el grupo haga su aporte para hacer de sus canciones una marca personal que muchos imitaron luego. Infalible. Tan infalible que The Police sacó cinco discos en cinco años. Su separación fue el fruto de la producción de una de las mejores piezas del rock contemporáneo: Synchronicity de 1983, grabado en uno de los momentos más conflictivos de la banda. En ese disco se encuentra la tortuosa y obsesiva Every breath you take que tantas veces confunden con una canción de amor cuando en realidad habla de un tipo celoso y acosador que lo único que quiere es controlar a la mujer que lo dejó y no dejarla vivir en paz... En fin. El tema ganó el Grammy a mejor canción del año en 1983 dejando atrás a Billy Jean de Michael Jackson, quien sí se llevara el Grammy a disco del año por Thriller venciendo a Synchronicity en la nominación.
Los egos de Copeland y de Sting comenzaron a chocar irremediablemente, a veces, estimulado por el abuso de drogas. Summers quedó siempre en el medio de esos dos egos enormes y también fue factor de su necesidad de alejamiento.
Las compilaciones de The Police son un elemento obligatorio como cualquier compilación de Queen o de Los Beatles, mantiendo a la banda viva de alguna manera.
En 2007 nos regalaron la oportunidad de poder verlos en vivo y, se podría decir, que se los vio y escuchó casi como en su mejor momento. Encima, el DVD es del recital de Buenos Aires. Hablando de egos...

Los dejo con dos de mis (80) temas preferidos de The Police, pero creo que estos están en el top 5 seguro.

Walking On The Moon

Wrapped Around Your Fingers. Una de las mejores letras de The Police en su increíble versión en vivo en diciembre de 2007 en Buenos Aires, Estadio River Plate. El video corresponde a las tomas de COpeland no más, pero realmente lo que hace con la percusión es para dedicarle la vista sólo a él y dejarnos llevar por la melodía hipnótica de esta canción.

Say No More

2011-11-09T08:50:00.000-08:00

Escenario blanco. Fondo blanco. Cortinas blancas que cuelgan por detrás de la puesta de escena en general, que es blanca. Toda blanca y va coloreándose acorde a los juegos de luces.
Flores. Muchas flores. Arreglos florales dignos de un centro de mesa de Mirtha Legrand o de un velorio que augura el final.
Sin embargo abrimos el plano y el marco es un estadio. El Estadio Malvinas Argentinas en la zona de Agronomía. Estadio que, en el último par de años, ha sido cita para rockeros. Y sin embargo el escenario podría ser digno de María Martha Serra Lima.
Claro que vamos a hablar de un concierto. Los sonidos que hacen de música de espera, no es música de espera como en casi la totalidad de los shows. Son sonidos de vacas, de bebés, quasi electrónicos.
Una gran bizarrada. Digno de alguien o algo que siempre mantiene la intriga, que siempre parece sorprender.
La banda que se presentó el 8/11 en el Malvinas no fue la de María Marta, fue la banda que lidera el carsimático y multifacético Mike Patton: Faith No More. En su tercera visita a la Argentina (segunda en menos de tres meses de Patton) lo que marcó al show fue justamente lo que caracteriza a la banda: contraste de estilos, innovación, estilo propio e ironía. Ese escenario no era coherente con el de una banda que por momentos puede parecer Panthera y por otros The Commodors (con su ya más que archi conocida versión de la hermosa Easy), Living Colour o Tom Jones (el show abrió con una fusión de Woodpeckers From Mars y Delilah de Jones). La vestimenta de la banda (íntegramente blanca), no condice con los parámetros del hard rock o metal. A su vez, uno puede dejarse llevar por el corte de difusión de los discos de la banda a la hora de decidirse a comprarlo (o bajárselo) ya que su versatilidad pasea por muy diferentes estilos musicales.
El repertorio de FNM incluyó todos sus hits, siempre a cargo de la maravillosa y omnipotente voz de Patton, que en su presentación de septiembre en el teatro Coliseo con su banda Mondo Cane, utilizó un repertorio de cancioneta italiana. Sabiendo eso, no nos sorprende escuchar el tema Evidence cantado, casi completamente, en castellano. O que uno de los mejores frontmans del mundo del espectáculo salga a escena con un bastón y entone un tema de Tom Jones como intro del show.
El show duró una hora y veinte, más diez minutos de bises de la mano de una de las mejores versiones de la noche (un tema inédito y el clásico Who Cares A Lot). Los alaridos de Patton, al borde de quebrar su cuerdas vocales, mutan hacia ultra graves con una facilidad increíble. Su dicción es envidiable y si no fuera un gran cantante, ya se habría quedado sin voz. Da cátedra de canto todo el tiempo.
La base entre la batería de Mike Bordin y el bajo de Billy Gould son la clave del sonido arrasador de la banda y por más de que la acústica del Malvinas no es la mejor, se pudo disfrutar.
Y para cuando el show ya hubo terminado nos regala otro cover: esta vez de Burt Bucharach This Guy Is In Love With You, en donde la afinación y los ajustes de la banda se conjugan con una interpretación vocal estremecedora.
Un show completo que en menos de dos horas de duración dejó a todos contentos y completos. Un estadio repleto que se presta para este tipo de eventos. Una banda poderosa y un líder carismático que es de los más emblemáticos de los 90 para acá. Nada de más y mucho menos, de menos. Say No More.

Cris Pasión

2011-10-24T09:22:00.001-07:00

Quise escribir esta nota desde cero. Sin leer comentarios políticos idóneos en relación a la re-eleeción de Cristina Fernández el pasado 23 de octubre. A cuatro días del aniversario de la muerte de quien fuera su marido, compañero de militancia y par de proyecto político nacional, Néstor Kirchner.
Quiero escribir este post desde lo afectivo, desde lo visceral, desde la cabeza, desde donde siento y pienso, porque ayer me pasó algo muy interesante en el momento de poner mi voto en la urna: el corazón me latía muy fuerte. Y por más de que me había pasado en la elección a Jefe de Gobierno pasada algo similar, no recuerdo que me llamara tanto la atención. Entonces, supongo, que, probablemente, esta vez el corazón me latía más fuerte. Besé el sobre y lo metí en la urna. Y empecé a dar vueltas sobre eso que me había pasado: ¿Cómo algo que ya he hecho unas 10 veces esta vez me generó algo que nunca me había generado, por lo menos no con esa intensidad? Es la primera vez que voto a Cristina (la voté en las primarias, pero con esto quiero decir que nunca había votado al kirchnerismo en la elección presidencial per se). Me di cuenta de que la emoción tiene que ver con todo lo que ya se ha dicho y sobredicho en tantos espacios de pensamiento militante o patrióticos (como prefiero llamarlos yo). Yo creo que lo que Cristina y Néstor nos han devuelto es el verdadero sentido patriótico, el de la nación integrada, integradora e inclusiva. Eso es ser patriótico y ése tiene que ser el sentido de la militancia. Por lo que no creo que haya que estar enrolado en partidos políticos, sino pensar la política, ser crítico cuando uno deba serlo, cosa que quiero que salga más del gobierno. Creo que si consolidan la autocrítica como parte del modus operandi oficial se podría enriquecer la gestión de esta mujer que me llenó de orgullos durante los últimos cuatro años y que por eso voté y elegí esta vez. Entiendo a quienes la hayan votado porque la oposición no existe. De todas formas, no deja de sorprenderme los comportamientos del electorado. Como, por ejemplo, que quienes votaron a Macri, votaran a Cris. No deja de sorprenderme que en un país (o por lo menos en una ciudad) en donde el nivel de consumo es altísimo (por ejemplo el alto porcentaje de la tasa de turismo durante los fines de semana largos o la demanda de eventos culturales) se quejen tanto de la inflación. Entiendo que las clases menos pudientes tengan reclamos en torno a ello, pero la verdad, es que si alguien puede pagar mil pesos o más para ver a Roger Waters por el show, no entiendo por qué se quejan del preEcio del kilo de tomates. Lo que pasa es que somos personas, no "electorados". Estamos llenos de contradicciones. Homofóbicos la han votado, xenófobos la han votado y, a su vez, personas que están más dentro de mis líneas de pensamiento, también la votamos. Sin embargo, yo creo que los que estamos dentro de lo que considero mis líneas de pensamiento, no sólo la votamos, sino que la apoyamos, que la criticamos donde haya que criticarla pero pidiéndole que se reivindique, porque puede hacerlo, porque tiene con qué. Porque la partida de Néstor, de algún modo, ayudó a que los humos de quienes despotricaban contra el Gobierno bajaran y entonces ella también bajó los suyos para escuchar (eso sí, no mientras enterraba a su marido como pretendía Rosendo Fraga en aquella espantosa lista de condicionamientos que publicara en La Nación a sólo horas de la muerte del ex presidente).
Como ya he dicho en este blog, Cris (como me gusta decirle a mí), no se ganó un voto conmigo, se ganó mis convicciones, porque la elegí por los puntos que ya todos sabemos: ley de medios, AUH, fin de las AFJP's, etc. Pero más que nada la volví elegir por su coraje, por profundizar, por habérsele plantado como hizo en su momento, a la oligarquía agrícola y a los valores más conservadores, ortodoxos y tradicionales de la Iglesia. Si tengo que elegir una acción que abrazó este gobierno por la que empecé a vociferar que lo apoyaba, fue a partir de la promulgación de la ley de Matrimonio Igualitario. Esa sí que me pareció una norma cuasi transgresora, más allá de que casarse sea muy poco transgresor.
Mi deseo para el futuro es que Cris se le anime a la despenalización del aborto aunque ella no lo apoye. Que pueda hacer un análisis macro de la situación, de esos que ella tan bien sabe hacer, y se empiece a tratar con la misma profundidad con la que se han tratado otras tantas políticas. Vamos por una política ambiental seria que se enfrente, de la misma forma que se ha hecho con tantos intereses sectoriales, a todas las corporaciones que con el fin de acumular más capital, destruyen ecosistemas, vida y futuro. Por una ley de protección animal ineludible y sostenida por un plan de educación ambiental.
Ya habrá tiempo para análisis fríos. Después de todo lo que ya comprobamos -del regreso de la política a los asuntos de la sociedad sobre todas las cosas- si los próximos años de Cris se enmarcaran con estos lineamientos, qué más podría pedirle yo que que me siga haciendo latir tan fuerte el corazón.

Puesto 8: Nirvana

2011-10-20T07:38:00.000-07:00

Probablemente voy a recibir comentarios polémicos en torno a posicionar a una banda tan "nueva" por arriba de dioses y genios como David Bowie, Elton John o megabands como U2. Sin embargo, creo que eso fue lo que me determinó a ubicar esta banda de Seatlle en el puesto número 8 del ránking. La unión de Kurt Cobain, Dave Groll y Kris Novoselic es una pieza clave de la historia de la evolución de la música.
Las razones: es una banda de la década de los 90's, o finales de los 80's, que ha marcado a las bandas posteriores como pocas. Piensen en el contexto socio/político/económico que eso supone. Sus videos, sus conciertos, todo siempre tuvo una mística muy particular, tal vez, casi a la altura de los de The Doors. Claro, ambas bandas tuvieron líderes conflictuados, de una sensibilidad que podría considerarse el factor de su unicidad. Tanto Jim Morrison como Kurt Cobain eran poetas. Sin embargo, en algún punto, tal vez Jim pudo manejar mejor el glam que Kurt. Ya hablé de lo que Kurt singnificó en la cultura de mi generación y en sus sucesores en otro post de este blog. Resumiendo: sus dolores crónicos de estómago que lo llevaban a consumir heroína, placebos y alcohol para disfrazarlos eran el resultado del no poder soportar ese mundo. La vorágine a la que se exponía una banda creando poesía en un contexto político, económico y social en donde todo se abría. Todo era destape, borrar los límites y derribar barreras. El problema era que en general, la poesía, por más de que se haga para difundirla, es una parte muy profunda de personas como Kurt y el exponerse a ese gran destape terminó destruyéndolo. Así fue que el Unplugged que Nirvana hiciera en 1994, pocas semanas previas al suicidio del cantante y corazón de la banda, se transformó en una perfecta representación de lo que Kurt estuvo tratando de decir durante su último año de vida. Tal vez intuyendo su final, tal vez, simplemente, esa mirada al final de Where did you sleep last night? es pura casualidad.
Tanto Bleach como el masivo Nevermind (que logró correr ni más ni menos que a Dangerous de Michael Jackson de los ránkings) y el hermoso In Utero muestran la evolución de una banda que marcó a sus contemporáneos, tales como Alice In Chains (recomiendo su excelente Unplugged, tan bueno o mejor que el de Nirvana), Soundgarden y los inmensos Pearl Jam u otras como Oasis o Blur.
La corta historia de Nirvana en años, es inversamente proporcional a las influencias y al recuerdo de Kurt Cobain en la vida del rock, grunge y de la cultura popular.

Where Did You Sleep Last Night durante la grabación del mítico Unplugged de Nirvana. No se pierdan la mirada de Cobain llegando al final del tema. Es escalofriante.

Heart Shaped Box en el último show de Nirvana y permítanme: Kurt es el hombre más hermoso del rock.

Perdón el exceso, pero no podía dejar afuera mi canción preferida. In Bloom.

Vida portátil

2011-10-12T20:26:00.001-07:00

La película Medianeras reflexiona sobre las relaciones humanas en el contexto tecnológico/urbano de hoy. Pero no podemos frenar ahí, ya que, de más está decir, que cuando hablamos de esto, no podemos dejar de lado los cruces y las resignificaciones que los vínculos han sufrido durante la última década. La humanidad está plagada de “seres” tecnológicos que invaden o acompañan nuestras vidas. Incluso, los edificios que conforman los paisajes de las grandes ciudades y la forma en que éstos están dispersos codifican y hasta determinan la forma en que los lazos entre las personas comienzan, se gestan y terminan. Podrían ser las tecnologías de nuestro hábitat.
Las tecnologías de la comunicación, se han colado en nuestras vidas como la luz que entra de las ventanas construidas ilegalmente sobre las medianeras. Podría pensarse que la necesidad de luz que tenemos cuando habitamos en departamentos de espacios cada vez más acotados, como se está dando en los últimos años en la vida urbana (salteando explicaciones socio económicas), es tan pujante como la necesidad que sentimos hoy por hoy de tener un celular o Internet y así poder estar conectados todo el tiempo (¿conectados a qué?). Se nos hace casi inconcebible vivir sin uno, aunque realmente no lo queramos, creando así una especie de “histeria social”.
Por su parte, los edificios parecen erguirse más arriba y más arriba, tratando de llegar al cielo que cada vez vemos menos; enredados entre cables de la telefonía móvil que se interponen entre nuestra visión desde la calle hacia los últimos espacios celestes que, de alguna forma, lo que hacen es representar nuestro distanciamiento físico: para qué llegar a horario si tengo el celular y puedo avisar dónde estoy, a cuánto estoy, y pocas veces cómo estoy.
Las fobias, ataques de pánico que han tenido su popularidad más alta en los últimos diez años, hacen que nos guardemos en nuestros hogares. Ya no se necesita ni salir para ir al cine, y menos que menos, para alquilar una película o ir a buscar la pizza. Hasta tenemos la máquina para hacer el pan que lo hace por nosotros sin que tengamos que ni siquiera hacer la esponja de levadura. La reflexión más inmediata es que todas las tecnologías, supuestamente, desarrolladas para hacer la vida del hombre más cómoda o sencilla, parecen haber mutado hacia un perfil de enclaustramiento, aislamiento y sedentarismo. Porque esa conexión constante, eterna, con todo y a todos y en las condiciones en que se propician, termina resultando lo mismo que la desconexión total con el afuera y el otro.
Porque en las ciudades, el cielo se tapa, pero el tiempo vuela. Y ya no hay ni tiempo para cocinarnos ni reunirnos. Los espacios, cada vez más pequeños, en donde habitamos ni siquiera tienen mesadas para cocinar. Los monoambientes afloran sin crear un espacio real para reunirnos con otras personas. Sólo poner nuestras camas. Y aquel que se atreva a querer una casa con espacio para recrearse con amigos, que pague más. Más de lo que ya es bastante más. Sobretodo, si es que estamos alquilando.
Nació también “la cultura del identificador de llamadas” (salvando excepciones en donde es necesario). Cada vez que alguien nos llama ya casi no hay ese resto de sorpresa de decir: “alguien está pensando en mí, ¿quién será?” Ya lo sabemos desde antes de (no) atender. Y de más está decir que la más famosa pregunta que surgía tan naturalmente de nuestros labios cuando llamábamos a las casas de nuestros seres queridos quedó casi en el olvido: del “¿Cómo va todo” o “¿Cómo estás?” a “¿Dónde estás?” o “¿Con quién estás?”. Llamar a la casa de la persona con quien queremos hablar, o ser atendidos por otra persona antes, ha sido desplazado por el aviso vía mensaje de texto de que se va a llamar a la casa de esa persona, si es que se llama al fijo. Ni hablar del auge de las conversaciones íntimas en transportes públicos donde nos enteramos de todas las miserias y quejas de cualquiera que decida hablar por teléfono a viva voz en el medio del bondi.
Las tecnologías del control han ganado su batalla más difícil: pasar de ser repudiadas como es el caso de las censuras en los medios de comunicación, o del panóptico de las cárceles, a que todos quieran webcams, facebooks, twitters y celulares para saber del otro, si está disponible o no disponible, cómo se ven, sin siquiera salir de sus cómodos sillones computadoriles, o incluso, de sus camas. Los lazos que nos unían han sido reemplazados por la vida Wi-Fi. Eso lazos, que eran ni más ni menos que nuestra presencia, ahora son letritas que se van achicando cada vez más ante el tamaño de lo portátil. Ya no hay tiempo para sentarnos a hablar o para escribir o para cocinar, sólo andamos.

Puesto 9: Michael Jackson

2011-09-22T09:43:00.000-07:00

A mí no me gusta - lo que se dice ME GUSTA- Michael. Sin embargo conozco casi todas sus canciones, vi varias presentaciones en vivo, sé el nombre de todos sus discos y cuándo empezó a no ser negro ¿Hay algo de maravilloso en esto? No ¿Por qué? Porque casi todo el mundo que tiene un mínimo interés por la música en general lo sabe y aquellos que no tienen interés en la música han sido atrapados por el morbo de las mutaciones de Jacko y su vida cargada de acusaciones y declaraciones polémicas, incluida, decir que él era Peter Pan (sic). Y hasta arriesgaría que, en los últimos años, su hermana menor, Janet, supo hacerle más honor a su apellido con discos como Janet, The Velvet Rope, All For You y Discipline.
Sin embargo, creo que no hay artista pop en este planeta que no esté influenciado por este ser. No hay artista soul en esta Tierra que no haya sentido el swim de los Jackson Five con la voz de Michael cantando Where you are o I Want You Back o la tan reversionada I'll Be There (gran versión de Mariah Carey en su Unplugged de MTV cuando aún cantaba en vez de gemir). Hasta el rock ha sido tentado por el beat de Billy Jean: recordemos que, por ejemplo, Chris Cornell hizo su versión de dicho tema o que Eddie Van Halen la descose en el solo de guitarra de Beat It. Los dos primeros discos de Michael, Off The Wall y el multi híper archi platino Thriller, son consideradas aún por mí, gemas de la música comercial de la mano de la producción del genio de Quincey "tengo-más-onda-que-nadie" Jones. Ya he hecho una necrológica del rey del pop en este blog en donde expongo claramente porqué considero que debe estar en este ránking. Es inmortal ese ritmo y te va a trapar.

El tierno Michael en Jackson Five haciendo I Want You Back.

De su primera producciòn solista (y disco preferido mío) Off The Wall, el ritmo más contagioso del Jackson de los 80, con sólo su nariz operada, Don't Stop Till You Get Enough. Gran video.

Puesto 10: U2

2011-08-24T18:40:00.000-07:00

Mmmmmmm. Debo confesar que dudé mucho en poner a esta banda en mi lista, sin embargo, luego de pensarlo mucho, de debatirlo mucho y de escuchar The Joshua Tree, Achtung, Baby! y Zooropa me dije: má' sí.
U2 es la banda fácil. Casi como Queen, sólo que Queen por lo menos tenía a un puto con sida que la hacía más difícil.
Confieso que la postura cool de Bono me molesta mucho y que no le creo mucho a sus discursetes políticamente correctos que tratan de incomodar a los más poderosos al mismo tiempo que les saca una sonrisa. Los Bono Moments (como bautizara mi gran amigo Sendra en el recital que presenciamos juntos en cancha de River allí, por marzo de 2006) me aburren por demás.
Y sin embargo, un gran PERO: pero The Edge, pero los tres discos que nombré, pero Adam Clayton, pero Larry Mullen Jr. pero tantas canciones casi perfectas y PERO BONO ES ÚNICO: como canta, como interpreta, como cambia de personaje con una facilidad actoral soberbia. Así que, por más de que sea una banda fácil, a veces está bueno no tener que justificar todo lo que a uno le llega. Simplemente nos llega.

Discos: The Joshua Tree, Rattle And Hum, Achtung, baby!, Zooropa, All That You Can't Leave Behind.

Where The Streets Have No Name. Probablemente la mejor canción para tocar en vivo de la historia. Esta versión le ganó a la de Bad de Zoo TV. Disfruten.

Stay (Far Away So Close), el día que lograron enamorarme.

In A Little While ¿Entienden por qué no podía dejarlos fuera? La canción que más me moviliza de U2 junto a One, Love Is Blindness y All I Want Is You.

Amy Winehouse 1983-2011

2011-07-24T11:43:00.000-07:00

Dos discos brillantes. Una voz única. Performances aún más maravillosas que la unicidad de su voz. Un apellido que marcó su vida de adicciones. Se la va a extrañar horrores a pesar de haber estado poco tiempo en el cielo de las estrellas talentosas como Janis, Kurt, Jim, etc, etc. Pero al igual que la de ellos, su luz, brillará por siglos.
Te amamos, Amy.

Los dejo con mis dos canciones preferidas de su último álbum e hito de una carrera que recién comenzaba.

Su mejor interpretación haciendo Love Is A Losing Game con una hermosa presentación de Jooles Holland.

My Tears Dry On Their Own: "She walks away, the sun goes down."

Puesto 11: David Bowie

2011-06-26T17:44:00.001-07:00

Constantemente se pone bajo la mira a los músicos/artistas por su capacidad de evolucionar, innovar, transgredir, derribar prejuicios y encontrarse en una dimensión que ya no pueda catalogarse. Muchas veces quiere tildarse de aburridos y encasillados a algunos músicos por hacer discos dentro de un mismo género y estilo a pesar de que, realmente, esté bien hecho (como los Red Hot...). Otras tantísimas veces, se pone bajo la lupa al artista cuando se arriesga a un lugar no seguro; se lo denosta (la costumbre auditiva a la música y al reconocimiento inconciente de que matchee "ese músico" con "ese estilo" es mucho más fuerte y definitoria de lo que podemos imaginarnos).
Y entonces, apareció Bowie.
Este ser intergaláctico que descendió de la nave de Ziggy Stardust. Un artista que "suicidó" a su alter ego (Ziggy Stardust) para hacer un cambio de imagen y de sonido. Un precursor de la androgenia, del glam rock y del plastic soul -soul cantado por blancos-; padre del pop de bandas como Scissor's sisters, pasando por Blur, Madonna y Lady Gaga. Es un referente ineludible a la hora de hablar del rock en todas sus facetas. No sólo su voz marca su obra sino que el contenido de su producción es de un alto valor artístico e intelectual.
En el año 1981 colaboró con Queen lanzando el mejor tema de esa banda, Under Pressure, no sólo por su melodía, arreglos y composición, sino por unir a dos de las mejores voces que el mundo jamás conoció y conocerá.
La película Velvet Goldmine intenta retratar el mito de su relación con Iggy Pop, rock stars en su más alto exponente. No se la pierdan. Y desde ya, imperdible su actuación como el Rey de los Duende, Jareth, en Laberinto (suprema banda de sonido a su cargo).
Bowie no sólo es inimitable por otros, sino, que es inimitable por sí mismo. Dadaísmo puro.

Discos: The Man Who Sold The World, The Rise And Fall From Ziggy Stardust And The Spiders From Mars, Young Americans, Low, Heroes, Scary Monsters, Let's Dance y Hours.

Dios! Dios!
Escalofríos de principio a fin (sobretodo en el fin) David con Annie Lennox en el Tributo a Freddie Mercury en 1992.

En su etapa bailable, Let's Dance la rompe

Puesto 12: Elton John

2011-06-23T10:26:00.000-07:00

Todos, absolutamente todos los músicos que han compuesto una balada post Elton John le hacen un homenaje a este hombre. No lo encasillemos sólo en su alta capacidad para componer este tipo de canciones, sino para componer todo tipo de canciones. Pero es cierto que su sello más fuerte está en la musicalidad que logró conjugar en las baladas.
El fuerte de Elton nunca han sido las palabras. Bernie Taupin fue quien le puso letra a las creaciones musicales del inglés de los anteojos locos durante toda su carrera, hasta el día de hoy.
Axel Rose declaró que November Rain no es más que un homenaje a las canciones de John y Robbie Williams dice que si no fuera por el Gran Elton, Angels, no existiría.
Toda la primera etapa de su carrera es inspiradora para cualquier músico pop. Desde Your Song de su segundo disco Elton John, pasando por Cocodrile Rock hasta Good Bye Yellow Brick Road o Tiny Dancer y más y más. Imposible dejar afuera Candle In The Wind, su tributo a Marilyn Monroe, tanto en su versión en vivo como de estudio. Esta joya se tranformaría también en el sencillo más vendido de la historia cuando la reversionara en referencia a la muerte de, su amiga, Lady Di.
No es posible obviar el disco que le devolvió el sello Elton a sus canciones luego de sumergirse en formatos muy comerciales durante los 80 y 90, Songs From The West Coast (sin querer decir que no haya generado hermosísimas canciones durante esos períodos).
Es obligación para cualquier músico de oído un poco refinado, tener en cuenta a este mentor de compositores en cualquier etapa de la vida.

La mejor versión de Candle In The Wind, interpretada por Elton en Australia cuando aún se vestía de Elton. Escuchen ese piano tan característico: no para de andar y andar y andar.

Desde Songs From The West Coast, uno de mis videos preferidos con el hermoso Robert Downey Jr. para interpretar una de las letras más perfectas del planeta Tierra: I Want Love

Puesto 13: Aretha Franklin

2011-05-21T11:50:00.000-07:00

Pocas voces pueden permanecer casi intactas con el paso del tiempo. Los intérpretes del soul son de los que más han influenciado a cantantes del rock y del jazz al mismo tiempo. Arteha Franklin es sin dudas la mujer que más ha influenciado las voces femeninas de todas aquellas que pueden cantar (con poder cantar no digo emitir una linda voz, sino que con su voz, mueven montañas). Nos gusten o no, cantantes como Mariah Carey, Whitney Houston o hasta la joven Joss Stone o Annie Lenox tienen una huella (más pequeña o más obvia) en su registro vocal que nos remita a la enorme (en todo sentido de la palabra) Aretha Franklin.
Hija de un pastor Aretha comenzó a cantar casi antes de terminar el primario y desde ahí no paró. Acompañada por su piano o sin él, la capacidad de esta diva indiscutida de cantar tonos altísimos como si estuviera hablando por teléfono con su mejor amiga, se han impregnado en el pop y el rock de los 70 hacia los 90 predominantemente.
En 1998 VH1 convocó a Shania Twain, Gloria Estefan, Mariah Carey y Celine Dion a lo que fue el primer concierto DIVAS de la cadena en MTV (el único que realmente pudo considerarse que se trataba de divas teniendo en cuenta que los siguientes tenían a Miley Cirus y a Kelly Clarkson como referentes de dicha categoría). Pero claro, cuando la listas de intérpretes además incluía a Artha Franklin y a Carol King, quedaba más que claro que las otras cuatro les rendían homenaje. Véanlo y escúchenlas acompañarla.

DIVAS 1998 cantando por primera vez en vivo junto a Carol King, autora del tema Natural Woman que popularizara en la década del 70.

Junto a su piano, Bridge Over Troubled Water

Puesto 14: Elvis Presley

2011-04-29T16:13:00.000-07:00

No hace falta ser un fanático de la música para conocer a Elvis. Elvis se convirtió en un ícono del rock y de una cultura antes que nadie. Fue al rock lo que Eminem al rap, claro, salvando enormes diferencias. Elvis pintó de blanco lo que más pintado de negro estaba en ese momento. El mundo del R&B y el rock and roll se rindieron a sus pies, ante sus movimientos, ante su jopo, ante ese labio fruncido hacia arriba y esa mirada de niño triste que generó los primeros gritos alocados en el público al presenciar un espectáculo musical.
En varias presentaciones televisivas, lo grababan de la cintura hacia arriba para que sus caderas y su pelvis no bailaran ante la mirada de tantas niñas que hasta ese momento no habían podido ver a un hombre hacer tanta demostración de su sensualidad como parte de su espectáculo en un contexto masivo/popular.
Desde antes el rock venía siendo un estilo de vida y una cultura más que los demás géneros musicales -a pesar de que cada uno de ellos resignifican prácticas en sus modos de consumo. Pero ninguno como el rock, y ninguno pudo tener referentes como, lo es a este género, un rock star. Y Elvis fue el primero. Es interesante ver que por ejemplo, en Argentina, desde Sandro hasta Pocho la Pantera quieren parecérsele. Elvis traspasó a los entendidos de un género, es más que Sinatra habiendo vivido mucho menos. Y desde ya que su repentina muerte (haciendo honor a su nómina de rock star) lo transformó en un mito.

Love Me Tender. Elvis no necesitaba de nada para envolvernos con su interpretación, ni de altas notas, ni de grandes escenarios. Sólo él y esos graves susurrados en esta hermosa canción.

Puesto 15: Bob Marley

2011-03-09T18:26:00.000-08:00

Seamos sinceros. El reggae no es un género musical con muchos márgenes de creatividad. Para que un tema sea reggae, primero que nada tiene que ser eso, reggae. Y segundo, también. En cuanto se le hace alguna variación ya es Ska, o pop playero, o tantos otros nombres que han ganado terreno sobre lo que es el género en sí. Por eso, porque tiene muy pocos aditivos que lo enmarquen dentro de las pautas que lo definen como tal género.
Pero no se puede olvidar al héroe del reggae. No puede olvidarse nadie de Bob Marley. No sólo porque hacía que todas su canciones reggae sonaran como si cualquier otra banda perteneciente a cualquier otro género pudieran reversionarlos, sino porque interepretaba como ningún otro en su mambo. Porque difundió la culutura Rasta mucho más allá de Centro América e hizo que muchísimos artistas de elite se sintieran afectados por esta cultura subalterna.
Bob Marley hace que cualquier tema reggae suene igual, menos los suyos. Inalcanzablemente único, su mito se acrecentó tras su muerte en 1981 a causa del cáncer. Sin embargo puede decirse que es imposible dar por muerto a este Dios Jamaiquino, que lo es literalmente para la cultura Rasta.

Discos: Burnin', Catch a Fire, Exodus y Survival (Más el legendario compilado Legend, valga la redundancia, que hizo que tantos de nosotros nos acercáramos a la música de este genio)

Joya: Concrete Jungle en la BBC

Puesto 16: Tina Turner

2011-02-15T12:49:00.000-08:00

Si hay un estereotipo de mujer luchadora, que luego de las peores tormentas logra imponerse ante un mundo machista a fuerza de talento e intentos y más intentos; ese estereotipo, lo inventó Tina Turner. Ana Mae Bullock nació un 26 de noviembre de 1939 en Nutbush, ciudad a la cual le dedica su hit Natbush City Limits. Hija de una obrera y un bautizador, Anna se dedicó a cantar en la Iglesia de su pueblo. Desde ahí hasta su consagración como solista femenina, todo es parte de una historia para retratar en una película. De hecho así lo hizo Brian Gibson en 1993, basándose en la autobiografía de la mismísima Tina Turner.
Tina entonces, no siempre fue Tina, antes fue Anna Mae. Pero un buen día, frecuentando los bares del Motown, conoce al hombre de su vida: Ike Turner (por más palos que le pegara, el tipo la puso donde ella empezó). Después de casarse, años de abusos, golpes, drogas y lo que todos sabemos, Tina logra dejar a Ike, pero no a Turner. El apellido lo mantuvo. Mucho había hecho para que quedara en la historia de la música. Ninguna otra mujer canta sobre un escenario con las tripas como lo hace Tina. Bueno, sí, Janis Joplin. (Hoy por hoy Beyoncé... mmmmm podría seguirla). Es la mentora de todas y hasta la creadora del concepto de show como Madonna luego desarrollaría hasta su mayor exponente.
Los dejo aquí con su versión en vivo de Missing You y otra junto a Beyoncé en los Grammys! Imperdible

Puesto 17: Stevie Wonder

2011-02-03T18:48:00.000-08:00

Hay pocos seres que aún caminan estas tierras que cuentan con el honor de haber creado algo dentro de la historia de la música. Stevie Wonder a la edad de 13 años lanzó su primer sencillo: Fingertips del sello Motown formando parte del disco Recorded Live: The 12 Year Old Genius. A partir de allí no hizo más que generar obras únicas en su creación y en su interpretación. Ray Charles y Stevie Wonder cargan consigo el haber sido los dos exponentes de la música soul y/o funk que más influenciaron en las formas de cantar a cantantes contemporáneos: desde Michael Jackson a Adam Levin de Maroon 5 pasando por Alicia Keys, Mariah Carey y Withney Houston más tantos otros. La unicidad vocal de Wonder es una de sus más importantes huellas, sin embargo, hay que destacar que está científicamente comprobado, que Stevie le saca un sonido a la armónica que nadie, nadie en este planeta logrará repetir.
Es muuuuuuy difícil elegir una presentación que sobresalga entre todas las maravillas que nos dio y da Stevie. Los dejo con tres así eligen!
Discos: Talking Book, In Square Circle, Songs In The Key Of Life, Innervisions y Hotter Than July

Stevie mantiene su voz como el primer día en esta versión de Lately

EL joven Wonder (joven maravilla) nos da una clase magistral de buen R&B funk y soul en esta versión bestial de Superstition

Ahora podemos morir

Puesto 18: Queen

2011-01-07T07:00:00.001-08:00

La banda a la que muchos imitan. El hombre al que muchos quieren parecerse. El guitarrista que sacó un sonido de su guitarra entre lo sinfónico, la dramaturgia y el hard rock. Queen es una banda para todos los gustos.
Se evidenció, a partir de la muerte de Freddy Mercury, que Queen era pasión de multitudes. Que era de esas bandas que te llenaban un estadio en cualquier país del mundo y que la voz de su frontman abarcaba al planeta entero. No se ha cruzado nadie por el camino de esta bloggera que haya desacreditado a la voz, presencia, carisma y capacidad de interpretación de Don Fred.
Hasta los más homofóbicos se encuentran entristecidos por la muerte de Mercury y declaran que es la única banda de un puto que vale la pena escuchar. Porque Queen fue uno de los pioneros del hard rock allá por los 70's y porque nunca nadie podrá olvidar a ese gran cantante de los bigotes negros.
Quién no tiene lso dos volúmenes del Greatest Hits de Queen, el de la tapa azul. Un "must" luego de la muerte del líder.
Creadores de la primera canción más extraña del mundo y paradójicamente, una de las más populares, Rapsodia Bohemia, que hizo a los headbangers sacudir sus cabelleras al ritmo de la ópera.

Discos: A Night At The Opera, Live At Wembly '92, The Game, A Day At The Races, Greatest Hits Vol I & II.

Puesto 19: Prince

2011-01-04T06:39:00.000-08:00

Probablemente llame la atención, que en este ránking muchos de los solistas que aparecen son seres que juegan con la sexualidad y con la presencia del cuerpo -y la identidad- desde donde más se lo puede esperar a donde menos. La razón es porque el arte es interpretación, y la interpretación en el arte radica en los modos de decir y de no decir. Eso, para los humanos, se representa en la sexualidad (por ende en los cuerpos).
El puesto número diecinueve es uno de los mejores exponentes de esto: Roger Nelson, alias Prince, alias The Artist, alias ese-símbolo-que-es-the-artist-y-que-no-lo-puedo-poner ¿Cabe dudas de por qué lo pongo como ejempo de representación en el arte? Prince no es, Prince representa. De hecho, representa de tal forma que no sé cómo nombrarlo.
Desde su primer disco lanzado en 1978 hasta la actualidad, este genio del Motown/pop/funk/rock, nos ha paseado por su talento y creatividad (hasta ha demostrado ser un excelente bailarín). Purple Rain es uno de los mejores temas de los ochentas (y diría de más acá también). Puede hacer temas bailables como Kiss, When Doves Cry, Cream, rarezas como The One, Sign Of Times y bellezas como The Most Beautiful Girl In The World o Diamonds And Pearls. Pocos quedan tan genios como este enanito que en 1993 dio el show más express que hemos visto en la Argentina, pero que más culto generó. Alabados quienes allí hayan estado.
Les dejo aquí una joya de la cual no estaba enterada. Sin duda, una de mis canciones preferidas sobre este planeta: While My Guitar Gently Wheeps de George Harrison. Esta versión fue tocada por sus amigos Tom Petty Y Jeff Lynne en el año 2004 cuando George entró al Hall Of Fame. El tema de por sí es excelente, pero vean quién se suma al final, haciendo llorar a esa guitarra y a cualquier ser vivo con un mínimo resto de sensibilidad.

Prince, se suma sin hacerse notar a esta versión de While My Guitar Gently Wheeps. Hacia el final, su presencia lo es todo, mientras Dhani Harrison (se darán cuenta en seguida de quién es)lo mira atónito ante esta hermosa interpretación.

Puesto 20: Björk

2010-12-18T09:47:00.000-08:00

Björk apareció en escena en un momento brillante de la música. Digo brillante literalmente. En una época en donde la música era Nirvana, Pearl Jam o Alice in Chains, esta dama del hielo, asomó su nariz respingadas y sus 5 rodetes al continente americano y ya nada fue lo mismo. Son muchas artistas las que han sido influenciadas por Björk, desde Natasha Khan de Bat for Lashes hasta Julieta Venegas; pero muy pocas realmente pudieron plasmar un legado. Ni siquiera en eso pueden seguirla.
Björk es única en todos sus aspectos: en su apariencia, en su música, en su forma de hacer música, en su forma de publicitarse (como vestir el cisne de su disco Vespertine para la entrega de los Oscars de 2002 en la que estaba nominada por la maravillosa actuación en Dancer In The Dark de Lars Von Trier). Sus videoclips recorren una estética y una variedad de estilos que nos invitan a mirar uno tras otro como una forma más de la expresión de su arte cada vez más cambiante.
Hasta Madonna tuvo su etapa de obsesión por la música de la islandesa durante el período romántico experimental en los años 94/95. Björk produjo esa obra maestra que es Bedtime Story para el disco Bedtime Stories de Madonna. El tema es algo así como un viaje por el inconciente en donde no hay ninguna linealidad ni en la composición musical ni en sus letras, más que la repetición del estribillo: Let's get unconsious, honey.
Discos claves: TODOS... cada uno de sus discos es una revelación de las capacidades de hacer música que hay en el mundo, pero si tenemos que elegir: Debut, Post, Homogenic y Vespertine.
Déjenla que los enamore mientras hace un huevo frito. Así lo hizo conmigo.

Los 20 mejores músicos de este blog (con yapa)

2010-12-06T16:27:00.000-08:00

Cuando me propuse armar este post (que serán 20 en realidad -más la yapa-), me planteé elegir a los 10 mejores artistas. Claro, que me di cuenta de que ciertos nombres se superponían a algunos artistas que no quería dejar afuera y así amplié mi ránking a 20 (más yapa). Entremos a delimitar la selección. El criterio es similar al del ránking de discos que he publicado unos meses atrás: trato de ser objetiva dentro a las limitaciones de mis conocimientos musicales (sabemos que lo "objetivo" es una gran mentira), pero le sumo un poco de valoración a partir de mis vivencias de las carreras de estos genios. Traté de elegir lo más distintivo de los distintos géneros que incluyo (entre el rock, el pop, el soul y el blues). Sepan que son 20 pero que es muy difícil enumerar y no pude recortar más que ésto, por eso la yapa. Serán muy pequeñas las reseñas, pero serán fundamentados cada uno de estos artistas.
Disfruten y los dejo con lo primero...
La Yapa

Depeche Mode

Ninguna banda de los últimos 50 años (dejando afuera a David Bowie que es un solista) supo jugar tanto con lo ambiguo: con lo femenino y la testosterona, con lo oscuro y con la luz, con el fin y los renaceres. De la mano de un genio de la composición y otro de la interpretación, la banda de Martin Gore (genio compositivo), Dave Gahan (genio interpretativo) y Andrew Fletcher se ha paseado durante las últimas tres décadas por distintos momentos del pop y del rock introduciéndoles lo electrónico como un elemento inamovible a su estilo.
Discos imperdibles: Music For The Masses, Violator, Songs Of Faith And Devotion, Ultra y Playing The Angel.
Pocos líderes pueden pesar en el escenario como ese gigante escuálido que es Gahan ni conquistar audiencias con sus coros (y en sus interpretaciones estrella) como Martin Gore. Y cualquier macho por más "macho" que se considere, deja de ser seducido por los movimientos de Dave al micrófono. Los reto a ello!

Depeche Mode en vivo Rock Am Ring, Germany 06-04-06

Live And Let Paul

2010-11-12T13:50:00.000-08:00

Hace poco tuve una charla sobre quién es el personaje más popular del mundo. Estuvimos entre tres. Primero que nadie, Diego Maradona, seguido por Michael Jackson y Paul McCartney. Y también contamos a John Lennon pero como murió hace muchos años y se transformó en un mito, lo descartamos.
En definitiva, creo que terminamos cerrando la conversación en que Maradona es la persona más popular del siglo. Sin embargo, después de la nueva visita del ex Beatle a la Argentina, yo creo que debo decir que hay algo maś allá de la popularidad (no sólo entendido como masividad, sino como capacidad de “llegar” a todos los estratos de todas las sociedades del mundo). Los Beatles forman parte del inconciente colectivo de la Humanidad. Desde el Dalai Lama hasta los habitantes de algún pueblo recóndito de algún desierto perdido, aunque sea una vez en su vida han escuchado un tema de los Beatles, y casi seguro que conoce aunque sea a dos de sus integrantes: Lennon y McCartney. Porque fue la dupla compositiva más perfecta de la historia. Porque fueron los dos egos que separaron a la banda, pero que a su vez, por su legado, jamás les fue posible ser pensados como individuos por fuera de la banda de música popular que más influyó e innovó la historia musical para siempre y como nunca.
No voy a hablar mucho del recital de ayer puntualmente, pero sí voy a destacar lo más importante: 68 años tiene Paul. Su voz no parece haberse enterado más allá de algún que otro súper agudo como esos que pegaba en Helter Skelter que fueron omitidos.
5 son en total los miembros de una banda casi insuperable que rockeando rejuvenece todos los temas de Paul solista.
30 son los temas que toca durante 3 horas.
2 horas del show son sin parar, la última tiene dos pequeños intervalos.
1 es el hombre que pudo conmover como nadie a 50.000 (tal vez compitiendo con Roger Waters, quien logra algo similar a partir de la profundidad, la perfección, y complejidad de su obra, no por la cercanía a la identificación y su enraigamiento en el inconciente colectivo como he dicho antes).

Paul nos trajo emotividad. No hay persona que haya escuchado algún disco de los Beatles y no haya quedado pegado, aunque sea, a una canción. Y, siguiendo con mi teoría del inconciente colectivo, el que no escucha a los Beatles, el que no lo tenga como una práctica activa, lo tiene como una práctica involuntaria, como el caminar. Algunos lo hacen como un deporte, otros, porque es la forma de movilizarse.
En su primera noche en Buenos Aires (segunda visita, la primera fue en 1993) Paul nos movilizó con sus homenajes a sus dos amigos John y George. Sobre todo con este último, por haber agregado imágenes junto a él, mientras tocaba Something con una versión exquisita que comienza con una bandolina y en la que termina sumándose su mega banda a partir del solo tan caraterístico de la forma Harrisoniana de tocar la guitarra.
La canción para John, Here today, fue un homenaje más íntimo. Muchos se preguntaban por qué no había puesto imágenes de Lennon. Yo creo que es porque fue entre él y su amigo. El que no sabe inglés tal vez se quedaba medio desorientado en el sentimiento, pero la conmoción de McCartney al cantarla era bastante impactante.
Las versiones de My Love, Live And Let Die, Helter Skelter, I've Got a Feeling, la preciosa Blackbird, Two Of Us y The Long And Winding Road, una de las predilectas de esta escritora, Fueron los otros momentos épicos del concierto. Aunque seguro que se me está pasando algo.
Durante el show del miércoles, me preguntaba qué solista de nuestra generación puede generar lo que seres como Paul, Sting, David Bowie, Elton John. Se me hace muy difícil pensar en alguien de ese calibre.
Sobre todo del calibre de quien ayer nos entregó parte de su vida y también, parte de la nuestra. Rememorándonos cosas de toda nuestra historia, pero, asentándose cada vez más en nuestros espacios más vulnerables e imborrables. Los fanáticos de los Beatles o de Paul abarcamos una franja desde los 10 a los 70 años. Los Beatles son atemporales. Nunca podrán separarse porque para quienes los escuchamos habiéndolos vivido contemporáneamente o no, su vigencia traspasa su reunión física. McCartney fue el mensajero para recordárnoslo.

El Gran Señor

2010-10-29T14:29:00.000-07:00

No sé cómo empezar esta nota. Permítanme usar muchas anécdotas personales y no abocarme tanto al análisis político esta vez.
Nunca pensé que iba a vivir algo similar a la muerte del General Perón o Evita. Resalto la palabra similar porque la muerte de Néstor Kirchner no nos deja a una inepta como Isabel Perón. Pero en cuanto a la movilización popular, es demasiado parecida. Le voy dejando un mensaje a Rosendo Fraga, el columnista de ese diario que vela contra la solidaridad popular y a favor de los intereses de quienes se aterran ante un chico negrito con pinta sospechosa que cruza la calle, o ante el matrimonio de una familia que no corresponde a los parámetros de la familia convencional: ¿le parece a usted, Rosendo, que Cristina Fernández va a escuchar sus consejos como Isabelita escuchó a López Rega? ¿Séame sincero, usted realmente, pero de verdad verdadera, cree eso? El mismo Eduardo Duhalde declaró, allá por 2003, cuando se suponía que era él quien manejaría a Kirchner que quien pensara eso, no lo conocían a Néstor y menos a Cristina.
Yo llegué de un viaje por Europa en el año 2003. Después de dos meses fuera del país con sólo 21 años, en mi vuelta, por primera vez me tocaba votar a un presidente. Mi primera elección había sido en el contexto del “que se vayan todos”. Consigna que ni siquiera con 19 años y sin tener un gramo de interés serio por la política, logró hacer ancla en mí. Y si se iban todos, quién venía. ¿Me van a decir que los que apoyaban el "que se vayan todos" eran unos pro anarcos que querían el fin del Estado y que el pueblo gobierne? Probablemente muchos de ellos sean los mismo que hoy dicen que los K lo único que hicieron por esta patria es llenarse los bolsillos, como si la política y el dinero no tuvieran correlación real.
Es en ese contexto anti política (ni siquiera apolítico), me tocaba elegir a quién iba a votar. En CQC, el último tiempo, aparecía un tipo que yo ni sabía quién era pero que sin embagro había gobernado por 15 años la provincia de Santa Cruz siendo legítimamente reelegido por su pueblo. Y a su lado, esa mujer, que siempre, detrás de todo ese maquillaje, miraba con determinación, se plantaba ante políticos y periodistas con un carácter único y aún así seduciendo, como su eterno affair con Gonzalito (quien intentaba ser el Andy Kusnetszoff de la nueva era del programa, claro que no lo logró).
Pero, volviendo, ante mi dilema, le dije un día a mi padre (vale aclarar, hoy ferviente Kirchnerista, sobretodo luego de haber fundado el ARI junto a Lilita Carrió, y salir despavorido como muchos otros luego de que ante la victoria de Néstor en 2003, Lilita por diferenciarse se trasnformó en una pitonisa pero que de pitonisa no tenía ni un pito, sino varios pájaros dándole vuelta por su redonda cabeza): "me parece que voy a votar a Kirchner" ¿Saben cuál fue la respuesta de mi padre?: “¿Pero vos estás loca?, ese va a ser un muñeco de Duhalde”. Así sentenció mi decisión de no votarlo. Idiota yo por seguir las palabras de mi padre, pero sin embargo me regocijo en que esa vez no fue
el visionario que dice ser. Con respeto, padre. Y por qué no lo fue ¿Vale la pena que me ponga a enumerar? Si lo hago es para todos aquellos que hoy no lo apoyan y sin embargo tienen la dicha de vivir en una Argentina que no es más la de 2001 y sus años precesores. Muchos hoy defenestran este gobierno, que oh, casualidad es el mismo que reacomodó este país y sigue en el poder. Amigas mías varias, pero que claro nunca se tomaron el tiempo de sentarse a leer un diario con notas en profundidad o no se ponen a ver más que los titulares de TN. Con respeto chicas, pero entonces, si están en tal grado de ignorancia y falta de análisis de la situación política y social, ¿sobre qué están opinando? ¿Sobre la realidad que ven?
Si se les habla de socialismo salen despavoridas. Quieren que todos seamos ricos en el sistema capitalista. Seguramente así como no se ponen a estudiar sobre la actualidad política, no se sentaron a estudiar qué es lo que necesita el capitalismo para sostenerse (estudiar lo digo porque personalmente creo que ya no se puede utilizar el término informar sin que eso no sea simplemente leer titulares de TN). A su vez, si se les dice que hay que redistribuir el ingreso postulan que no hay que tocarle el bolsillo al que se hizo su plata y su rancho individual. Perdonen, pero lo que se trata de tocar con la redistribución del ingreso no es el bolsillo del trabajador que cada día junta los mangos para vivir. El Peronismo y las políticas de Estado benefactor lograron darle otro tinte al capitalismo. Y me dicen a mí ilusa porque soy una socialista cristinista. Entonces se exasperan porque todo lo que se logró bajo el Gobierno de 2003 a 2007 y el actual se hizo bajo las banderas del Peronismo. Ese partido que a la vez que le da cabida a los más necesitados dentro del mapa socio político económico, le permite a los ricos seguir teniendo mucho pero con control del Estado. Teniendo que rendir cuentas, teniendo que dar parte de sus altas riquezas, que de aquellos pocos que tienen mucho en este país, es MUCHO. Y además de ser Peronistas hacen cosas que se condicen con la nomenclatura que los abarca. Horror para la clase media gataflorista que se espanta por miembros impresentables del poder ejecutivo y ese tipo de cosas y se aferran a ellas para desacreditar los cambios estructurales que este proyecto de país está consolidando. Porque esa es para mí, la primera y más valiosa herencia de Néstor: que jóvenes como yo pensemos no en gobiernos, sino en proyectos de país. Que podamos discernir un modelo de otro. Que cuando nos juntamos con amigos, si no estamos mínimamente al tanto de lo que está pasando en el país, para apoyar o para rechazar, nos quedamos afuera. Que no nos avergoncemos más de decir que apoyamos a un gobierno que tal vez no votamos, como en mi caso, pero que vamos a votar. Porque hasta hace 7 años los Gobiernos estaban del lado de los intereses que saqueaban al pueblo económica y políticamente. Por ejemplo, es interesante pensar que si una ONG ayudaba a los pobres en los 90's eran considerados héroes porque durante el neoliberalismo menemista se instaló muy fuertemente en el imaginario social, el concepto de que si el Estado lo hacía era sólo a través de algún intercambio pedorro de pancho y coca ó 50 mangos, más allá de que se haga, se haya hecho o no. Hoy y a partir de la despedida del expresidente, y la convocatoria que pudo comprobarse que supuso, me parece que ya no pueden decir más eso.
Hay quienes me preguntaron si en mi trabajo (la Secretaría de Cultura de la Nación) me obligaron a ir a la despedida del Pingüino. También hay quienes cuando vieron mi cintita negra de duelo me dijeron que era muy respetuosa ante la muerte de un ex presidente y no se les ocurrió que una chica de clase media cómoda como yo puede apoyar al gobierno: esa plaza estaba LLENA, qué digo llena, atestada de gente no organizada, al contrario de como quiso pintarlo TN, que tenía mi misma pinta, sin desmerecer a ninguna de las agrupaciones o gremios, ni a los “gronchos” que tanto aterran a los gorilas. En la cola para ingresar a Casa Rosada y encontrarse con Cristina, la gran mayoría, se podía encontrar a esas mismas personas que me vinieron con tremendos e irrespetuosos planteos. Irrespetuosos porque ante el prejuicio de clase no creen que pueda estar dolida por la muerte de quien creo que fue un modelo a seguir para quienes por primera vez se acercan a la política. Un hombre que logró que muchísimas figuras de la cultura y del espectáculo estén ahí, desde Pablo Echarri hasta el mismísimo Marcelo Tinelli quien hasta levantó su programa que mide treinta puntos de rating como mínimo por noche para acompañar al dolor del pueblo y de la familia. Florencia Peña y Andrea del Boca le agradecen por haberlas hecho acercarse a la política activamente por primera vez. Porque los Kirchner nos hicieron ver que hacer cambios es posible, que el arte de hacer las cosas posibles, es real. Además estuvieron Diego Maradona, Julio Grondona, Carlos Bilardo, el Checho Batista, Ricardo Forster, Federico Luppi y tantísimos otros.
Lo más fuerte del velatorio fueron los pequeños encuentros de Cristina con sus seguidores que le gritaban Fuerza Cristina para hacerle saber que no está sola y se lo quisimos demostrar yendo a la Plaza, poniéndonos la cintita negra en el corazón, colgando una bandera. Ella ante nuestros saludos los atajaba y se los guardaba en el corazón.
Gracias a los presidentes de Latinoamérica, de Bolivia, Evo Morales; Paraguay, Fernando Lugo quien se recuperar de una serie de quimioterapia a la que se está sometiendo en su lucha contra el cáncer; Brasil, Lula Da Silva; Venezuela, Hugo Chávez; Uruguay, José Mujica; Ecuador, Rafael Correa; Chile, Sebastián Piñera y Colombia, Juan Manuel Santos que dejaron tantos compromisos por estar acompañando al proyecto argentino como parte d euna región integrada al mundo. Que ya no se agacha ante las órdenes del FMI y de las potencias sino que oficia de socia y de mediadora como ante el intento de golpe de Estado en Ecuador. Correa se demostró muy dolido al encontrarse con Cristina.
Los saludos de Chávez y de Lula fueron los más íntimos. Pero quiero destacar que mientras el establishment nacional y los medios intentan pintar a Brasil como el modelo latino a seguir por su recuperación económica, siempre intentaron enemistar a los Kirchner con Lula, inventarles peleas, plantadas, y nunca más lejos. El presidente de Brasil estaba totalmente involucrado con la campaña de su compañera Dilma Rouseff quien espera el ballotage. Sin embargo, este hecho, para Lula, no podía esperar. Ahí tienen como se enfrentaron.
Para ir cerrando, porque podría seguir eternamente, querí decirles a todos aquellos que tienen algún "pero" y que no se animaban a terminar de decir que apoyan a este gobierno, les aviso que los medios están en pausa. Ahora Cristina no es más una yegua soberbia sino una diosa de la fuerza y de la entereza, consolando a quienes lloran más que ella ante el ataúd de su esposo y compañero de ideas y vida, es el mejor momento para aceptar que se puede estar del lado de quienes nos representan. Dejemos de lado el modelo de los 90's en donde no podíamos hacer nada. Ahora -lo que a tantos aterra y les parece retro- estamos un poco más del lado de las movilizaciones de los 70's pero mejor porque son movilizaciones en apoyo al gobierno sin olvidarnos de que hay mucho más por hacer. Como una política ambiental y ecológica activa y firme, la legalización del aborto, más avances en la eliminación de la indigencia y la lista sigue. Por lo menos en mi caso, Cristina me convenció por el Gobierno, no me prometió nada, sino que lo que fue haciendo me convenció. Y en esa foto estaba Néstor al que siempre admiré por como ponía el cuerpo metafórica, pero más importante, literalmente. Que se tiraba sobre la gente, que los besaba, que los tocaba, que se dejaba tutear y nombrar, no como el innombrable de la década de los 90's que parece sobrevivir a todos. Pero que lo nombramos porque ya no le tenemos miedo a él y a la política que desvastó este país: Carlos Saúl Menem. Kirchner dejó la vida como puso el cuerpo todo estos años. Y eso es la militancia, eso es entregarse a lo que uno cree, no dejarlo de hacer cuando uno está en el lugar que quería llegar. Una vez ahí hay que transpirar, llorar, gritar, confrontar, consolar y emocionar. Eso es Néstor Kirchner en carne viva. Y su figura, su presencia y sus abrazos a todo el pueblo, es en donde siempre va a vivir.

Néstor Kirchner 1950-2010

Una perla en el agujero

2010-09-21T12:53:00.000-07:00

La poesía tiene dos grandes dones: uno, el uso ambivalente del decir: transmitir una idea diciéndola de otra forma a la que le diríamos normalmente. Y por otro lado, el decir las cosas sin decirlas. La poesía converge lo más secreto de lo humano con su necesidad de explotar en palabras y encontrar en esa otra forma de decir (que también puede ser el no decir) el develar los deseos y las inquietudes, los miedos y las ansiedades. Cuando todo eso está volcado en un texto, tenemos poesía. En Live Through This, el segundo disco de la banda Hole (sí, la de Courtney Love, esa loca que muchos dicen que mandó a matar a su marido), todas estas facultades y cualidades de la poesía se reúnen.
Hay muchas cuestiones por las que venerar este pequño gran disco del año 1994: primero que nada la calidad de sus canciones, desde la producción hasta la composición en todos sus aspectos. Segundo la interpretación de Courtney que es imperdible en todos y cada uno de los 12 temas del álbum. Tercero el logro poético que describimos al comienzo de este homenaje a este disco producido por Paul Kolderie y Sean Slade y compuesto en su totalidad por Love y, el entonces guitarrista de la banda, Eric Erlandson. Pero qué hace de este disco algo más que una producción musical: lo mismo que hace del Unplugged de Nirvana unos de los momentos más mágicos y melancólicos de la historia de la música: ambas fueron preludios a lo que se venía en la vida de esta pareja fuera de lo común en el mejor y peor sentido.
En abril de 1994, Kurt Cobain fue hallado muerto en su casa de Seattle con un disparo en la cabeza luego de haber intentado rehabilitarse durante varios meses en Roma y Los Angeles. Por su parte, Nirvana Live In NY, el aćustico hecho para la MTV, parecía una especie de velorio y contiene esa mirada final en el tema Where did you sleep last night?, que ya hemos comentado en el blog con motivo de los 15 años de su muerte. A su vez, Live Through This había sido grabado durante los meses previos a la triste noticia y ya desde el título no se puede evitar relacionarlo con el suicidio de Cobain. Todas las letras del álbum parecieran referirse a la destrucción de los vínculos, del ser humano, siempre desde una mirada muy femenina, con un nivel de furia y tristeza en la interpretación de parte de Love que hasta puede escucharse literalmente si se presta mucha atneción: en el segundo tema del disco “Miss World”, donde se trata irónica y cínicamente el tema de la belleza femenina aceptada socialmente, se escucha un ronquido de flema, lleno de bronca de Courtney justo después de decir: watch me break and watch me burn... Para sumar tragedia alrededor del lanzamiento de la placa, días después de la muerte de Cobain, la bajista de la banda Kristen Pfaff, moría de sobredosis de heroína.

Todos los temas son destacables, sin embargo Violet, Miss World, Asking For It, Softer, Softest y Doll Parts pueden considerarse las más representativas de la joya que es Live Through This. Sobre todo en esa última en donde es inevitable pensar en la muerte de su marido. Pareciera ser una respuesta para todos aquellos que aún hoy siguen acusándola de idear el homicidio del músico. La frase que repite al final: Someday you will ache like I ache resume su estado emocional de aquel momento, más allá de haber sido escrita antes de la muerte de su amado y de la bajista. Aquí les dejo el video y la letra...

Cuánto más linda era sin sus cirugías Hollywoodenses. Sólo había cambiado su nariz a principio de los noventas.

Bonus Track

Cover de Fleetwood Mac interpretado por Stevie Nicks, banda sonora de The Crow: City Of Angels 1996

Ránking: los 100 mejores discos de este Blog

2010-08-09T13:35:00.001-07:00

Bien. Quien me conoce, sabe que me gusta incursionar en la música hasta el punto de casi tornarme una obse enferma. Llego a pasarme horas investigando y aprendiéndome la mayor cantidad de datos sobre una obra musical y su banda. No sólo por la mera recopilación de información, sino porque siento que así puedo aprender sobre el arte y sus mutaciones dentro de lo que hoy se llama "la industria discográfica". No puedo armar un ránking de los mejores discos de la historia o de los más fundamentales porque sé que sólo conozco la un décima millonésima parte de todo lo que se ha producido en este rubro. Así que armo este listado en donde encontrarán mis 100 discos fundamentales. Fue muy difícil ubicarlos en puestos sin fundamentar (no creo en los números, sólo en las argumentaciones). En los primeros puestos encontrarán aquellas obras que me hicieron amar la música desde mis primeros años - digamos desde los 3 - o bien, discos que introdujeron a mi vida a los artistas que más me han marcado en lo personal y en mi pasión por la música como una manifestación artística pero, claro, también, de mis propias ideas (el canto o la danza). Hacia la mitad del ránking y el final, ubico discos que me parecen excelentes según criterio de producción y composición y también por causas más personales. Desde ya que no están todos, de hecho hice una pequeña listita de Bonus Tracks... disfruten y opinen qué sacarían o agregarían =)

1.The Dark Side Of The Moon – Pink Floyd
2.White Album – The Beatles
3.Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band – The Beatles
4.Abbey Road - The Beatles
5.The Immaculate Collection - Madonna / Debut - Björk
6.The Wall – Pink Floyd
7.Revolver – The Beatles
8.So – Peter Gabriel
9.Ray Of Light - Madonna
10.90125 - Yes
11.Post - Björk
12.Like A Prayer - Madonna
13.Ten Summoners Tales - Sting
14.Music Box – Mariah Carey
15.Every Breath You Take: The singles – The Police
16....Nothing Like The Sun - Sting
17.OK Computer – Radiohead
18.Genesis - Genesis
19.Vespertine - Björk
20.Tapestry - Carol King
21.Diva – Annie Lennox
22.Songs Of Faith And Devotion – Depeche Mode
23.Nirvana MTV Unplugged - Nirvana
24.Homogenic - Björk
25.Fragile - Yes
26.Let it Be – The Beatles
27.Wish You Were Here – Pink Floyd
28.The Dream Of The Blue Turtles - Sting
29.Rubber Soul – The Beatles
30.Us – Peter Gabriel
31.Confessions On A Dancefloor - Madonna
32.Boyz For Pele – Tori Amos
33.Erotica - Madonna
34.The Ego Has Landed – Robbie Williams
35.Give My Regards To Broad Street – Paul McCartney
36.The Joshua Tree - U2
37.Synchronicity - The Police
38.When The Pawn... - Fiona Apple
39.Tidal – Fiona Apple
40.No Need To Argue – The Cranberries
41.The Black Album - Metallica
42.Greatest Hits Vol I & II - Queen
43.A Rush Of Blood To The Head – Coldplay
44.Parachutes - Coldplay
45.Adore – Smashing Pumpkins
46.Selling England By The Pound – Genesis
47.To Bring You My Love – PJ Harvey
48.This Fire – Paula Cole
49.Un Greatest Hits de The Carpenters que debo el nombre exacto
50.All Things Must Pass – George Harrison
51.Under The Iron Sea – Keane
52.Melon Collie & The Infinite Sadness – Smashing Pumpkins
53.Sing When You're Winning– Robbie Williams
54.Everybody Else Is Doing It So Why Can't We? - The Cranberries
55.Achtung, Baby - U2
56.Estrelicia MTV Unplugged – Luis Alberto Spinetta
57.Pet Sounds – Beach Boys
58.El Amor Después Del Amor – Fito Páez
59.13 - Blur
60.Escapology – Robbie Williams
61.The Misseducation Of Lauryn Hill – Lauryn Hill
62.The Diary Of Alicia Keys – Alicia Keys
63.And Then There Were Three - Genesis
64.Zooropa - U2
65.Legend – Bob Marley
66.Bocanada - Gustavo Cerati
67.Chaos and Creation In The Backyard – Paul McCartney
68.Nevermind - Nirvana
69.Ten – Pearl Jam
70.Use Your Ilusion – Guns And Roses
71.From The Choirgirl Hotel -Tori Amos
72.Chaco – Illya Kuryaki & The Valderramas
73.From The Globe Sessions - Sheryl Crow
74.Canción Animal – Soda Stereo
75.Desintegration – The Cure
76.Versus – Illya Kuryaki & The Valderramas
77.The Velvet Rope – Janet Jackson
78.In the Beginning: The World of Aretha Franklin 1960-1967 – Aretha Franklin
79.Almendra - Almendra
80.Siempre Es Hoy - Gustavo Cerati
81.Dangerously In Love - Beyoncé
82.Get A Grip - Aerosmith
83.Butterfly – Mariah Carey
84.The Marshall Mathers LP - Eminem
85.Come Away With Me – Norah Jones
86.The Bends - Radiohead
87.Songs From The West Coast – Elton John
88.Wish – The Cure
89.Rod Stewart MTV Unplugged... and seated – Rod Stewart ft. Ron Wood
90.Elton John / Madman Across The Water – Elton John
91.B*Day – Beyoncé
92.Future Sex Love Sounds – Justin Timberlake
93.Whoa!, Nelly – Nelly Furtado
94.Justified – Justin Timberlake
95.Only By The Night – Kings Of Leon
96.Violator – Depeche Mode
97.Dynamo – Soda Stereo
98.Appetite For Destruction – Guns & Roses
99.Eye For The Telescope - KT Tunstall
100.The Yes Album - Yes

Bonus Track

Songs In The Key Of Life - Stevie Wonder
In Rainbows - Radiohead
Music For The Masses – Depeche Mode
Travelling Without Moving / Emergency On Planet Earth - Jamiroquai
The Real Thing – Faith No More
Album Of The Year - Faith No More
King For A Day... Fool For a Lifetime - Faith No More
Eyes Open – Snow Patrol
Hot Fuss – The Killers
Goodbye Yellow Brick Road – Elton John
Celebrity Skin - Hole
If We Fall In Love Tonight – Rod Stewart
Every Picture Tells A Story – Rod Stewart
Para Los Árboles – Luis Alberto Spinetta
The Blueprint III - Jay- Z
The Black Album - Jay- Z
The College Dropout – Kanye West
Cuentos Decapitados - Catupecu Machu
Stories From The City, Stories From The Sea - PJ Harvey

One love

2010-07-15T13:17:00.001-07:00

Hoy es día de alegría.
Hoy se han derribado prejuicios que hasta el día de ayer, no se pensaban como prejuicios, sino como lo “natural”. No como una forma de ver y pensar la vida, el amor y la familia; sino una forma ontológica del ser, lo más intocable e incuestionado de nuestra historia como Humanidad: para que haya una familia tiene que haber algo que parezca hombre por su condición fisiológica y algo que parezca mujer por las mismas razones.
A partir del debate instalado con el Proyecto de ley de matrimonio entre personas del mismo sexo de la diputada Vilma Ibarra, muchas personas a quienes la homosexualidad le parecía una elección normal pero que aún así no lograba salir de algunos latiguillos del discurso que encasillan al género como un derivado de una cuestión biológica, comprendieron más allá de estos factores. Pudieron ver que mujer u hombre se hace, no se nace. Y por lo tanto, así también, los roles de madre y padre. Sin necesidad de ponerle la clasificación de masculino o femenino que el diccionario señala en las acepciones de sus palabras. Padre (masc.); madre (fem.). Mujer (fem); varón (masc.). A partir de esta ley podemos decir que se da otro paso hacia la verdadera democracia, el segundo en un año junto a la aprobación de la ley de medios. Esa democracia que no termina en andar diciendo lo que uno opina en cualquier contexto y a como dé lugar, ni en elegir a los dirigentes políticos. Sino la democracia que nos ampara e incluye a todos por igual en una Nación y no hace diferencias ni de status quo, ni de etnia, ni de raza, ni de religión, ni de elección sexual. De todas formas, una ley no es para nada el fin de la lucha. Quedó bien en claro que con la manifestación del 13 de julio de los sectores contra la igualdad y los derechos humanos - la Institución de la Iglesia Cristiana y los Evangélicos - que la lucha contra la discriminación y los valores retrógrados de los cuales se alimenta, es mucho más compleja y de largo plazo.
Cuando esos sectores se refieren a la familia como la institución primera y más elemental, en realidad se están refiriendo la familia que ellos consideran válida. Esa familia que es tanto una elección como elegir a una persona del mismo sexo para amar. Sobre todo, porque amar a alguien no es tanto una elección, sino una develación y una revelación que se sigue por una definición. Esa familia conformada por personas heterosexuales no garantiza ser una familia de amor, sino que ha probado que no queda excenta de ninguna de las perversiones en la que la homosexualidad no está incluida: maltrato psicológico, físico, violación, abusos o torturas.
Desde ya que ahora no puede dejarse de considerar poner en agenda el debate por la despenalización del aborto y así comenzar a posicionar a nuestros cuerpos propiamentedichos como seres sociales dentro de un Estado nacional y democrático.
Permítanme hablar en primera persona: Varias veces me he pronunciado contra el matrimonio porque lo consideraba exactamente lo que era hasta ahora: la consolidación y perpetuación de los valores más conservadores de aquéllos que defendieron la Inquisición, la Dictadura, el abuso de niños y justificaron enfermedades en las personas más necesitadas (las minorías que a veces no son tan minoría). Hoy puedo sentir que el matrimonio es la aceptación del Estado dentro de su casa, como Dios recibe a sus adeptos bajo sus condiciones matrimoniales. Hoy todos pueden contar con todos, porque este Estado se está haciendo cada vez más democrático.

El encuentro

2010-05-27T18:42:00.000-07:00

El lenguaje es el hecho cultural por excelencia. Nuestros cuerpos se transforman en seres culturales en el mismo instante en que entramos a la red simbólica que envuelve nuestro mundo y, por ende nuestras vidas. Es imposible no pensar la cosas desde lo racional, desde una lógica, por lo menos en nuestra cada vez más obtusa cultura occidental.
Hay cientos de ejemplos que siguen esta explicación, pero el más claro es el de las preguntas. Ante algo que nos genera duda, incertidumbre o incomodidad generamos la interrogación, y “obviamente”, esperamos la respuesta. Exigimos una respuesta. Si no se nos es dada somos capaces de reclamar de infinitas formas, desde las más pasivas a las más violentas. Reclamamos nuestra interpelación. La pregunta sin ser respondida nos deja como espacios vacíos en este mundo, sin ser oídos, como si no valiésemos nada.

Jack y Kate, la pareja central de la serie.

A qué viene esta profunda reflexión. El final de Lost, como esperábamos (por lo menos los que quedamos contentos con este último episodio), dio lugar a la polémica. ¿Y por qué pasó esto? Luego de la introducción es predecible la respuesta. El cierre de la serie que más cambios generó en las formas de ver programas de televisión no contesta casi ninguna de las incógnitas que se fueron desarrollando a lo largo de las seis temporadas. Más que pensar sobre qué preguntas y qué respuestas (no) fueron dadas, habría qué pensar qué es lo que los autores quisieron crear y brindarle a un público que fue poniéndose cada vez más exigente cuando la serie empezó a perder un poco el rumbo después de sus excelentísimas primeras tres temporadas.
El último capítulo es un gran después, o en realidad, toda esa “realidad paralela” de la sexta temporada fue un gran después. El después de la vida. Lo que pasó con todos ellos después de muertos. Nunca sabremos qué fue de sus vidas luego de dejar la isla (la “realidad real”que se fue presentando en esta última temporada). Para los autores eso no importaba, ya que Lost fue una gran danza alrededor de la vida de su héroe: Jack Shephard, un hombre común con un gran espíritu de líder que estaba empecinado en que todo tiene una explicación y una solución, que él podía y DEBÍA arreglarlo todo. La isla logra cambiarle la vida. Tal vez todo lo que vimos fue una metáfora de su vida y él se imaginó la isla como una forma de poder salir de su gran depresión que tantas veces pasó a visitarlo en el transcurrir de las temporadas. Un héroe pero plagado de penas y sin glorias.
No vamos a olvidar a ninguno de estos grandes personajes, el genial Desmond, a la histérica y conflictuada Kate, al enigmático Locke, al tierno Charlie, Claire, Vincent (el perro que despierta a Jack en el primer episodio y que lo acompaña durante su agonía en el episodio final), la valiente Juliet, el seductor Sawyer o James, Sun, Jim, Hurlie y claro, Ben. Y la lista sigue, sigue y sigue. Lamentablemente la serie terminó, aunque nos duele ahora porque deja un vacío, el mayor vacío que puede dejársele a los seres humanos: la duda.

El primerísimo plano del ojo de Jack Shephard marcaba el principio y el fin de la serie de culto más masiva de la historia.

Personaje

2010-04-21T15:55:00.000-07:00

So You Think You Can Dance, a pesar de la lógica de los reality shows, es un gran programa. A diferencia de su hermano American Idol, esta competencia de baile en busca del bailarín preferido por los yanquis (dicho con el acento británico de su super carismática y sencilla conductora, Cat Deeley “America's Favourite Dancer” suena mucho mejor) no aburre nunca. En American Idol, por más amor que se le tenga a los concursantes y a la música, en algún momento interpretan algo aburrido, algo lineal, sin sentimiento. No me pregunten por qué pero en SYTYCD, ésto no pasa nunca. Será que, aunque la voz sea parte del cuerpo, el despliegue en escena del baile y el hecho de que sea lenguaje sin sonido nos seduce más. O no sé.
El show parte de las audiciones por varias ciudades de Estados Unidos (en el caso de la versión original) que va haciendo la producción del programa de la mano del co-productor de American Idol, bailarín y coreógrafo británico Nigel Lythgoe. La primera etapa se basa en un solo del concursante (o de las parejas si es que son un dúo o pareja de bailes de salón). Si es evidente la capacidad de interpretación y técnica, pasa directamente a la segunda etapa en Las Vegas en donde realizará frente a los jueces tres estilos de baile distintos coreografeados por alguno de los grandes coreógrafos que trabajan para este programa (léase Wade Robson, Mia Michaels, Sonia Tayeh, Tyce Diorio). Los que pasan esa etapa, serán seleccionados para formar el top 20 que competirá en vivo durante 20 episodios aproximandamente por el premio mayor. Si en la primera etapa, el solo es bueno pero quedan dudas de algún aspecto de la performance (ya sea estilo, técnica o interpretación acotada), pasan a hacer una coreografía cortita por la que pueden seguir hacia la 2ª etapa en las Vegas. Si no pasan la primera etapa, taza, taza.
Explicado esto, recomiendo altamente ver el show por lo que se puede aprender sobre baile, por la pasión de sus competirdores, pero sobre todo de los coreógrafos y de los jueces (grandes productores, coreógrafos o bailarines). Y aquí me freno, todos son queribles, pero hay un personaje en especial que se roba el show. Mary Murphy es quien aompaña a Lythgoe en todas las etapas. Es jueza permanente con Nigel, mientras los demás van turnándose. Mary es una balarina profesional y coreógrafa del mundo del ball room. Ese es el nombre que agrupa a todos los estilos que nosotros denominados bailes de salón: cha cha, samba, rumba, salsa, tango, foxtrot, paso doble, jive, vals; etc. Mary llena de gritos, carisma, emociones, sensaciones y apoyo incondicional a quienes ella cree que pueden hacerlo. Se emociona hasta las lágrimas sin contenerse y hasta grita (como todo el tiempo durante todos los episodios) a los cuatro vientos que se retocó con botox con una espontaneidad única, a tal punto que ni bien termina de decir la frase no sabe en dónde meterse.
Cada vez que una rutina la deja atónita, los alaridos que pega directamente en la oreja de Nigel ponen una sonrisa en la cara de cualquiera, no se sonroja en coquetear con ninguno de los concursantes, es un personaje en sí mismo.
Así que aquí los dejo con las reacciones de este ser completamente espontáneo en un mundo tan plástico, al que hasta ella misma reconoce pertenecer. Eso sí, te lo dice en la cara.

Vean toda esta samba que valió uno de los gritos más sacados de todas las temporadas de parte de Mary. Véanlo entero (click aquí)

Por esta declaración la amaré de por vida (click aquí)

Ser voz y cuerpo

2010-02-15T06:31:00.000-08:00

La fuerza, la elegancia, la energía, el carisma y el talento no podían encontrar cuerpo más hermoso para depositarse que el de Beyoncé Giselle Knowles. El pasado 12 de febrero deslumbró con su show en el hipódromo de San Isidro. Cumplió con todos sus hits, encantó con su voz impecable mientras se movía con el impulso de sus seiscientos caballos de fuerza. La misma hipnosis que genera mirarla, se da al escucharla, porque la voz es parte del cuerpo.
Una diosa, pero humana, real, creíble. No necesitó de mucho despliegue en su show más que coreografías a tono con cada canción, un séquito de bailarines que la siguen, una banda íntegramente compuesta por mujeres que potencian su encanto arriba del escenario (y abajo porque en varias ocasiones bajó del escenario para acercarse a la gente) y ser Beyoncé. Eso es lo que toma.

Master, pasate "one" de Metallica

2010-01-21T18:03:00.001-08:00

En 1939, Dalton Trumbo, escribía la novela antibelicista “Johnny Got His Gun”. Él mismo se encargó de la transposición cinematográfica del año 1971. Johnny fue a la guerra explica la historia real de Joe Bonham, un soldado de la Primera Guerra Mundial horriblemente mutilado en el frente. Joe está vivo, pero es sólo un torso sin rostro. En una serie de flashbacks, el autor nos obliga a comparar la vitalidad de una vida normal y corriente con el horror de la guerra y la muerte en vida del protagonista. Allí se plantea la cuestión del cuerpo envase, o más precisamente, aplicado a este caso, el cuerpo como una prisión, como una traba que sentencia a vivir a un alma, a un ser que deambula, agonizando por su desesperación en ese tormento corporal, o sea, en Joe. La dualidad cuerpo/mente es muy bien planteada por esta historia. ¿Joe vive si no puede oír, caminar, abrazar, ver, hablar? ¿Está vivo Joe? ¿Es una realidad?
Estas preguntas son retomadas por el tema One de una de las más grandes bandas del heavy metal de la historia, Metallica. "One" es la cuarta canción y segundo sencillo del álbum ...And Justice For All del año 1988. Para ese entonces, la banda contaba con el que fue su bajista durante 11 años, Jason Newsted, luego de la trágica muerte del anterior, Cliff Burton.
La canción es perfecta desde su excelente composición musical, como en la letra, que recorre el relato interno que va haciendo este personaje sobre su irrversible situación. James Hetfield y Lars Ulrich compusieron el tema haciendo hincapié en la idea de que el protagonista no puede detectar si es un sueño o no. Con el pasar de su relato, en el que le ruega a Dios que lo despierte, termina por pedir que lo maten para acabar con su agonía.
El nombre del tema se refiere a una de las frases de la canción: Now the world is gone i'm just one (en castellano, Ahora el mundo ha desaparecido, sólo soy uno). Ahí se puede pensar en la relación con el mundo como lo que define al ser humano. El ser sólo uno, lo desespera. Su cuerpo es su infierno, porque allí sólo es él. Se siente hasta desaparecer y disolverse en la oscuridad:
Darkness imprisoning me (Oscuridad que me aprisiona)
All that i see (todo lo que veo)
Absolute horror (horror absoluto)
I cannot live (no puedo vivir)
I cannot die (ni morir)
Trapped in myself (atrapado en mí)
Body my holding cell (Cuerpo, mi celda).
Sin dudas una de las mejores creaciones, no sólo de la banda o del Metal, sino de la música y de la prosa. Con excelentes arreglos y uno de los solos de guitarra más veloces de la historia de la mano de Kirk Hamett.
Les ruego que se tomen unos minutos para ver esta obra de arte. Los dejo con el video que resume todo lo aquí analizado y de paso escuchan este temazo. Presten atención a la letra y a los diálogos de la película.

One - Metallica (1988)

Cuerpos de alguien

2010-01-07T18:34:00.000-08:00

Pocas cosas son más importantes para el Capitalismo que la reproducción de los cuerpos. No sólo “metafóricamente” hablando (por ejemplo, generar estereotipos para propiciar el consumismo) sino la reproducción literal, que haya niños, niñas y niñxs por doquier, garantizando la reproducción de la fuerza de trabajo.
Podemos pensar que, o los adolescentes son los mejores discípulos de esta premisa capitalista, o simplemente su ignorancia es lo mejor que le pudo haber pasado a nuestro tan gastado, pero cada vez más fuerte, sistemita... Un estudio reciente indica que el 80% de los chic@s en su iniciación sexual no usa métodos de anticoncepción, y menos el preservativo, el más seguro por evitar el contagio de cualquier honguito hasta las enfermedades más graves de transmisión sexual.
La ley de educación sexual fue sancionada en 2006 y aunque hubo grandes avances en la dicción de estas clases, no es suficiente aparentemente para llegar a los jóvenes (y no tan jóvenes) que aún parecieran no conocer los riesgos físicos (de – la mal definida- salud física, tomando lo físico de la mano de lo psíquico porque el marco teórico que seguimos los reconoce como un todo). Todo lo que marca nuestro cuerpo, está marcando en ese mismo acto, nuestra mente, pues son uno.
Volviendo a la teoría de que el capitalismo es el sistema más fuerte de todos ya que sus crisis lo reformulan y parece nunca acabar, creo que tal vez, esta crisis social de instrucción sexual es la mejor forma del capitalismo para mantener marginados y excluidos a los jóvenes de su (verdadera) autonomía (la corporal). El mantener esta política de la no educación sexual pareciera ser funcional a ir imponiéndoles a los adolescentes (que devendrán en adultos) el sexo con la única finalidad de la eterna reproducción de la fuerza de trabajo y no un lugar de goce, disfrute y conocimiento del y con el otro sin tener esa consecuencia.
Claro, la Iglesia, firme, todas las religiones que castigan el acto social del sexo como una forma de compartir el cuerpo, o de disfrutarse a uno mismo. Porque en este sistema en donde el individualismo y el sálvese-quien-pueda rige, los conservadores reaccionarios, siguen repudiando la masturbación. De últimas, parece que todo lo que sea venerar al cuerpo de forma autónoma, está mal. La moral se mete allí en donde no tendría que haber discernimiento de si es correcto o no, porque el cuerpo es lo único que puede ser de nuestra propiedad. Y eso es algo muy difícil de concebir ya que la cultura en la que vivimos, se esfuerza día a día para controlar nuestros cuerpos, adoctrinarlos, disciplinarlos y desposeernos de ellos. Del otro lado, a cambio de apropiarse de nuestros cuerpos (las contradicciones y sobredeterminaciones de las que Louise Althusser habla) nos “vende” como nuestros, los objetos, lo sin vida, lo inanimado.
Tal vez, la educación sexual para este sistema, sea el no educarnos. El mantener la idea de que lo sexual es algo privado y sólo de hombres y mujeres para reproducirse. Lo sexual (lejos de ser sólo el coito), es lo más político que puede haber, es en donde el poder subyace y en donde los géneros se substraen. Es lo indecible, lo irrepresentable, como la muerte misma, según Freud.
La despenalización del aborto y la ley de educación sexual son enormes monstruos para las esferas conservadoras y los monaguillos de este sistema. Si se avanza con la ley de educación sexual, las mujeres se evitarían el mínimo acto de pensar en un aborto y la estigmatización que practicárselo supone. Porque aunque estén en contra en primera instancias, cuando el hecho se consuma, a todas se les cruza por la cabeza. Tal vez en esa milésima de segundo, aún somos nuestro propio cuerpo.

Recuento

2009-12-15T18:03:00.000-08:00

Fin de año. La gran mayoría de los argentinos estamos agotados. No sé si es sugestión de que ya se termina el 2009 y empezamos a aflojar o realmente la nafta se termina durante los primeros días de diciembre. Porque en definitiva, ¿cómo se entera nuestro cuerpo de que se termina el año? Qué diferencia hay para nosotros si es marzo o septiembre. Puede ser el hecho de irse de vacaciones, ese corte que a algunos tan bien nos viene, y sin embargo otros lo saltean. Año durísimo a nivel económico, político y social. Con muchas movilizaciones que fueron primas de la movilización política que supuso el año pasado el conflicto entre el grupo “dueño del campo” (como me gusta llamarlo) y el gobierno y todos aquello que consideramos injusta la distribución de la riqueza en la Argentina. Aliados o no del gobierno o de la forma en que se sucedieron los hechos, muchos de nosotros sabemos que era un primer paso para desestructurar una de las bases más solidas de acumulación injusta de capital (aunque considero que siempre que hablamos de acumulación de Kapital es injusto).
Entonces en dónde nos encontramos: a dos años de la asunción de los gobiernos de Cristina Fernández de Kirchner en la Nación y de Mauricio Macri en la ciudad. Esta vez, no quiero hablar de hechos porque para eso hay muy buenos programas que se encargan de desplegar el arsenal crónico y sintético de qué fue sucediendo estos dos años. Quiero hablar de las sensaciones que me han dejado. Quiero hablar en primera persona.
Empecemos por el gobierno de la ciudad. El gobierno de Mauricio Macri se ha caracterizado desde el primer día por tratar de mostrar que hace. Recuerdo cuando salió con lo de Haciendo Buenos Aires y su gran H. Lo primerísimo que pensé es: "la h siempre está, pero es muda". y es exactamente lo que la gestión de Macri hace: mostrarse pero no lograr nada más que destruir calles. En la ciudad de Buenos Aires (tal vez en todas la grandes ciudades) esto es muy fácil: obra pública visible, hacer ruido. Mucho ruido.... y claro, en este caso, pocas nueces. Seguramente haya algún programa del Gobierno de la Ciudad que algo bueno haga, pero no es un plan Universal ni que se implemente a largo plazo, fuera de este Gobierno como podría haber sido la ley de casamiento entre personas del mismo sexo. Ese mínimo gran paso que podría haber dado, no lo dio y que yo me haya enterado, la Ciudad no votó ninguna ley realmente progresista en todo el Gobierno de Mauricio Macri, cuyo partido tiene la mayoría en la legislatura porteña. Discúlpenme, pero no logro comprender como un Jefe de Gobierno puede ser tan ignorante y falto de sentido político y jurídico como Mauricio Macri, quien defiende a un represor como el “Fino” Palacios porque a él le parece que es inocente cuando ya fue juzgado. Y no sigamos nombrando a quienes designa como autoridades. Desde ya que todos los programas sociales de la Ciudad han sido clausurados o recortados sus presupuestos a la nada.
En Nación hay muchísimas cosas que no comparto, sobre todo el aparato PJ y las formas de hacer política que aún me hacen recordar a modus operandi mafiosos. A veces me da la sensación de que si tuviese alguien con un grado de conciencia de lo que realmente viven los argentinos en sus distintas clases sociales, o la Presidenta misma bajara un poco podría tomar pequeñas decisiones que levantaría mucho su popularidad, sobre todo en la clase media gata florense. A pesar de eso, es la primera vez que veo que un Gobierno lanza planes Universales que superan a su gestión con muchísimo ímpetu y convicción. Si despenalizaran el aborto creo que realmente me comprarían. Siento que es la primera vez que un gobierno está gestionando para el pueblo. Con miles de fallas y críticas que se les puede hacer, pero el eje del gobierno es el pueblo, y eso, en este momento, es mucho más positivo que cualquier acción negativa que ha hecho este mismo.

Soy muy crítica del gobierno de Cristina Fernández, y no lo creo para nada referente de lo que yo aspiro a admirar. Me inspira admiración como oradora y como gobernante en algunas cuestiones, pero no comparto todo como lo hago con, por ejemplo Martín Sabbatela, pero viendo quiénes son los opositores, prefiero hacerlo del lado que aquí planteo. Con distancia pero sin denostarlo, porque ya es un hecho que la democracia representativa representa no a la mayoría, sino a los sectores de mayor poder dejando afuera a lo que realmente es mayoría y desde ya a los grupos minoritarios, que no son tan menores, pero que es mejor catalogarlos como tales para que no llamen la atención. Quiero un gobierno que vele por las mujeres, los chicos, los animales y la naturaleza, los homosexuales, los bisexuales, el género trans, los más marginados y que logre articular a todos aquellos que se consideran “derechos y normales” con esa realidad. Ese para mí va a ser el mejor gobierno.

Ella es la de otro planeta

2009-11-19T11:15:00.001-08:00

Creo que no hay mujer más completa en el mundo del espectáculo que Beyoncé. No sólo es la mejor voz que hay hoy por hoy (hablando específicamente del sector de la industria más comercial), sino que nadie la supera en el escenario bailando, moviéndose, revolcándose y todo pegando en unas notas imposibles de impostar para cualquier otra persona que no sea Beyoncé Knowles.
Con su grupo Destiny's Child, luego de varias formaciones conflictivas, logró posicionarse como la líder, productora y compositora de la banda por lejos, superando a la simpática Kelly Rowland con una muy buena voz y a su prima Michelle Williams que en realidad no tenía una gran voz pero tenía el registro necesario para completar la armonía vocal. En el caso de Rowland, si Beyoncé no existiese, todos diríamos: "cómo canta esta negra. Como casi todos los negros" (salvemos comentarios biologisistas). Pero Beyoncé es decididamente de otro planeta. Más allá de que se nutre de Tina Turner y de Madonna a la hora de montar sus shows, ninguna de las dos divas más supremas de la historia de la música pueden realmente, refiriéndonos a la performance equiparar a las capacidades de esta muchacha de 29 años. Será porque desde los 10 años su padre la hacía correr y cantar I Will Survive al mismo tiempo, será porque no es humana. No estoy diciendo que supere a Madonna o a la Diva Tina en términos de ser las reinas más influyentes y marcadoras de tendencias de todos los tiempos. Imposible, pero sí es claro que lo que hace Beyoncé con su cuerpo (la voz también es cuerpo) pocas veces pudo estar tan bien sincronizado y fundamentado.
Sus tres discos, sobre todo el primero, pueden considerarse muy buenas producciones del mundo pop/R&B. Tanto Dangerously In Love (2002) y B* Day (2004) se llenan de ritmos clásicos del Motown y del hip hop, mientras I Am... Sasha Fierce (2008) apunta un poco más a un sonido hip hop/pop y algo de reggaeton.
Pero más allá de halagar a esta belleza única, dotada de un cuerpo con 56000 caballos de fuerza, una cara preciosa (más allá de haber cambiado apenitas sus rasgos afroamericanos por la operación de nariz), lo que más se puede rescatar de Beyoncé, es que es puro cuerpo. Beyoncé no puede aparecer en escena sin ser un cuerpo vivo y eso lo hace llegar a sus espectadores en todos los sentidos.
Acá les adjunto la mejor evidencia: cuando generalmente el "rock star que se tira a la multitud" es un rol que se adjudica a los hombres, en este caso, el camión más hermoso de la historia, con una malla diminuta y durante la presentación de Halo, con mucha energía y espiritualidad (recomiendo escucharlo entero) se lanza a su audiencia sin importarle que le toquen sus partes de mujer ni le rompen su malla sexy. Beyoncé se la banca. Como dice ella en su tema Ego: I walk like this 'cause I can back it up. I talk like this 'cause I can back it up (Camino así porque me la banco, hablo así porque me la banco)
ENJOY!

Beyoncé se lanza al público mientras presenta la potente Halo.

Nota: si les gusta esto, recomiendo buscar videos en vivo de Beyoncé o ver el genial Single ladies.

Movimientos de Octubre

2009-10-28T13:26:00.001-07:00

Tal vez fue el destino, las fluctuaciones del universo, un hechizo de alguna bruja, una asquerosa pero bienvenida casualidad (imposible). La cosa es que en octubre de este año, vi a una de mis bandas preferidas en el mundo, Depeche Mode, se confirmó la visita de Coldplay, se casaron dos amigos míos que son un factor muy importante en mi grupo, tuve la oportunidad de reencontrarme con personas muy especiales, se votó la ley de medios audiovisuales y de su mano, llegó el fin de mi carrera.
La carrera de Ciencias de la Comunicación en la UBA ha dejado en mí varias cuestiones: no sólo la experiencia de una carrera en una universidad pública que ya no es poco. Recuerdo que en la secundaria me decían que siempre estaba en contra de la corriente, me lo marcaban como que yo simplemente no quería ir con la masa y me oponía porque sí. Por el simple hecho de ser distinta. Gracias a mi carrera y años de psicoanálisis me di cuenta de que está en mi ideología todo eso. Mi ideología en muchos aspectos no es la de “todo el mundo” porque me crié en una familia que me permitió por su bagaje cultural-popular-intelectual cuestionar algunas cuestiones dadas por hechas y a los que “todo el mundo” (digamos víctimas del discurso hegemónico) acata por lo general. Por eso tal vez cuando ingresé al CBC no me costó tanto la lectura de Karl Marx o Max Weber. No por ser más inteligente que otros, sino que en mis valores (inculcados en mí por mi historia e impregnados inconcientemente) estaba ya de antes el cuestionar las frases hechas, las formas del decir, el entender que todo tiene un sentido enmarcado en un sistema lingüístico, por ende material, por ende de producción ya sea económica o simbólica.
No voy a mentir. Como casi todos los estudiantes de este mezcla de disciplinas (por eso se llama ciencias de la comunicaciónm y no comunicación social, porque abarca la problemática desde una persperctiva trandisciplinaria para comprender los sentidos de las significaciones) entré pensando que iba a ser algo así como una periodista. Sabía que no era como TEA pero apuntaba a eso con algo más. Ya con el primer cuatrimestre de la genial materia de Alicia Entel, Comunicación I, me di cuenta de que la Escuela de Frankfurt me iba a aportar lo necesario para tener una visión crítica tan fuerte que el periodismo tal vez nunca podría contemplar. Así se sumaron materias como Corrientes de Pensamiento Contemporáneo del genial Nicolás Casullo, Historia de los Medios de Rivera y taller III, en donde se conjugaban periodismo escrito con radial. Fue un profesor tucumano, periodista, Felipe Yapur el que me hizo ver que la política y el periodismo tienen mucho que ver pero no por el mero hecho de que la política es una noticia. Él fue quien me hizo interesarme en la política como una herramienta estratégica y un campo de lucha por el sentido. Luego comunicación II de mi amada “Tía” Stella Martini me traería en profundidad el pensamiento de mi ídolo Antonio Gramsci y bueno, la política entró a mi mundo cultural sin pedir mucho permiso.
Políticas y Planificación de Guillermo Mastrini fue la materia con la que pude verificar para qué sirven los medios y como no son utilizados en este sistema injusto y no democrático en el que vivimos y cuánto se puede hacer por ello. Los tres seminarios (cultura popular, informática y sociedad, en realidad algo así como filosofía de la técnica y biopolítica, y diseño gráfico,traducido en fenomenología) me sacaron todas las dudas. Esta carrera era para mí. Me abría a un mundo de filosofía apuntando a lo social que jamás creí que iba a descubrir. Gracias a la biopolítica de Michel Foucualt y a la antropología filosófica social de David LeBreton pude pensar lo que hoy es tema de mi tesina. Pablo Alabarces con sus estudios sobre las culturas populares me ayudó a desenmascarar el caretaje con el que los medios y muchas clases sociales y políticas se comienzan a instalar como representantes plenos de una sociedad.
Comunicación III de Sergio Caletti imprimió los últimos conocimientos más críticos que pude haber encontrado en esta carrera: que en esta sociedad el “yo pienso” no existe. Somos pensados constantementes por discursos hegemónicos que se meten en lo más inconciente de nuestros seres y que son casi imposibles de detectar si no nos oponemos a la idea de que nuestra ideología es buena y la forjamos nosotros mismos. Por algo tuvo que recurrir a Sigmund reud y Jaques Lacan para introducirnos en esta temática y muchos estudios del sistema simbólico desde el psicoanálisis. La ideología nos convoca desde un lugar, el dominante. Costantemente y no podemos salir de ello fácilmente,menos si se está en un sistema opresor de los significados y, sobre todo, de los significantes. Donde controlar las palabras es controlar el poder y el poder se va negociando, trnaformándose constantemente, consensuándose como dice Gramsci.
Por último María Alicia Gutirérrez me dio conocimientos sobre estudios de subalternidad y feminismo que decididamente me alejaron del pensamiento hegemónico sobre la sexualidad, la conformación de la familia y las clasificaciones de género.
Con todo ese bagaje termino la carrera. Más allá de la pregunta obvia de todos de “para qué te sirve esa carrera”, aprendí mucho de mi ser cursándola. Amo lo que aprendí con todas las críticas que se le pueda hacer al plan de estudios. Todos esos conocimientos teóricos me hicieron conocer más la verdadera persona que hay en mí y cómo llegué a tener estos valores y condiciones ante las situaciones.
Entre las personas especiales tengo a mis amadas amigas Eiffy, Lucrecia y Vicky y mi amigo Luis. Entre los eternos quedó mi amigo Sendra, en los pasillos de Comu de acá a la victoria. Profesores, muchos, en el podio supongo que Marianito de Semiótica, Gustavo Varela de Diseño e Informática, Marita Soto y se me complica. Agradezco la posibilidad que me dio de acercarme a genios como Caletti, Casullo, Uranga, Entel, Savransky, Alabarces a pesar de su soberbia, Fernández, Mastrini, Aliverti y la lista sigue.
Así me despido de esta cursada. Ahora vendrá mi tesis. Va a ser mía pero por todo lo que aprendí en esa maravillosa Universidad que es la UBA, una experiencia única y como dice Sergio Caletti: “El milagro de la UBA”. Aunque no tan milagro porque se sigue mateniendo como la Universidad más prestigiosa del país por sus profesores, sus alumnos/militantes (lamentablemente hay una barra de oposición en eso) y las ansias por aprender más como se debe, gratuita y libremente.

Alegría

2009-10-16T15:26:00.000-07:00

Años de espera. Avances mínimos. Retrocesos más grandes.
La discusión en torno a la ley de medios audiovisuales que finalmente ha sido sancionada, tiene que ser un gran aprendizaje para todos de todo lo que abarca la cuestión de la comunicación. Ya sea de forma masiva o no masiva comunicar no es sólo informar, sino generar espacios de flujo de ideologías. No sólo de opinión, porque la opinión se la lleva el viento. La ideología queda, y ese era el miedo de los que se oponían a este proyecto. Que la ideología popular, nacional, pensante, la que cuestiona y no se arrodilla ante los hechos sin resignificarlos, pudiese tener un espacio en donde circular y regenerarse.
Los medios masivos en muchos países, no son todos los medios que están en la tele o en la radio, o en la prensa gráfica, los medios masivos son los que deciden qué aprte de la opinión pública (esa horrible categoría homogeneizadora de la opinión) debe ser representada como la correcta ideología.
Todo el proceso que terminó con la sanción de esta nueva ley que pone fin a la reglamentación de radiodifusión heredada de la dictadura, no hace más que desnudar una vez más las mezquindades, chicanas y maniqueismos de la oposición, las grandes (y no tan grandes) empresas periodísticas y todo un séquito de empleados del establishment, a quienes no hace falta nombrar.
Hace dos años que el COMFER dirigido por el hombre del momento, Gabriel Mariotto, había abierto foros de discusión libres sobre esta normativa. Es sabido que los congolomerados mediáticos se negaron a asistir mientras que distintas organizaciones no gubernamentales, sociales, universidades y/o particulares sí lo hicieron. Muchos lo hicieron. La ley de Medios Audiovisuales, es el producto de años de elaboración de muchos sectores y no de este Gobierno, que como todos los gobiernos terminará en algún momento. Uno de los asuntos pendientes más claros de esta suerte de democracia en la que vivimos, es sin duda, instalar en el imaginario social colectivo la noción de políticas de Estado. Claro que esa forma de concebir las intervenciones del Estado, no es azarosa, ni mucho menos no intencionada. Es el producto de las condiciones neoliberals que reinaron el sistema político, económico y social de este y otros países durante décadas. Es pertinente que se deje de concebir todo acto de los gobiernos como una mera actividad partidaria quasi mafiosa. Pero no todo elmundo tiene el lugar y las herramientas para poder salir de esa idea tan instalada, asentada especialmente desde el menemismo. Por eso, los medios pueden ser un excelente campo en donde abrir la vista y empezar a cambiar varias de las concepciones e ideas fuerza arraigadas en la mentalidad de los argentinos.
En este contexto, los medios monopólicos, hegemónicos y a fines al establishment se colocan estratégicamnente en un rol reducido en relación al que realmente ejercen: se dicen “meros trasmisores de mensajes”, subestimando así a los lectores, espectadores, que son interlocutores y no simples destinatarios que reciben el mensaje con una única opición de decodificación. Otra estrategia es comparar los movimientos progresistas que se están dando en América Latina, en mayor o menor medida, con Stalin, Mao, Castro, en tono de amenaza comunista. Cuando los que le tienen miedo al comunismo no somos todos, y cuando sabemos que un país como la Argentina, o el 90% de los países ya no pueden tener mucho que ver con aquel sistema.
Tan típico de las derecha es mirar los procesos sólo por sus consecuencias, quedarse en críticas banales sin fundamento sólo por el hecho de no dar cuenta de las condiciones de producción de su discurso. Y ese discurso empieza a fluir por el entramado social con más y más ligereza ya que las voces minoritarias no pueden transformarse en opinión pública, porque no tienen dónde, porque no saben cómo pelear contra la anulación, la marginación, la exclusión de un sistema que aunque pueda tener sus facetas no tan crueles como un Estado benefactor que integra a todas las clases, se encarga de que siempre haya excluidos y marginados. En todos los aspectos, en todos los cuerpos.
Por eso esta ley es tan importante. Pero es sólo un puntapié. No está solucionada la falta de participación e igenerencia que tien la comunidad en los temas de gobierno o en la agenda pública.
El link de una nota Editorial de La Nación que aquí les adjunto (click) expresa exactamente el sentido común mediocre que ha generado el sistema capitalista en donde se habla de “Intervencionismo en exceso del Estado. Violación de recaudos elementales para las garantías de la libertad de expresión. Ruptura de la seguridad jurídica. Desconocimiento del derecho de propiedad. Presiones indebidas sobre legisladores. Promesas de nuevos espacios políticos para aquellos que concluyen su mandato. Voluntad de manejar arbitrariamente los medios masivos de comunicación y sus contenidos” . Alo que muchos responden: tiene razón, eso mismo pienso yo. No señores. Eso mismo quiso ese discurso que todos pensemos,así poder seguir excluyendo a los que realmente pensaron en un sistema que haga que la voz y los pensamientos de todos, valgan por igual.

Para ver informe de TVR hacer click aquí
PD: Es imperdible la nota de La Nación. Les pego el comentario que dejé en su página. A ver cuánto dura. Le digo al editor que la ley de medios no dice en ninguno de sus artículos que los medios deben ser de control gubernamental. Esta ley nunca fue pensada para que “detrás del material que se pone en pantalla asoma el propósito de divulgar concepciones ideológicas o políticas que se corresponden con el interés específico del gobierno de turno o de sus actores.” No pueden ser tan mediocremente patéticos.Y en cuanto al alboroto por el retraso del partido de Argentina en el canal 7, quiero recordarle que hace más de tres años es casi imposible ver programas de televisión en hora ya que los canales privados no hacen más que superoponer y posponer programas debajo de las leyes del rating. Recuerde señor editor, que TVR debería empezar a las 23 y cada vez, comienzo más tarde…

Lo obvio

2009-09-10T20:01:00.000-07:00

Hay un ejercicio que todos deberíamos hacer de vez en cuando: ponerse en un lugar de extrañamiento ante los hechos consumados. Aunque sea con cosas muy chiquitas de todos los días, como el despertarnos al ritmo de una alarma del despertador, saltar de la cama (algunos con más facilidad que otros), lavarnos los dientes, hacer un pis, ir a trabajar, hacer chistes de oficinas, obedecer órdenes, esperar a fin de mes para cobrar un sueldo. También podríamos cuestionarnos la institucionalidad de la unión de dos personas en eso llamado familia nuclear: un hombre + una mujer + hijos. Algo más complejo y polémico sería cuestionarnos por qué cada vez que uno encuentra algo que no le “pertenece” pregunta: ¿de quién es esto? Como si fuese algo tan natural y obvio. Algo le pertenece a alguien, ¿por qué? Porque lo pagó; porque lo fabricó; porque se lo dieron: es obvio, qué pregunta más retórica, no? Si lo pagó, si se lo entregaron y le dijeron: “te pertenece” de quién va a ser (releamos ese concepto, ser de alguien). Y entonces el ser humano derivó esa imagen a miles de situaciones en su vida, como en la amistad, en la pareja. Mientras que en un país como Cuba, es muy complicado para los habitantes de allí comprender el concepto de robo. No porque no suceda, síno que les cuesta entender el nivel de paranoia de alguien alrededor del miedo por “ser robados”, porque nos “quiten algo que nos pertenece”. Según Jaques Rousseau la sociedad vivía en estado de paz hasta que un día, a alguien se le ocurrió decir: esto es mío.
Creo que se va entendiendo el punto. Ese ejercicio de cuestionar, no oponerse por pura oposición, sino por lo menos llegar al momento de hacerse la pregunta filosófica, puede suponer grandes despertares, y no por el mandato del tiempo del capital. Sin embargo es muy difícil, porque no todo el mundo puede comprender por motus propio que todo lo que vivimos y pensamos está inmerso en una red de significaciones y discursos sociales que se anclan en una cultura relacionada a un bloque hegemónico, un comportamiento dominante que supuestamente, todos deberíamos seguir y acatar porque sí, porque es obvio. Lo que nos olvidamos es que “alguien” lo hizo obvio y ese alguien tiene mucho poder, mucho.
Hoy por hoy, en donde más evidente se hace esa necesidad de desnaturalizar lo naturalizado, lo obvio, lo que casi ni nos damos cuenta de que realizamos a partir de una práctica adquirida, aprendida y aprehendida, es en el tratamiento que los medios le dan a la información. Y con medios, sabemos a qué nos referimos: medios masivos de información. Mejor dicho de desinformación. Sobretodo, a partir de la posibilidad de renovar una ley casi oligárquica y fundada en los intereses de una dictadura genocida.
Esto es muy interesante. No sólo hay que preguntarse varias cuestiones de las que tal vez nadie se haya percatado, porque, de nuevo, es tan obvio; sino que hay algunos temas más de fondo que sí vale la pena discutir con gente más formada en la materia.
Un ejemplo es la denominación de fachista, casi nazi que se le da a esta ley, la comparación con lo que se nos dice que hace Hugo Chávez con los medios en Venezuela, actuando como un loco que cierra medios porque sí! Cosa que no se ve reflejado en este pryecto en lo más mínimo, sino más bien todo lo opuesto. Esa reiteración del discurso hegemónico de que esta ley es casi una dictadura con letras es un claro posicionamiento hacia los intereses de un grupo financiero que no hizo más que comprar los derechos de expresión de muchísimas empresas (siempre espacio polémico para ejercer la libre prensa). Ahora, digo yo: ¿cuándo esa gente que hoy está en contra de la ley que propuso el gobierno, denominó a la ley que rige actualmente como una ley que formó parte de un plan pensado para exterminar a toda una generación que podría haber frenado lo que se gestó en el año 76 y que propiciaba el camino para que comenzara el desbarajuste de todo un plan nacional y popular que desde el año 73 se venía vislumbrando en la Argentina?
Otro punto, un poco más destacado por la verdadera prensa pensante y desnaturalizadora de este país: la ley que llaman como la ley K, o la ley contra los medios, no es un proyecto que se le ocurrió a Kirchner. Utilizar esa K no es un hecho ingenuo sino que es un recurso estilístico del grupo Clarín para seguir remarcando que es Kirchner (quien hoy padece de muy poca popularidad) el que está promulgando esta ley. Esta ley está en discusión desde antes de que asumiera el gobierno actual y es la reunión de muchísimos sectores a favor de una política de comunicación nacional relacionada con los espacios comunitarios y de posibilidad de varias voces de poder acceder y participar en la vida política y cultural de un país. No por nada, figuras de la ONU que presiden las comisiones de libre expresión están apoyando esta ley como en su momento se apoyó el Proyecto Voces Múltiples, Un Sólo Mundo de Sean McBride en el año 1984. Claro, que ese proyecto también tuvo que lidiar con los mismos protagonistas lobbistas y extorsivos que hoy presionan para pulverizar el proyecto que presenta el poder ejecutivo. Lo que se necesita, es que sea debatido y reformado como para que la ley sea un comienzo, sólo eso, de una política de comunicación en pos de la democracia.
Y lo más obvio que podemos hacer para entender cómo construyen esta hegemonía los medios, es informarse. Pero ese concepto parece que se ha vuelto muy difícil de desnaturalizar ahora que los grupos económicos más fuertes del país son quienes manejan el insumo informativo. Informarse ya no es leer una noticia, sino preguntarse por qué le agregan las las comillas cada vez que se refieren a“audiencias públicas”, por qué los periodistas de TN no dejan que los miembros del gobierno o figuras de no tanto renombre que apoyan la ley vayan a explicarla o contar cómo fue su proceso de gestación interrumpiéndolos con preguntas inocuas sin ningún sentido. O siguen invitando a las tres únicas voces que parece interesarle al grupo, destacando con epígrafes todo lo que sea en contra de este proyecto. Tanto TVR como el programa 6; 7; 8 que se transmite de lunes a viernes por canal 7 a las 20 horas son espacios en donde se puede comenzar a hacer este ejercicio de reaprender a infomarnos.
Este gobierno no sabe comunicar. Es una de las cuestiones entre muchas otras que constantemente le remarco. No salió lo suficiente a explicar esta ley como no lo hizo cuando fue el drama por la resolución 125 allí por marzo de 2008. Pero esta ley, sirve y mucho para comenzar con una democratización de la ciudadanía en su búsqueda por ser más escuchados y tener una fuente de poder que nos garantice que nuestras necesidades sean fundamentadas y puestas en la agenda de, no sólo este, sino de todos los gobiernos. Siempre tendría que ser así, ¿no es obvio?

República Cromañón

2009-08-18T14:12:00.000-07:00

No voy a relatar lo sucedido. Ya todos estamos al tanto. Ni hace falta que nombre el lugar luego de titular este post como lo he hecho. Perdón aquél que lea esta nota y no sepa bien de qué hablo; de lo que sucedió el 30 de diciembre de 2004, pero debieran.
Una sola imagen propia queda prendida en mi mente: una amiga, mi ex novio y yo en un bondi que se desviaba de su recorrido habitual ya que el tránsito de Avenida Pueyrredón había sido desplazado. Algo había sucedido y a esa altura, no tenía idea nadie de qué era lo que pasaba. Esa no es tanto la imagen que queda en mi mente. Sino la frase que escuché en un primer momento: “Se incendió una bailanta” - dijo alguien medio aliviado. Y esa frase fue tan representativa de la mentalidad media de esta sociedad: “los negros siempre haciendo cagadas”. “Es una bailanta. Qué personas de valor puede haber”.
Esa noche me fui a dormir como cualquier noche. No dimensionaba para nada lo que había sucedido. Y me hago cargo de que cuando dijeron lo de la bailanta pensé que era un caso más. Que sólo el edificio estaría estropeado y algún que otro herido. Cuando sucedió lo de Kheyvis en San Isidro yo tenía once años. Mucho no recordaba, pero sí recuerdo angustia. Mucha. En Cromañón eso se multiplicó por doce (en San Isidro murieron 17 personas, en el boliche de Once, 194). En este caso se movió toda una estructura del poder ejecutivo, en este caso se cuestionó la responsabilidad de la sociedad y la ética empresarial; en mi opinión no lo suficiente. Tanto el poder político como la lógica empresarial siguen siendo los dos principales culpables de este nefasto episodio, pero las responsabilidades se dispersaron desde aquel que prendió la bengala, pasando por la banda que estaba muy al tanto de la organización de sus eventos, el personal de seguridad, aquellos espectadores que concurrieron a República de Cromanón con niños, etc., etc. Sin embargo hay algo muy importante que debemos tener en cuenta, el Estado no estuvo presente ni antes del hecho, ni durante, ni después. Y cuando digo “antes” no me refiero sólo a controlar (me parece bastante neoliberal asignar al Estado el rol de vigilante por sobre muchos otros). El Estado presente en la educación, en la salud, en la cultura, en su rol de contralor, arma del desarrollo social es el puntapié para la vida comunitaria. En el caso como el de nuestro país, de tanta extensión territorial y social, esto es muy complicado. Es un país de una gran marginación y de mucha concentración del poder más reaccionario en muy pocas y erradas manos. Por esto la ley de comunas podría haber evitado este y tantos otros episodios si hubiese tenido el apoyo político y del sector económico correspondiente en su momento (durante la primera gestión de Aníbal Ibarra 1999-2003). Ya todos sabemos que Ibarra se ocupó más de lucir como una figura fuerte él y sólo él para ganarle a su rival en la re-elección, Mauricio Macri. Y nos da mucha bronca a quienes lo apoyamos en esa elección a pesar de las críticas que le hemos hecho siempre. Porque haber ganado esa vez en la capital era una gran oportunidad. La popularidad del, por entonces Presidente, Néstor Kirchner, era alta; y un cuadro como el del ex fiscal en la capital podría haber cambiado mucho el panorama. Pero no duró nada. Al año de la segunda gestión, sucede Cromañón, que claro que le podría haber sucedido a cualquiera si hablamos de la responsabilidad de la sociedad, pero no si hablamos de los culpables. En el juicio sólo aparecen como representantes del poder político la ex secretaria de Control Comunal del gobierno porteño Fabiana Fiszbin y otros dos ex funcionarios del gobierno porteño Ana María Fernández y Gustavo Torres. No digo que Ibarra tendría que estar ahí, pero sí que no está siendo bien llevado a cabo este proceso.

Es muy difícil tener una conversación con alguien que tiene un familiar que falleció esa noche (la mayoría chicos), o que sobrevivió. Yo estaba mucho más segura de la responsabilidad del Jefe de Gobierno en aquel momento. Cuando tuve la oportunidad de hablar largo y tendido con un familiar, mi mirada se expandió y mucho. Esa noche no sólo murieron 194 personas. Esa noche se sacó una fotografía de la sociedad en la que vivimos, de muchas sociedades en las que vivimos. Luego de Cromañón mucha gente fue pronosticada de cáncer y otras enfermedades terminales o crónicas, otros chicos se suicidaron y según familiares, hay chicos que no han sido registrados. Muchas historias clínicas desaparecieron. No estoy poniéndome del lado de los familiares ni del lado del gobierno que estaba en aquel momento porque no creo que haya sido EL ÚNICO Y TOTAL CULPABLE PENAL DEL ACONTECIMIENTO. También creo que los manejos mediáticos y políticos, sobre todo de la asquerosa y repulsiva oposición en aquel entonces fue deplorable, patético, mezquino y totalmente siniestro. Estoy segura de que Mauricio Macri y Jorge Tellerman, esbozaron alguna sonrisita macabra cuando vieron lo que se avecinaba. Y claro, Omar Chabán, que por más de que no haya sido con dolo, es culpable sin dudas de por lo menos, de no proporcionar un ambiente seguro para sus clientes. Sólo lucrar. Toda esta descripción creo que nos hace retratar la verdadera República de Cromañón.

De a dos

2009-07-29T16:02:00.000-07:00

Vamos sumando de a dos.
Todo es en relación a los pares.
Lo simétrico son los pares.
La familia ideal es una pareja con su pareja de niños.
Opuestos en sus sexos pero iguales en su forma.
Pares, parejos.
Sin embargo aquí no hay pares.
LAs ideas fueron diseminándose por este espacio.
Se derritieron palabras y conceptos en los imaginarios de todos.
Dos años después de las primeras ideas sueltas
mis ideas se tornaron esquemas teóricos
pero llenos de sentido afectivo.
Abrazo este segundo cumpleaños;
este otro que se suma.
Espero que sean varios otros.
Es aburrido ser parejo.

Viva la idea, en ella vivo.

La mesa oligarca

2009-07-07T12:59:00.000-07:00

Una escena de Celeste Siempre Celeste:
La dueña de la casa sentada en la cabecera de la mesa con su autoretrato a sus espaldas.
Sus invitados: una mujer muy paqueta de familia de campo, un hijo de uno de los empresarios más ricos de la Argentina, un ex funcionario público y un amigo de la familia, un hombre común.
La sirvienta les sirve sus platos y se acomoda por detrás de la silla de la Señora para corrérsela cuando ella quiera sentarse y cuando quiere pararse. No vaya a ser que haga esfuerzos de más. Pobre la Señora, es mayor.
Como en todas las mesas en algún momento iba a salir como tema la actualidad política, entonces la Señora de la casa dice: “Ahora se viene una nueva Argentina” Refiriéndose a la victoria del Pro. Esta mujer hace expreso su apoyo hacia el partido que ganó las últimas elecciones. Acto seguido el hijo del empresario, le dice: Mirtha, estás en tu mejor momento.
Exactamente, la escena no es ficción. Corresponde a un almuerzo de los 896.000 que lleva el dinosaurio televisivo (dinosaurio con toda su connotación política): Mirtha Legrand. Sus invitados, ya saben a quiénes me refiero.
Durante el almuerzo no sólo se refirió a los ganadores como si ella formara parte del partido (lo mismo fue el festejo en Showmatch en donde se montó un escenario con carteles del Pro y Marcelo los vitoreaba como “grandes ganadores”) sino que además de referirse de una forma irrespetuosa hacia la Presidenta, cuando quiso comentar el aviso que Cristina Fernández hiciere durante su votación sobre el Golpe de Estado en Honduras dijo que: “no me interesa para nada”.
Al día siguiente luego de la conferencia de prensa de Cristina, la Señora de la casa, dijo que la mandataria no había reconocido la derrota ni felicitado a los vencedores diciendo que eso era de una falta de respeto. Cristina hizo mención a ambas cosas con todas las letras(hacer click para ver informes de TVR) (TVR parte II). Y ahora, le pregunto Señora Mirtha Le Flan: ¿no considera usted una falta de respeto, no a un grupo de personas, sino al sistema democrático decir ante todos sus televidentes que no le interesa para nada el Golpe de Estado en Honduras cuando se la pasa quejando del “autoritarismo” (?) del matrimonio Kirchner? ¿no considera una falta de respeto para toda la audiencia hacer de su programa un show asqueroso del Pro al igual que el Cabezón Tinelli? Dicen que no hay libertad de expresión pero después de lo que hicieron ambos programas me parece más que claro que son unos comerciantes de la expresión que sólo se miden por la libertad de empresa. Desde ya que nunca creimos que Mirtha defendiera a la democracia, pero lo más interesante es como demuestra cada vez más que no sólo ganan los fachos sino que también sigue viviendo la oligarquía.
Ojalá vuelva mi Comandante Chávez a lo de Le Grand Oligarqui, le haga una revolución encima de la mesa y le tire el cuadro por la cabeza.

¿Qué nos pasa a los argentinos? Estamos locos, LOCOS!!!

2009-06-29T14:47:00.000-07:00

Michael Jackson 1958 - 2009

2009-06-26T15:30:00.000-07:00

Michael Jackson fue uno de los dos hombres más influyentes de las historia del rock y del pop (junto a John Lennon). Michael Jackson fue el hombre más influyente del pop, sin sucesores. Pero Michael Jackson no pudo jamás brindarnos más que sus tres primeros trabajos discográficos. Su vida personal terminó devorándose al personaje público.
Argumento mis dos hipótesis: Durante la filmación de la hermosa versión musical de “El Mago de Oz”, un muy joven Michael que recién se separaba del famoso quinteto que formó con sus cuatro hermanos, conocía a dos personas que cambiaron su percepción de la música para siempre: Quincy Jones, el productor de su primer álbum Off The Wall y el único e incomparable Thriller; Y Diana Ross quien lo influenció muchísimo en su interpretación vocal.
Después de eso, musicalmente no hizo nada más. Sí es cierto que Dangerous trajo un par de temas rescatables como Keep It In The Closet, Who Is It o la genial Remember The Time. Pero no pudo remontar jamás el éxito descomunal y la calidad de sus dos primeros discos, y algo de Bad. Sí tuvo buenos videos tal vez. A su vez, tambiém generó un material imposible de igualar audiovisualmente como los videos de Billy Jean, Beat It o el increíble Thriller. Este último rompió con la idea del video clip en donde se recopilaban flashes de imágenes acompañando a la melodía y trajo la idea de musicalizar una historia como las películas usan bandas de sonido.
La segunda hipótesis radica en el hecho de que Michael Jackson no se reinventó nunca como lo hizo su par femenino, Madonna. Mientras ella se renovó constantemente en todos los aspectos que hacían a su vida mediática, la única forma que Michael encontró para modificar su impronta (y aquí esta hipótesis se sostiene también con la primera) fue a través de las cirugías. De alguna forma, se podría pensar que Jacko no sabía quién quería ser. Y por eso estaba constantemente cambiando su rostro ni más ni menos. Y más allá aún, cambió su raza, por más vitiligo que supuestamente le estaba blanqueando la piel. Ya ni siquiera pertenecía a un raza. Michael es lo queer de lo queer. Mostrando masculinidad andrógina en sus bailes, en sus matrimonios de una sospechosa carga marketinera. La forma en la que concibió a sus tres hijos también fue siempre un enigma. Todo en Michael fue un enigma ¿Por qué un supuesto “Rey del Pop” sólo editó cinco discos de estudio en 25 años de carrera solista? ¿Quién era Michael Jackson?
Michael era sus pasos de baile inéditos los cuales jamás habían sido coreografeados por nadie, era su voz incomparable, su ritmo y sonido personal que gestó junto al genial Quincy.

Tributo de Youtube a Micahel Jackson

Eso fue lo que llegó a mostrarle al mundo de su ser. Porque en cuanto quiso mostrar una parte humana de sí mismo terminó denunciado por pedofilia y así su cuerpo, eso que tanto se esforzaba por transformar para sí o para los otros, era la noticia: era él o no quién se presentaba en vivo, en las conferencias ¿Ese cuerpo era Michael Jackson? ¿Eran SUS pasos? ¿SU ritmo? Eso tan público no era más público y sus asuntos privados comenzaron a transgredir los límites que en general rodean a una estrella pública: su vida amorosa, su dinero, su glamour. A diferencia de Madonna quien siempre hace de su vida una extensión de su etapa musical, el “Rey” nunca pudo pasar su primera etapa. De hecho su última tapa en Rolling Stone data de 1992. Ahí vemos como lo público rotó a lo privado ya que esa revista se considera lo opuesto a las revistas de chimentos.
Si bien Madonna sostuvo su carrera en su cuerpo, Michael hizo que su carrera (que es lo que se supone que nos hace contactarlo a nosotros, a miles de kilómetros de distancia) derrumbara su cuerpo y no pudiese conocerlo más. Prefirió desconocerse y mostrar lo que nunca nos hubiese llegado a nosotros si no fuera por la sección de policiales de un tabloide amarillista o las entrevistas de Susana a fenómenos. Un cuerpo de papel que más de uno no podía reconocer. Hasta ya casi no se creía que fuera realmente él el que hacía las apariciones públicas. Estaba oculto en su privacidad.
Prefiero recordarlo así.

Disfruten la versión en vivo de Billy Jean de principio a fin con una jovensísima Sheryl Crow en los coros.

La hora de los rostros

2009-06-09T15:26:00.000-07:00

Una cita a ciegas. El mejor lugar suele ser un café. Lugar de desconocidos y conocidos si los hay. Un buen lugar para empezar a contar una historia y también para terminarla o para hacer una reunión luego de una separación, probablemente porque es público y no se puede hacer tanto espamento, pero a su vez, cuando uno se sienta con su cita en frente, es como si el pacto estuviese sellado: estamos solos. Conociéndonos o empezando a desconocernos.
Una cita a ciegas es denominado aquel encuentro entre dos personas que se encuentran con un fin específico pero no porque se trate de conocerse específicamente, sino justamente lo opuesto. Se desconocen. Nunca se han visto ni planeaban hacerlo. Pero hay un fin, un motivo que los une y tal vez, haga que sus identidades se crucen. Que sus rostros se contemplen frente a frente e intenten interactuar.
Los rostros. Nada es más identificatorio que un rostro según cualquier Estado, o cualquier sentido común de por lo menos todas las civilizaciones occidentales y orientales de hoy en día. Los documentos de identidad tienen una foto de nuestro rostro y nuestra huella digital. Nuestros ojos, lo primero que conoce, lo primero que se cruza con el mundo del otro. Todo esto, para el sentido común.
Pero pensemos en la posibilidad de que ese alto porcentaje de reconocimiento dado a través del rostro fuese sólo una cuestión cultural, de avances tecnológicos de la modernidad entre otras cosas ¿Acaso una identidad es inherente a un rostro? ¿La identidad de una persona le pertence a un rostro? ¿Cambiarnos la cara, entonces, nos hace otro?
La película Shi-Gan (Tiempo) es una excelente obra para reflexionar profundamente sobre esta cuestión, sobre todo en torno a una temática sobre los cuerpos muy en boga: la reconversión de los cuerpos, las cirugías estéticas, adiestramientos de los cuerpos, de las identidades, del ser.
¿Nuestros cuerpos son quienes nosotros somos? ¿Podemos moldear los cuerpos como esculturas y pertenecer a la mano de quien nos creó o no pertencemos a nadie más que a nosotros mismos?
Llevándolo al plano de la sexualidad, ¿se adiestra la sexualidad al convertir nuestros cuerpos a nuestro antojo? ¿Es una forma de controlar los deseos sexuales, amorosos? ¿Se ama a alguien por quien "es" o por quien ES?
Todas estas preguntas surgen a partir de la película de Kim - Ki duk e intentan responderse durante las escenas en la playa de las esculturas, en donde las manos sostienen la figura de los protagonistas y los acompaña hacia el tiempo. Ese que otras manos controlan junto a sus cuerpos, pero los cuerpos que sólo ellos pueden vivir.

El luchador

2009-06-02T19:59:00.000-07:00

La actuación es un campo muy rico de análisis para aquellos a quienes nos interesa focalizarnos en los estudios del cuerpo y sus representaciones en las significaciones sociales.
¿A qué nos referimos con significaciones sociales? Desde el lugar en el que conceptualizamos estas nociones, todo significa: no sólo las palabras y las estructuras gramáticas, si no los silencios, la retórica de nuestras predicaciones, el espacio en el que nos movemos y, desde ya, el cuerpo. Lo que haga o deje de hacer. Lo que lo marca, lo que lo lustra, lo que lo pule y moldea. El cuerpo es el pivote, sostén de nuestra existencia en el mundo, a través de lo que nos comunicamos, pensamos, amamos, vigilamos y dominamos. A su vez, es también aquello a través de lo que otros nos comunican, nos piensan, nos aman, nos vigilan y nos dominan. El cuerpo es el único lugar en donde todas nuestras experiencias, realmente, se hacen carne. Más allá del saber, la experiencia encarnada es lo que realmente dirá lo que el cuerpo quiere decir.
El luchador es la película por la cual Micky Rourke fue nominado a un Oscar. Su actuación es primordial en la película y más que disfrutable para el espectador. Para hacer referencia a su presencia en esta película no podemos obviar, que este actor tuvo que hacer algo muy similar a lo que cuenta la historia del protagonista cuando su carrera actoral fue descarrilada ante su adicción al alcohol y las drogas. Micky se dedicó a las peleas callejeras en las que le pagaban unos cuántos -pero pocos- dólares por pelea ganada. Eso anduvo haciendo quien supo protagonizar junto a Kim Bassinger el éxito de los noventas “Nueve semanas y medias”. Por este film, ambos se transformaron en íconos sexuales de la década. Sus cuerpos eran armónicos, sensuales y sexuales. Todo lo que el parámetro de belleza occidental hegemónico reclamaba.
Para principios de este milenio, Rourke estaba desfigurado por las cirugías estéticas en su rostro, más las resacas, más las peleas. El cuerpo hablaba. Esa era su historia.
El luchador tiene como sujeto de la historia al cuerpo. Tanto el de la estrella de la lucha libre a quien encarna Micky como el de Cassidy/Pam, personificada por la adorable, talentosa y hermosa Marisa Tomei.

En el primer caso el cuerpo aparece como el sostén falso de una historia que ya fue pero que sigue siendo la única razón de vida de este hombre, Randy “El Carnero”. Ni su hija abandonada, ni la insistencia de la mujer a la que él ama (Cassidy) lo pueden apartar de la lucha libre, aún cuando un problema de salud por el abuso de esteroides y sus ya pasados cincuenta años, le indican que ya no es tiempo de seguir poniendo el cuerpo, por lo menos no sobre el ring.
El personaje de Tomei también trabaja con el cuerpo. Aunque aquí sí se puede hacer una observación al guión -la mujer es stripper, no una atleta o algo que se le parezca- es argumentado por el ambiente que frecuenta Randy. Con su edad ya está considerando dejar ese trabajo pero además de stripper es madre (dejando los análisis de género de lado) y no puede darse el lujo de dejar ese trabajo por el momento.
El cuerpo del luchador está lleno de cicatrices, de sus peleas y en última instancia del by pass que deben practicarle por el paro cardíaco que detona el conflicto de la historia. Ese cuerpo con todas esas marcas señalan su destino. En cambio Cassidy no tiene marcas más allá de las de los estigmas que puede generar para ser empleada en trabajos más convencionales. Randy no puede escapar de su historia, cuando ya no puede seguir entrenando se infla con esteroides para seguir en carrera, a pesar de vendarse por todos lados por sus varias lesiones no curadas. No hay cuidado en ese cuerpo. Ese no-cuidado está muy bien llevado por el guión como el reflejo de la vida que él mismo está padeciendo por más de que la elija. En el caso de Pam, el no tener marcas visibles pareciera facilitarle el dejar el mundo que la aqueja. Las marcas aparecen así como huellas que fueron quedando y formando su significación. A partir de allí, nace el sentido que cada uno puede construir con lo que tienen en sus vidas.

Proyect Madonna

2009-05-24T11:28:00.000-07:00

Antes de hacer las conclusiones, linkeo el repaso que hice del último disco de Madonna, Hard Candy (hacer click aquí)cuando fue el lanzamiento del mismo allá por fines de abril de 2008.

Dicho esto, prosigo con las conclusiones que me deja este repaso -más que fructífero (a veces hasta demasiado extenso)- por la discografía/carrera/producción audiovisual de Madonna Louise Veronica Ciccone.
Cuando empecé con este análisis hice una comparación, salvando las enormes distancias, entre la carrera de esta mujer y Los Beatles. Creo que queda más que claro que con ello me refería a que así como los Beatles al comenzar tuvieron su primera etapa más naif y para su público, Madonna también la tuvo. En el caso de los cuatro ingleses, fue Rubber Soul el disco que los direccionó hacia otras temáticas en las letras de sus canciones y la indagación de nuevos sonidos. Los presentaba mucho más maduros e integrando sus experiencias de la vida en sus canciones. Así lo hacía Madonna con su tercer álbum, True Blue. Después de Rubber Soul los Beatles sacan Revolver, revolucionando todo lo que hubiesen hecho jamás (en mi opión, también el pop mundial). Este es el caso del disco que le sigue a True Blue, Like A Prayer, en donde Madonna dejaba en claro que no le interesaba hacer música y punto, sino marcar tendencias y dejar influencias tanto en la música como en las opiniones sobre distintas temáticas (la sexualidad, la religión y el amor). Luego, los Beatles sacan Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, el disco más revolucionario de muchísimas décadas rompiendo cualquier esquema que se pudo haber imaginado. Madonna lanza Erotica, generando controversias hasta en las esferas más altas de la opinión pública como el Vaticano (no por única vez). Allí Madonna trata de develar que lo que la cultura occidental (sobre todo yanqui) más reprime, es lo que más consume: el sexo.
Abbey Road es el punto más alto de la carrera de los Beatles más allá de la aparición de Let It Be post separación. Madonna también tuvo sus picos más altos: Ray Of Light, Music y COnfessions On A Dancefloor en donde ratificó su sello.
Cómo hizo esto: Madonna nunca se encasilló en un género. Hemos podido evidenciar eso con la producción de discos como Erotica, el ecléctico Bedtime Stories y el conjunto Ray Of Light/Music, sin contar Confessions o detalles de sus otros discos, como la mezcla acústico electrónica de American Life. Sus discos jamás sonaron igual. Siempre escribió sus letras, estuvo envuelta en la producción de sus discos con menos participación en sus comienzos que al final (más allá de que Hard Candy queda posicionado como un disco ajeno, fue ella quien controló todo lo que fue elaborado para ese álbum).
A partir de Like A Prayer (aunque algo había sucedido con el lanzamiento de Like A Virgin) cada vez que lanza un disco genera expectativas a nivel musical con respecto a qué ritmo va a predominar, qué tema va a ser el que se cuele en la opinión pública y qué estrategia comercial lo acompañará. Todo esto, proveniente de su cabeza. De su experiencia. De lo que logró desde su llegada a Nueva York con U$S 30 en su bolsillo hasta los U$S 490.000.000 que posee hoy. Su fracaso en las relaciones con hombres, su incursión en la bisexualidad, sus hijos, su ideología, sus estrategias en el mundo musical y en la praxis que le toca aplicar. Madonna no puede ser tenida en cuanta sólo por sus polémicas, ni sólo por la calidad de su propuesta de entretenimiento, ni por los avances o retrocesos de su música (de la cual no cabe duda de que ha hecho un espacio de encuentro consigo misma).

Espero que se hayan dado cuenta de que "entretener" es sólo una parte y no menor, para nada, de la maquinaria y de la persona que lleva a cabo su proyecto: Madonna. Ella es un proyecto en sí misma y hoy por hoy, con cincuenta años ya, no nos deja de invitar a su cataris. Tal vez de ahí el título de su disco más alto, Confessions On A Dancefloor. Nos hace bailar, que es lo que más la identifica en el grado presencial (su cuerpo como un hecho) pero a la vez siempre integrado de su expresión, sus ideas, su relato, otra vez, su cuerpo pero hecho canción.

Confesiones de una diva

2009-05-12T16:06:00.001-07:00

En el repaso anterior, pudimos pensar como conclusión que a pesar del "fracaso comercial" que le supuso a Madonna la estrategia de difusión de American Life el disco en sí no fue tal fiasco para su postura polìitca y generar un respeto en algunos círculo ligados más a las tendencias ideológicas dentro de la música. Pero en el año 2004, habiendo ganado mucho respeto en ese aspecto, Madonna se dedicó de lleno a volver a su lugar de diva del pop.
Por ello, comienzo este post planteando una hipótesis: Confessions On A Dancefloor marca el punto más alto de la carrera de Madonna. Tan es así que podría haberse retirado de la vida pública con esta profesión después del tour que la llevó a presentarlo por muchísimos países del mundo.
Tanto el disco como el Confessions Tour (del cual también salió un disco en vivo) son dos piezas únicas e irrepetibles de la capacidad de esta cantante. Ya sea en cuanto a lo compositivo como a la producción de un espectáculo, lo que Confessions significó podría haber mantenido a Madonna mucho más alto de lo que quedó luego de lo que es hoy su último trabajo: Hard Candy. Un disco hecho por otros artistas y Madonna. Sin su marca personal, cuando una de las muletillas de cada repaso que hicimos fue que todos sus discos reflejaban aspectos muy profundos de sus convicciones o de su vida.
Confessions On A Dancefloor, en oposición a todo lo que venía haciendo Madonna hasta ahora, no es un disco temático, sino retórico. No son los temas que tratan las canciones lo que hacen al concepto general, sino el concepto del género musical: la música dance. Este álbum es un homenaje a la música disco (madre de todo lo electrónico) además de consolidar la música electrónica como el género al que Madonna quería pertenecer por lo menos por un rato. Si bien Ray Of Light fue el precursor de esta tendencia en ella seguido por Music, ambos simplemente coqueteaban -uno en mayor medida que el otro- con los ritmos tecno, trance o house, mientras que Confession es, claramente, un disco compuesto por esos géneros.
No tiene mucho sentido pararse tema por tema a analizar la temática o el género por lo enunciado más arriba, sin embargo se puede hacer una referencia a los “apartados” de este disco. No hay separación entre track y track. El sonido logra ser un todo a pesar de también, poder escuchar cada canción por separado. Es más, al no ser un formato común en su obra, muchos de sus seguidores no encontraban la dinámica en este disco: cuando se lo escuchaba completo sonaba reiterativo, sin embargo los temas sueltos, no nos permitían dejar de bailar. Como ya había sucedido con discos en los que Madonna hacía un giro fuerte en su musicalidad (Erotica o Bedtime Stories).

Get Together conecta a Madonna con su público en el segundo tema del show

No sólo se trataba de un disco conceptual musicalmente hablando sino también en relación a lo visual. Los videos tienen ciertas improntas contradictorias pero que conjugadas tienen mucho sentido: futuristas/retro. De la mano de estas improntas, la gira que acompañó su presentación es uno de los shows más impactantes que se pueda ver. Por más de que artísticamente el Drowned World Tour o el Girlie Show nos atraigan más, el Confessions Tour tiene un despliegue escénico, coreográfico, de vestuario, de efectos que impactan hasta al más reacio al trabajo de Madonna. Todos los temas son reversionados con el mejor gusto y con una calidad suprema. El espectáculo repasa el repertorio de Madonna desde el primer disco hasta este último trabajo organizańdolo en cuatro bloques: ecuestre, espiritual, punk, glam y rock y el bloque disco.

Vale la pena ver la performance de Madonna en temas como Like It Or Not o Let It Will Be en donde parece poseída y canta sin ocultar el agitamiento en su voz.

Comentemos un poco de algunos temas del disco: Hung Up usa la base de Gimme, Gimme, Gimme uno de los hits de ABBA. Sorry tiene una letra y una melodía que nunca se va de nuestras cabezas. Get Together es una de las canciones más interesantes de Madonna, que a pesar de estar hecha al estilo dance se puede reversionar tanto en forma acústica como en rock. I Love New York es una declaración de amor a esa ciudad con un fondo rock punk muy interesante. Jump es uno de los temas más fuertes del disco con un video en donde se puede ver las acrobacias más arriesgadas que son llevadas al escenario del Confessions Tour.

La versión en vivo de Sorry tiene la fuerza de una banda de heavy metal. En otra parte del show se repite el tema pero en un video editando la canción para el lado del enfrentamiento político con el presidente Bush.

La representación de temas viejos como Live To Tell, Lucky Star, Substitute For Love, La Isla Bonita o la versión remixada de Music con Disco Inferno le suman a la presentación de su último tour hasta aquel momento un nivel de versatilidad y calidad performativa imposibles de perder de vista. Sin embargo, el concepto de este período de Madonna es tan visual que no queda más que conseguir el DVD y vivir la experiencia de la Confesión.

Una versión con muchísima fuerza de La Isla Bonita

Es llamativo que Madonna logre su punto más alto cuando no hace referencia directa a su vida para la elaboración de este disco. Por otro lado, no es casualidad que sea a través de la “confesión” que Madonna llega a esta instancia. Muchas de sus canciones que más marcaron su carrera o de mayor imbrincación con su vida son a modo de confesión: Live To Tell, Secret, Human Nature, Substitute For Love, What It Feels Like For a Girl.

Live To Tell conmueve a la gente cuando se lo dedica a los niños que mueren de SIDA en el contienente africano.

Se podría pensar que todo lo que fue develándonos durante su carrera fue para llegar hasta esta etapa en la que ya no hace tantas autorreferencias sino que deja lugar a otros artistas para que experimenten con su sello personal. Desde los ochentas hasta el día de hoy, Madonna siempre estuvo vigente. Y con Confessions… pareciera también estar presente desde una década antes, la del 70. Así se construye como un ícono que pueda aparecer en la década del 70, en la de los 80, 90 y en la actualidad. El Período “Confessions...” no hace más que darle ese carácter a su música. Una impronta atemporal, que encaja perfectamente en cualquier momento relacionado con el baile pero no banalmente, sino, más bien, todo lo contrario: como una práctica -entendida como el cuerpo que encarna la experiencia- en la que se conjuga la conexión entre la experiencia musical, la artística, la visual, la estética y la espiritual.

El gran salto

2009-04-16T14:28:00.000-07:00

El 11 de septiembre de 2001, tras el atentado a las torres gemelas, Nueva York sufría la conmoción más grande de su historia. No sólo por lo que sucedió, sino por la reconfiguración del mapa político-social y cultural. Las significaciones que hasta ese momento entretejían las redes de representaciones que circulaban en los discursos políticos y artísticos de la sociedad norteamericana daban un vuelco nuevo.
Todos los afiches de películas o espectáculos que mostraban las torres debían borradas. Las sitcoms que se desarrollaban en la ciudad no mostraron más imágenes cercanas al World Trade Center y el Empire State o la Estatua de la Libertad pasaron a primer plano para generar el reconocimiento de la locación del programa.
Las temáticas de las películas también viraron hacia las catástrofes ecológicas y el fin del mundo. En el mundo de la música las repercusiones también fueron notorias sobre todo para repudiar las políticas bélicas que el gobierno de George W. Bush comenzaba a tomar.
Una de las primeras en dejar en claro su postura fue Madonna. En plena invasión yanqui a Irak en de abril de 2003, Madonna lanzaba su disco American Life. Desde la ironía del título (o tal vez la literalidad) se evidenciaba la postura crítica ante el gobierno americano. Considerado el álbum más arriesgado -comercialmente hablando- que ha lanzado Madonna en su carrera; es el segundo material producido junto a Mirwais Ahmadzaï, quien disminuyó la presencia de electrónica bailable a cambio de guitarras acústicas llevando el sonido más allá de Music. Para la portada, en crudo blanco y negro, Madonna apareció como un “Che” del siglo XXI con dos franjas sangrando en su ceja, en posición militar. Fue lanzado mundialmente el 22 de abril en tres ediciones: explícita, limpia y en una serie especial limitada.
El “problema” con este trabajo - hablando siempre de cómo fue catalogado por los “críticos especializados” - fue su alto perfil político y lo “extraordinario” que es para los yanquis que una artista como Madonna se manifestara en contra de un acto cuasi nazi como fue la “persecusión terrorista” del Gobierno de Bush de aquella época. Una cosa era que Bruce Springsteen lo hiciera, pero Madonna se caracterizaba por ser un emblema del american dream, entonces ¿por qué cuestionaba el american way of life? Como sabemos, el mercado no funciona solito, así que todas estas influencias políticas hicieron que este álbum fuera un fiasco en su carrera. Además de que sus buenos temas no se destacan como un antes o un después en sus composiciones como venía haciendo con las canciones de sus dos últimos trabajos: a nivel compositivo (no ideológico) es sólo un disco de hermosísimas baladas. Para repasar este disco, primero hay que hablar de las canciones en sí, y luego, al final del trayecto, se puede referir a todo lo que significa a nivel macro. American Life es el disco más conceptual de Madonna después de Like A Prayer en cuanto a su temática. Más aún que Ray Of Light.

Los traspiés: comenzando con el video del primer tema del disco, el homónimo. Madonna se autocensuró. Primero lanzó un video jugadísimo e híper crítico hacia la situación política de su país. Recibió un sin fin de críticas, por lo que se declaró firme a no modificar su video. Sin embargo, luego de que comenzara la guerra, el video finalmente, fue cambiado. Según Madonna, no le parecía apropiado referirse de esa forma a la guerra cuando respetaba a quienes estaban allí luchando. Sabiendo la postura de Madonna en favor de la paz, esto sonó más a una estrategia comercial. Sobre esos ejes se encuentran los factores más criticables de este disco, pero más que nada es hacia la actitud de la artista y no tanto de la producción en sí. La letra del tema es una durísima crítica al ponderado estilo de vida americano y no tiene el más mínimo desperdicio: I'm drinking a soy latte, I get a double shot. It goes right through my body and you know I'm satisfied. I drive my mini Cooper and I'm feeling super duper. They tell me I'm a trooper and you know I'm satisfied. I do yoga and pilates and the room is full of hotties, so I'm cheking out their bodies and you know I'm satisfied. I'm digging on the isotopes, this metaphysics shit is dope and if all this can give me hope you know I'm satisfied. I got a lawyer, a manager, an agent and a chef. Three nannies, an assistant and a driver and a jet. A trainer and a butler and a bodyguard or five. A gardener and a stylist. Do you think I'm satisfied? I'd like to express my extreme point of view. I'm not a christian and I'm not a jew. I'm just living out the american dream and I've just realized that nothing is what it seems.
Madonna estaba autocriticándose, a ella, y a todo lo que aspira la sociedad americana encabezado por el star system que aparenta tener todas sus vidas en carriles por ser parte de ese American dream, pero según ella: “nada es lo que aparenta”. “Do I have to change my name? Am I gonna be a star?”

El video original se podía ver en las pantallas del escenario del Re - Invention Tour de 2003 mientras Madonna interpretaba American Life.

Así pasa a Hollywood. El segundo corte del disco habla de lo mismo más enfocado en el mundo del espectáculo. En el video, Madonna aparece simulando las inyecciones de botox a las que ella misma se somete. Esta fue la canción que presentó ese año en los MTV Video Music Awards antes de interpretar Like A Virgin junto a Britney Spears y Christina Aguilera y darles un beso en la boca a ambas, marcando un hito en las presentaciones de esa entrega de premios. Sobre esta canción Madonna dijo: “En Hollywood puedes perder tu memoria y tu visión del futuro. Puedes perderlo todo porque podrías perderte a ti mismo”.
I'm So Stupid también trata sobre la superficialidad pero con respecto a “ser lo que los demás quieren”: And I wanted to be like all the pretty people / Please don't try to tempt me / It was just greed and it won't protect me / don't want my dreams adding up to nothing / I was just looking for / Everybody is looking for something.
Love Profussion es una de las canciones más lindas del disco. Con una letra sencilla, una melodía pegadiza y dulce, un muy buen arreglo vocal, más una conjunción interesante entre máquinas y guitarras en vivo, esta canción intenta la temática del amor como lo único que nos puede asegurar el cambio. El video refleja perfectamente este mensaje y Madonna está hermosísima con un vestido lleno de colores para luego ser rodeada por hadas. Es la contracara de todo lo que venía promulgando American Life: And the love profusion you make me feel / you make me know / And the love vibration you make me feel / you make me shine / I've got you under my skin.

Bajo esta misma línea están las baladas Intervention y Nothing Fails. Estas dos son las mejores canciones del disco. La primera en forma de enseñanza a sus hijos y la segunda como una confesión sobre un amor secreto. La otra balada que maravilla es X-static Process, una obra minimalista en la que Madonna reproduce su voz en armonías muy interesantes acompañada únicamente por la guitarra. El tema Easy Ride también vale la pena. Allí Madonna habla de que la vida es dura a veces, pero que hay que estar dispuesto a aprender de los errores y así ver el panorama más claramente: I want the good life / but I don't want an easy ride / When I touch the ground I come full circle to my place / And I am home.

Los otros temas del disco: Noboy Knows Me y Mother & Father, no tienen ningún aspecto digno de destacar más que el hecho de que esta última hace referencia a la muerte de su madre. Madonna explicó que “es una manera de liberarme del sufrimiento por la muerte de mi madre, pero sin ponerme una medalla por haber salido adelante ni pidiendo compasión por haberlo pasado tan mal. Tampoco como una excusa, al estilo de soy así de rebelde porque me pasó todo esto de pequeña. Todas esas excusas son basura porque en la vida tienes que asumir la responsabilidad por todo lo que haces.” A pesar de su letra en clave emotiva, la melodía es más bien pegadiza y bailable. También fue incluida la agresiva Die Another Day de la banda de sonido de la película de James Bond con el mismo nombre. Tiene una letra muy interesante haciendo referencia al psicoanálisis.
En total, American Life no es un mal disco. Fue toda la situación que la rodeó la que hizo que no fuese popular en los charts, al igual que su gira promocional el Re – Invention Tour. Éste tipo de declaraciones vienen de la manos de críticos que aparentemente podían soportar que Madonna tuviese una estrategia de marketing escandalosa alrededor del sexo o su vida, pero no con una postura política anti establishment. Fue por ello también que la gira fue parte del documental “I'm Going To Tell You A Secret” que tampoco tuvo el éxito que en su momento tuviera “Truth Or Dare”: A la cama con Madonna. Sucedió algo similar con Erotica, sólo que es cierto que el disco de 1992 sí supuso un antes y un después en su carrera a nivel artístico, que en definitiva es lo que está en la mira a la hora de “juzgarla”; además de que la polémica giraba alrededor de otro eje. American Life fue más una declaración de principios que una obra musical, pero aún así no dejó de lado la calidad de las canciones, que no fue la mejor pero que tampoco justifica su desvalorización como sostienen muchos basándose en el lugar que ocuparon los cortes en los ránkings. Por otro lado, las ventas de American Life en la primera semana superaron a Ray Of Light y Music.
Personalmente, creo que toda banda que tiene un disco polémico, oscuro, ambiguo suele llegar a un nivel de superación de sí misma que no podrían llegar a lograr sin este. Ya sea un fiasco o no. No es el caso de Madonna. American Life si fue un fracaso a nivel comercial. Digamos que en cuanto al vínculo con el público en general, no tuvo una buena estrategia, sin embargo, el disco en sí, como elaboración propia no es para nada terrible. Aceptamos que no marca ningún precedente en la historia de Madonna, pero sí dejó en claro su posicionamiento: que no es sólo una persona que está para influenciar el mundo del entretenimiento, también es parte de la agenda política de un país.

La música del cuerpo

2009-04-01T12:54:00.000-07:00

El par Ray Of Light / Music podrían tomarse como una categría analítica de la carrera de Madonna. Sin embargo, si uno le presta mucha atención a ambos disco y le suma los dichos de la cantante durante la promoción de las dos producciones, se da cuenta de que la diferencia dentro de esa supuesta similaridad, es lo que más los une (o separa).
En una entrevista en el año 1998, Madonna confesaba que lo que más destaca del mundo del Rock n' Roll es que lo ha sobrevivido. Para el 2000, lo que era sobrevivir al mundo del rock (que incluye al pop o viceversa), pasó a ser superarlo. Eso incluyó conocer al segundo hombre que más la marcó en su vida, el director de cine Guy Ritchie. Las canciones de Music tienen la impronta de una experiencia positiva en el amor, cosa que hacía muchos años que no reflejaban los discos de Madonna. Es por esto, que Music, en contraste con Ray Of Light, es un disco liviano, ligero, profundo pero no denso, sino todo lo contrario. No podemos parar de escucharlo porque es mucho más fácil de digerir que su trabajo anterior.
A pesar de reinar la música electrónica, la estética tanto del disco como parte del Drowned World Tour en donde lo presentó, fue cowboy. Music es un disco en donde el tecno pop se conjuga con bellísimas baladas con una fuerte base de guitarras. Esa conjunción es lo que hace de este disco un hito en la carrera de Madonna. Podría decirse que Madonna inventó un género nuevo con este álbum: el tecno folk. Las letras son hermosas pero mucho menos intensas y metafóricas que las de su precesor. Lo que también se vio como algo positivo fue que da la sensación de ser un disco más espontáneo que el anterior, en donde hasta su voz se desprendió un poco de las técnicas de canto y fonética que adquirió durante los útlimos años.
Este disco fue concebido en conjunto con William Orbit (quien la guió en Ray Of Light) y el francés Mirwais con quien produjo y co-escribió la mayoría de las canciones aquí incluidas.

No podía ser otro, sino el tema homónimo el que abre el disco. Es unas de las canciones más épicas de Madonna, y junto a Holiday es la que más veces ha incluido en sus shows. El mensaje de la canción es lo que definió que la producción se llamase así detrás de éste. Trata de la sensación de completitud que genera la música y de la necesidad que se tiene de ésta una vez que es parte de nuestras vidas. Además, como no podía ser de otra manera, Madonna le da un sesgo político a esta perspectiva en el mismísimo estribillo de la canción: Music makes the people come together / music makes the bourgeoisie and the rebel (La música une al pueblo, la música hace a la burguesía y a la rebeldía). Creo que no hay canciones del pop que expliciten tanto la lucha de clases como esta ¡de Madonna! Todas las versiones en vivo de esta canción son imparables masas de energía. Sin embargo, la del espectacular e insuperable Conffessions Tour de 2005, logra la versión más perfecta que se pudo haber hecho remixándola con “Disco Inferno” de The Trammps abriendo el bloque homenaje a la música disco con una remake de Saturday Night Fever. Es una pena que no se pueda encontrar una buena versión en youtube de esa presentación. Pero la del DWT no está nada mal.

Madonna explota cantando Music en el Drowned World Tour al final de su show

Los otros temas bailables de este trabajo, igualan a Music en su calidad y en cuánto nos hacen mover: Impressive Instant, Runaway Lover (una de mis preferidas) y Amazing.
Don't Tell Me y What It Feels Like For a Girl son dos temas que están entre lo bailable y las baladas y son de las mejores canciones del disco. El video de Don't Tell Me es uno de los más lindos de la cantante. Su versión en vivo en el DWT imita casi íntegramente la coreografía tan emblemática que Madonna practicaba en el video: una oda a la cultura cowboy. What It Feels Like For A Girl tiene unos de los mejores recitados que se escribieron en alegoría a la cuestión de género en la cultura pop de los últimos 20 años a cargo de la actriz y cantante Charlotte Gainsbourg, que ya ha sido repasado en este blog: Girls can wear jeans and cut their hair short. Wear shirts and boots 'cause it's ok to be a boy. But for a boy to look like a girl is degrading. 'Cause you think that being a girl is degrading. But secretly you'd love to know what it's like. Wouldn't you? What it feels like for a girl. Según Madonna está dedicada a Britney Spears. El video no presenta la versión del disco, sino un remix de su amigo, el DJ Paul Oakenfold y está dirigido por su actual ex marido, Guy Ritchie. Una bizarrada que vale la pena ver. La versión que eligió para presentarla en vivo en el DWT fue la que está cantada íntegramente en castellano, que forma parte del lanzamineto de Music en Europa. Esta versión, a pesar de lo que uno puede prejuzgar hace que el tema sea más sofisticado y personal y lo femeniza aún más. El preludio del tema es una versión instrumental de “Don't Cry For Me Argentina”coreografeada con un tango homenajeando a la figura de Eva Perón como referente femenino y la ropa de ella y de los bailarines es andrógina concordando con el mensaje del tema.

Lo Que Siente La Mujer es la versión en castellano que Madonna llevó a recorrer el mundo con su Drowned World tour. En este video no se puede ver el interludio de Don't Cry For Me Argentina. Vale la pena buscarlo.

Los demás temas son baladas: I Deserve It, dedicada al director inglés, Nobody's Perfect, la hermosísima Gone con una letra de mucha autocrítica y sinceridad (Letting go / is not my thing / walk away / won't let it happen again / I'm not, I'm not what you think / Turn to stone / lose my faith / I'll be gone before it happens) y la joya del disco: Paradise Is Not For Me. Este último tema fue incluido tanto en el DWT -separando el bloque “punk” del de “la fuga de la geisha”- como en el Conffession Tour. Ambas versiones son dignas de ser presentadas aquí.Una al estilo de un video clip en vivo y otra totalmente acústica y de colección junto a su amigo y colaborardor de Conffessions On a Dance Floor, Yitzhak Sinwani quien canta las partes que originalmente Madonna cantaba en francés, en árabe.

Paradise se presentó como un video en vivo en la gira de 2001

Paradise en el COnfessions tour. Una versión bellísima por donde se la mire.

La versión americana incluía como último tema el de la película que Madonna realizara junto a Ruppert Everett durante la grabación de Music, The Next Best Thing. El tema es American Pie. A pesar de haber logrado una muy buena versión del clásico de Don McLean, Madonna no estaba del todo conforme con incluirla en el disco además de la banda de sonido de la película.
Music es otra gran muestra de lo que Madonna podía lograr. Justamente por suceder a un disco con tan buen recibimiento de parte de todos los sectores de la opinión pública como fue Ray Of Light. Se especuló que tal vez Madonna ya había llegado a su punto más alto. Sin embargo, Music demostró que no era así. Que por más alta calidad que Ray Of Light tenía, aún faltaba un sello propio que este trabajo de 2000 confirmó. De la mano de una relación amorosa que le trajo estabilidad una vez más asu vida y que en 2001 le daría su segundo hijo biológico, Rocco Ritchie. Tanto Don't Tell Me, como Paradise (Is Not For Me) o la mismísima Music, muestran la versatilidad que tiene Madonna para que con un “mismo género” nada suena igual. En un mismo disco se puede dar el lujo de hacer un tema como Music y como Gone y aún así no se saltea una lógica conceptual de género o estilo. Tal es así que casi todos sus discos son una huella que se fija en la historia de la música pop y se vuelven referentes. Ya sea como espectáculo, como obra de expresión de un momento personal, Madonna hace de la música el soporte de sus emociones, concepciones y necesidades. La música es algo así como su cuerpo y por eso este disco es tan emblemático. De alguna forma, la música es la que la amalgama.

Se hizo la luz

2009-03-15T20:20:00.000-07:00

No es fácil la próxima tarea. Seguramente la lectura de este repaso va a ser densa porque este disco es denso, pesado. No en el sentido que uno lo dice comúnmente, sino que es pesado por el calibre de sentimientos, expriencias y emociones que Madonna volcó en él. Desmembrar los discos de Madonna hasta ahora fue sencillo, porque Madonna era “todo sobre ella”: sobre su ideología, su corpología, su sexualidad, su historia, sus conceptos y percepciones. Sin embargo, en 1995, tras el nacimiento de su primera hija, Madonna no fue la misma. Nunca más. Y como no podía ser de otra manera, lo dejó asentado en su música.
Ray Of Light (1998) es el mejor disco de Madonna. Like a Prayer puede pensarse como el Revolver de los Beatles de su carrera. Pero Ray Of Light tiene una particularidad que lo hace único: es oscuro y a pesar de ello todo el tiempo va iluminando los momentos que van sucediendo mientras lo escuchamos.
Tanto la interpretación de los temas, como las letras (las de mejor contenido en la historia de la cantante) y la originalidad de la música (en este disco irrumpió definitivamente con un sonido más tecno) hacen de Ray Of Light el disco sin precedentes de todas sus producciones. Algo así, siempre salvando las distancias, como el Sgt. Pepper's de los Beatles.
Así como Like a Prayer estaba marcado por la dicotomía entre la sexualidad, el amor y la religión, Ray Of Light, se entromete con el amor pero en una faceta muy distinta. El amor responsable, el amor maduro, sano y sensato. Ya no era el cristianismo lo que regía el pensamiento religioso de Madonna, sino la Cabala. A su vez, ese año en que lanzó este disco, cumplió sus 40 años, número de extrema importancia para esa filosofía.

En 1995, justo antes de colaborar con Alan Parker en la película Evita, lanzó el tercer disco compilatorio: Something to remember, una excelente producción que contiene las mejores baladas de Madonna, y más reconocidas (quedan afuera muchísimas no tan conocidas). Ese disco fue la confirmación de la etapa que había abierto con el disco Bedtime Stories. El nombre del disco proviene de un tema de la banda de sonido de la película Dick Tracy, “I'm Breathless”. La letra es preciosa. Esta compilación, especialmente la elección de ese título para el disco, dejó muy en claro que Madonna es una persona muy nostálgica, que encuentra mucha inspiración en la retrospección y la autocrítica. El disco, además de ser una compilación, tiene tres temas nuevos: la genial versión de I Want You de Marvin Gaye junto a Massive Attack (de nuevo, otra sobresaliente interpretación de Madonna), You'll see, un muy buen tema que precedió su rol en Evita y One More Chance, una hermosísima balada a base de guitarras españolas que se refiere a conseguir otra oportunidad en el amor en donde esa retrospección y autocrítica de la que hablábamos son el bastión de la composición.
Desde el año 1994 que Madonna no entraba a un estudio para grabar un disco completamente nuevo. Esos cuatro años de espera no fueron en vano. Tal vez no es casualidad que volvió a trabajar junto a Patrick Leonard, quien fuera pieza clave de Like a Prayer. La producción integral del disco, quedó bajo la tutela de William Orbit, productor europeo muy reconocido, especialmente en el ámbito del tecno pop. Produjo temas como Black Coffe de All Saints, Electrical Storm de U2 y el disco mejor criticado Blur, 13.
El nacimiento de Lourdes fue clave para la concepción de este “otro hijo” de Madonna. Convengamos que la marcó tanto como su niña en aquel momento. El clima del disco nos va envolviendo como se envuelve Madonna con su ropa en el video de Frozen, el que fuera el primer corte. Con este concepto de fondo, el disco podría dividirse en dos partes: la primera menos personal, hablando de las relaciones humanas desde una visión más externa. Otra, a partir de Nothing Really Matters, en donde las canciones son una exposición de los cambios que Madonna estaba viviendo en aquel momento con su incursión en el judaísmo y el budismo y su rol materno.
El primer tema del disco es Drowned World / Substitute For Love. Originalmente, esta canción se llamaba Substitute For Love, pero fue renombrada para el lanzamiento del sencillo (el tercero de aquel disco). La composición le pertenece a la misma Madonna con William Orbit. Dicen que la participación del productor en este tema, fue determinante para la que quedara como el productor general de toda la obra. La temática de la canción apunta a desmitificar a la fama como el eje de la vida de Madonna, sobre todo luego del nacimiento de Lourdes. El video la muestra huyendo de los paparazzis al mejor estilo Lady Di y terminando en una habitación vacía con una niña esperándola, seguramente, representando a Lourdes. El tour con el que Madonna presentó Ray Of Light junto a su precesor Music fue denominado bajo el título de este track que abría el álbum.

Madonna haciendo una perfecta versión de Substitute For Love / Drowned World en el tour con el mismo nombre en el año 2001.

El siguiente tema habla sobre la purificación del mal karma: Swim (Nadar) se va desarrollando con el sonido del agua de fondo y convocándonos a que nos dejemos sumergir en el agua (elemento clave para la concepción de Ray Of Light) para lavar todas nuestras culpas y errores (o pecados): I can't carry this sins on my back / don't wanna carry anymore / I'm gonna carry this train off the track / I'm gonna swim to the oceans floor. Las guitarras que protagonizan este tema, marcaron un estilo muy particular en esta producción.
El siguiente tema no necesitaría presentación de no tratarse de un repaso escrito por la discografía de la Ciccone. Ray Of Light es la versión moderna de Like a Prayer. Tiene una fuerza que Madonna nunca antes había llevado a sus temas. Es como un hard rock electrónico. Está basada en la canción “Sepheryn” de Curtis Maldoon del grupo Bodce en 1971 y fue el sencillo más premiado de Madonna. El ritmo del tema es prácticamente ten frenético como el de la velocidad de la luz. Los alaridos de Madonna son estridentes y tiene una armonía muy difícil de seguir. Sin embargo, Madonna la acompaña perfectamente tanto en la versión de estudio como en la del show en vivo. El comienzo del tema con esa hermosa guitarra acústica se acopla a una metáfora de la salida del sol, el inicio de un día hasta el despertar y el tema estalla con toda su luz. La primera versión grabada duraba 10 minutos y fue recortada para incluirla en el álbum.

Madonna hace una excelente versión de Ray Of Light reivindicando su floja interpretación en los MTV VA de 1999

Candy Perfume Girl es el tema más distinto de todos y, aún así, conserva la esencia del disco. Es un tema tecno/pop con muchos sintetizadores y una muy buena guitarra eléctrica. El tema pareciera estar retratando una relación adolescente entre un chico y una chica. Muy hormonal por catalogarla de alguna manera: Candy perfume girl / the sacred nerve is magic poison. Esa frase podría referirse a la primera etapa de descubrimiento sexual.
Skin es el último tema de esta primera parte de Ray Of Light. Siendo uno de los temas más complejos, Skin habla de la necesidad del contacto físico como algo posesivo y abusivo. Una frase que refleja el concepto del tema podría ser con la que abre: Do I know you from somewhere? / Why do you leave me wanting more? / /Why do all the things I say / Sound like the stupid things I've said before? Son las típicas preguntas que uno se hace cuando conoce a alguien y no sabe que visión se llevó de nosotros. La melodía es hipnótica y el estilo del tema es más cercano al tecno que al pop. Según Madonna, es una canción totalmente visceral que terminó siendo algo muy distinto a lo que originariamente había pensado junto a su co-escritor Patrick Leonard.
Con Nothing Really Matters se abre la segunda parte del disco. Y este tema es el mejor para hacerlo. La frase más importante del tema es: Nothing really matters, love is all we need. Frase a la cual Madonna hace mención al igual que los Beatles, pero no en el sentido banalizado de que si uno ama a alguien no importa nada más que eso. Sino que el amor es la relación que nos certifica como seres humanos. Amar al otro y en ese amar no buscar la correspondencia del recibir. Presenta al amor como un fin al que uno llega mediante distintas situaciones y como un medio, pero no como una razón y justificación que nos absuelve ante cualquier cosa hacha por “amor” ya que realmente, no sabremos si lo que vivimos es amor, hasta que hayamos llegado a tener una relación en base a él y no sobre él. Madonna lo explica de esta forma: “Creo que el título lo dice todo. Nada de este mundo materialista merece la pena. Al final, lo que cuenta es el amor, compartiéndolo nosotros mismos y haciendo feliz a los demás. Hay una línea en el puente de la canción que dice 'Nada borra el pasado como el futuro', pienso que es una gran verdad. Todos hemos sido egoístas en el pasado, pero hay un momento en el que nos vemos atrapados por ello, sintiéndonos culpables y llenos de remordimientos. La única forma de cambiar nuestro karma es empezar de nuevo ahora y es así como podemos crear un futuro diferente para nosotros mismos y para los demás.” Fue presentado en los Grammys de 1999 en los que Ray Of Light se llevó varios premios. No fue incluida en el Drowned Wolrd Tour, pero la temática oriental utilizada en su videoclip copó todo un bloque de aquella gira.

Nothing Really Matters en vivo en los Grammys de 1999

El séptimo tema es una explosión de energía. Sky Fits Heaven es uno de los mejores temas del disco tanto por su melodía como por su letra y es presentado en vivo con una gran puesta en escena y coreografía inspirada en El Tigre Y El Dragón de Ang Lee. La canción habla de saber interpretar las señales que se nos van cruzando en la vida. Si uno logra interpretar bien esas señales, basándonos en el conociemiento propio y en la confianza por el otro, todo encajará en perfecta armonía.

La influencia del arte oriental en Sky Fits Heaven en vivo en el Drowned World Tour. Este es el único tema en el que Madonna hizo pista en esa gira por la agilidad que requerían sus movimientos aéreos.

En continuado con Sky Fits Heaven, comienza un reso budista: Shanti/Ashtangi. Está escrita y cantada en sánscrito. La letra se compone de algunos fragmentos de un poema llamado "Yoga Taravali", adaptada para la canción por Shankra Charya: “La inspiración me vino de Marius (De Vries), quien ha recopilado un montón de sonidos muy buenos procedentes de la India y Marruecos, de todo, desde música hasta los sonidos de los bazares. Esta influencia está en todo el álbum"
Frozen fue el primer corte del disco. Todo el mundo quedó más que conforme cuando lo escucharon por primera vez. Críticos, fans, todos. Madonna había madurado muchísimo. La clave de este tema es su clima místico y misterioso, logrado por unos violines muy poderosos, más un estribillo pegadizo, con letras imborrables y muy difícil de tararear por su clásico “Mmmmmmmmmm”: If I could melt your heart / We'd never we appart / Give yourself to me / you hold the key. Madonna intenta develar la mente de aquellas personas cuyos corazones de hallan congelados por el miedo a amar. La primera frase del tema es muy difícil de digerir: You only see what your eyes want to see. Y sigue diciendo que la vida no puede ser nunca lo que uno quiera porque si no abrimos nuestro corazón, estamos congelados ante los sucesos que nos rodean. Sin dudas, una de las tantas grandes letras que Madonna vino cosechando durante su carrera y que se encuentran muchas en este álbum. No podemos de dejar de destacar otras de las grandes frases de esta canción: You're so consumed with how much you get / you waste your time with hate and regret. Maravillosa. El video también debe ser tenido en cuenta para el análisis de esta canción en donde Madonna se encuentra en un desierto oscuro. El clima del video de por sí ya es oscuro y Madonna es rodeada por un manto, que por una excelente trabajo de edición, siempre va develando su rostro. Sus manos cubiertas de dibujos realizados con henna que tienen su significado en el yoga (el que lleva en la palma de la mano se llama "Ohm"), que le dan un aire más místico a su imagen. Esta costumbre india se llama "Mendhi".

Frozen, uno de los majores videos de Madonna

El tema que sigue, es unas de las mejores baladas de Madonna y una de mis preferidas: The Power Of Goodbye. Otra gran letra y muestra de enorme madurez de la cantante. La canción habla sobre el valor necesario para cortar una relación que ya no puede seguir prolongándose pero desde una persepectiva de aprendizaje: You were my lesson I had to learn / I was your fortress. El estribillo es una poesía: There's nothing left to try / there's no more places to hide / there's no greater power than the power of goodbye / there's nothing left to lose / there's no more heart to bruise / there's no greater power than the power of goodbye. La presentó en los MTV Europe Awards de 1998 acompañada sólo por la guitarra protagonista de la canción. Seguramente cuando uno escuchó las presentaciones en premios que hizo Madonna durante esos años, pensó que Madonna ya no podía cantar más en vivo, porque venía desafinando bastante. Sin embargo, para el Drowned World Tour cuidó cada detalle de su voz para poder cantar en vivo sin desafinar y moverse todo el tiempo.
El siguiente tema es una rareza en la carrera de Madonna: To Have And Not To Hold, es una especie de Bossa Nova electrónica. Una canción chiquita pero no menor. Madonna dice sobre ella: “Esta es la tercera canción de una trilogía que también incluye a "Frozen" y "The Power of Goodbye". Trata sobre estar por encima de las ataduras del mundo, dejando ir las cosas que nos mantienen avanzando, incluso si hay otra persona. Nos es tan duro entregarnos, pero cuando aprendemos a dejarnos ir, aprendemos realmente amar y respetarnos unos a otros". La letra dice cosas talez como: To love but not to keep / /To laugh, not to weep / Your eyes, they go right through / And yet you never do / Anything to make me want to stay.
Las dos últimas canciones son las más personales del disco. Little Star habla sobre el nacimiento de su hija. La melodía es preciosa y la carga emocional que tiene se evidencia en la interpretación de Madonna. Ya fue incluida en este blog por la muerte de mis hijos/gatos. La letra habla por sí sola, así que si quieren ir a la letra hagan click aquí.
Mer Girl... Permítanme, nuevamente, una licencia de primera persona: esta canción tiene mi nombre!!!! Lástima que no habla de mí sino de su madre muerta. La letra de la canción está compuesta a modo de sueño. Como un sueño de muerte de Madonna en el que hace un recorrido por todos sus temores desde el comienzo: I ran from my house that cannot contain me / from the man that I cannot keep / From my mother who haunts me / even though she's gone / from my daughter that never sleeps / I ran from the noise and the silence / from the traffic on the streets.
Es la cuarta canción que le dedica a su madre junto a Promise To Try (Like A Prayer), Inside Of Me (Bedtime Stories) y Mother And Father (del disco que aún no repasamos, American Life). Madonna cuenta cómo escribió esta belleza: "Empecé a escribirla mientras estaba en casa de mi padre. Estaba corriendo y empezó a llover, así que fui a refugiarme a un cementerio cercano al lugar donde me crié con mi madre. No es el cementerio donde está enterrada, pero es un lugar al que solía acudir a menudo. No paraba de llover, y el cielo estaba más negro que nunca. Resistí el instinto de echar a correr. Cuando regresé a casa, me invadió esa extraña sensación de melancolía. Todos se habían marchado y me alegré de encontrar ese silencio. Entonces escribí Mer Girl. En ese momento solo fueron seis líneas. Días más tarde escuché la música que William Orbit había preparado, y de vuelta a Los Angeles, tumbada en mi cama, escuchaba la melodía y acabé de escribir la canción". El tema fue presentado en dos partes durante el Drowned World Tour.
Todo eso, y mucho más es Ray Of Light. Hay algo misterioso que lo envuelve y no sólo el clima. A partir de este disco Madonna empezó a reservarse cosas; no tanto por no expresarlas en su música, sino para dejarlas madurar.
Comencé diciendo que Ray Of Light es un disco denso. Ella misma lo ha denominado así y es el mejor adjetivo para adjudicarle y de nuevo, no porque sea aburrido, sino porque hay que estar preparado para enfrentar a esta Madonna que, en esta producción, se permitió no entretener. Y en relación a mi hipótesis por la que comencé a escribir estos repasos, ese punto es clave, ya que a pesar de no intentar entretenernos, logró el mejor disco de su carrera hasta aquel momento, para ella y para todos. Es, sin dudas, un rayo de luz.

Etapa romántica: sueños a la hora de la cama

2009-02-20T06:31:00.000-08:00

Reconocer los fracasos, probablemente sea una de las principales razones que nos lleven al éxito, a corregirnos y seguir generando cosas nuevas, creativas y originales. Suena trillado pero eso es la que mantiene a Madonna en el tope de cualquiera lista. Después de lo que los críticos y el imaginario popular clasificó como una etapa decepcionante de Madonna (la que abarca la publicación del libros Sex, el lanzamiento del disco Erotica y todo su mambo con la sexualidad), la cantante dio vuelta la cara de muchos con una cachetazo, o también, se puede decir que se dio vuelta la cara a ella misma.
Fue así que en 1994, se rodeó de los mejores compositores y productores de la década como Brian Austin, David Hall, Nelle Hooper, Babyface y la mismísima Björk y lanzó el romántico y personal (aunque a esta altura ya es redundante ese adjetivo) Bedtime Stories. La variedad de productores le permitió abarcar una cantidad y diversidad de géneros musicales, cosa que Madonna, aún, no había experimentado. El disco tiene un ambiente trip hop/pop que pasea y coquetea con el blues, el R&B, el jazz, urban pop y el hip hop. Esa combinación tan ecléctica, tal vez, en las primeras escuchas, generaba un poco de rechazo. El rechazo típico que sentimos en el oído cuando un nuevo sonido aparece en el lugar de otro que esperábamos. Como cuando nos confundimos de vaso y tomamos algo que no esperábamos encontrar. Pero que si le seguimos dando la oportunidad, nos seduce. Eso es Bedtime Stories, una constante seducción, como antes de irnos a la cama.

Yo viví esa situación, pero tratándose de Madonna, no podía faltar algún tema super pegadizo y entrador que nos haría escuchar una y otra vez el disco. Es el caso del tema con el que abre: Survival, excelente elección para la apertura. El primer corte, el, otra vez, confesional Secret con una base de guitarra acústica preciosa y loops hiper movedizos. Otros temas como Don't Stop y la que conquistó a todos de primera, la melosa por donde se la escuche, Take a Bow, de la mano del oportuno, Babyface, que sí que sabe hacer baladas.
Secret, originariamente fue compuesta por Shepp Pettibone, colaborador de Madonna en su disco anterior, Erotica. Madonna lo grabó como un demo bajo el nombre de Something’s Coming Over Me, y luego, con los cambios de letra, terminó nombrándolo Secret. Según Madonna tiene que ver con la espiritualidad religiosa. Sin dudas, fue un cambio rotundo en el sonido madonnísitico al que estábamos acostumbrados. I’d Rather Be Your Lover es un muy buen tema hip hop, con un fragmento de “It’s Your Thing”, un rap interpretado por Lou Donaldson. Éste junto a Don’t Stop, son los temas más bailable del disco. Imposible no mover los pies.

Secret durante el Drowned World Tour en el año 2001.

En este álbum, abundan las baladas, y de las buenas: En Inside Of Me, Madonna habla
por segunda vez de la muerte de su madre: I will always have you / Inside of me / Even though you’re gone / Love still carries on / Love inside of me.
Por su parte, Forbidden Love, como bien lo indica su nombre habla de un amor imposible. Por lo que insinúa la letra, se trata de un amor que no está bien visto. Muchos críticos lo relacionan con las relaciones homosexuales. Yo creo que es una buena interpretación aunque algo corta. Madonna intenta relatar la frustración de un amor prohibido, ya sea hétero u homosexual. Love Tried To Welcome Me, es una de las más lindas baladas del disco: habla de la dificultad de amar: this are my lips but they whisper sorrow / this is my voice but it’s telling lies / I know how to laugh but I don’t know happiness / And I must confess instead of spring it’s always winter / And my heart has always been a lonely hunter. Unas de las mejores letras del disco.
Los temas Human Nature, Sanctuary y Bedtime Story merecen una mención especial. Estos tres temas son los más anómalos del disco y los tres se pelean entre ellos por ser el más intenso del disco. Human Nature es toda una declaración de principios de Madonna. Después de los escándalos “sexuales” de los últimos tres años, Madonna escribió esta canción para reivindicar todas sus acciones y perpetuar que no tienen ningún tipo de arrepentimiento: “Absolutly no regrets”. El video es uno de los más conocidos de su carrera, por la coreografía, la metáfora y la estética: Madonna aparece con un traje apretadísimo de vinilo, como si estuviera atrapada por su propias declaraciones, atrapada también en cubículos y sus bailarines con bolsas asfixiantes en la cara y atrapada entre sogas que la atan y no le permiten salir de ese encasillamiento. Madonna decía, para el horror de los censores de los medios: “I’m not your bitch don’t hang your shit on me”. En la última gira Madonna le dedica esta canción a su amiga e intento de heredera (licencia) Britney Spears. Durante el tema se ve un video de Spears encerrada en un ascensor aburriéndose y desesperándose. Al final se escucha la frase de su tema Gimme More: It’s Britney, Bitch.
Sanctuary, por su parte, tiene una melodía muy particular. Climática como ella sola y con una excelente interpretación de Madonna, la canción habla de la espiritualidad y de cómo encontrar vida y energía aún en los espacios menos pensados: Who needs a smile when a tear’s so full of like? / Who need a home with the stars up above? Junto a Love Tried To Wlcome Me, sin dudas es la mejor composición del disco.
El tema que (casi) da nombre a esta producción es Bedtime Story (hacer click aquí para ver la presentación en vivo del tema en los Brits Awards de 1995), compuesto junto a Björk. Muchos pensaban que este iba a ser un tema para irse a dormir y sin embargo, es más el tema que suena como soundtrack durante nuestros sueños. La islandesa se quejó muchísimo luego de trabajar con Madonna. Pero también se quejó muchísimo después de trabajar con Lars Von Trier en Dancer In The Dark. Comienzo a pensar que mi islandesa preferida es una quejosa. Madonna amó trabajar con ella. Tal vez a Björk no le gustó que Madonna retocara el tema a su gusto y piaccere, pero ojo, el tema era para un disco de ella. Nelle Hooper estuvo a cargo de la producción del tema. El video encaja perfectamente con la idea de un viaje al inconciente (los sueños). Está perfectamente armado a la manera freudiana. De hecho, fue expuesto en la galería de arte moderno de Nueva York. Sin dudas, aquí fue cuando Madonna supo cuál sería su próximo sonido por muchos años. Inspiración islandesa.
El último tema del disco es la balada Take a Bow (que también merece una mención especial). Es una de las canciones más importantes en la historia de Madonna. Este tema le gusta a casi todo el mundo, tiene un video excelente en donde vale la pena ver a Madona revolcarse en la cama calentándose con el torero, bien fiero y además de su excelente interpretación en la canción, su interpretación en ese video le valió el papel de Eva Perón en el musical de Alan Parker de 1997. Ya era conocida la devoción de la cantante hacia la primera dama argentina, hasta se podría pensar que la película fue hecha para ella. El film deja mucho que desear, no así la banda de sonido con la hermosa You Must Love Me de Andrew Lloyd Weber inspirada en la agonía de la mujer del General Perón . Por esa película Madonna ganó un Globo de Oro (la interpretación vocal es lo suyo) y cantó otra vez en los premios de la Academia por la nominación de You Must Love Me como mejor tema de película. A partir de Evita, la técnica de canto de Madonna cambió notoriamente. Cosa que evaluaremos en los próximos capítulos.Ese mismo año, quedaba embarazada de Lourdes, su primera hija.

Madonna puede no ser una gran vocalista, pero la interpretación de este tema desnuda su capacidad de involucramiento con las emociones y situaciones de las canciones que canta.

Bed Time Stories no fue un best seller ni un éxito comercial, pero sí la posicionó a Madonna como una artista ecléctica y totalmente impredecible. Revela la versatilidad de la cantante y su capacidad de generar nuevos estilos, nuevas facetas, como lo hace con su propia persona. Todas las canciones son buenas y de una calidad de grabación impecable. Otra muestra de que vender y complacer al público masivo o a los críticos, no siempre tienen que ver con la inspiración y creación de los artistas.

Profundo y más profundo

2009-01-24T04:47:00.000-08:00

“Poor is the man whose pleassure depends on the permission of another”
Justify My Love - Madonna Immaculate Collection

Sin dudas el comienzo de los 90´s fue el momento consagratorio de Madonna. Por más de que a veces se la relaciona más con el auge de los 80’s por ser pivote de la MTV (que en esa década parecía estar casi pariendo a Madonna), sin dudas, los últimos diez años del milenio pasado fueron los que marcaron a esta artista como la más influyente de la industria musical de los últimos 20 años.
Recapitulemos: Cuatro discos de estudio que vendieron millones de placas y en los que ella misma se superaba como compositora e intérprete notoriamente, matrimonio pasional y frustrado con uno de los actores más polémicos de Hollywood, haciendo juego con la polémica que seguiría Madonna a lo largo de su historia comenzando con mezclar a la religión con el sexo y el rock. Una mujer que marca tendencia en la moda, una gira que rompe récords de venta de entradas con un montaje inédito en el mundo, dos bandas de sonido de la cual una estaba un 90% a su cargo, seductora y que, aunque remitía a otra época, tenía todo su estilo: Strike a Pose, sé Madonna.

Así es que lanza al mercado su primera recopilación: The Immaculate Collection. Este disco es clave en su carrera. Muchísimos de sus fans de los ’90 se acercaron a ella por este disco, que contiene, sus más grandes éxitos hasta aquel momento, con algunas versiones remixadas, como la de Like a Prayer o Express Yourself. Además Madonna comenzaba con su faceta de destape sexual: lanzaba Rescue Me y el escandaloso tema compuesto con Lenny Kravitz, quien también hace los coros, Justify My Love, una de las mejores letras de Madonna (hacer click aquí) y un video maravillosamente excitante (literalmente). El video narra una fantasía sexual de Madonna y desde ya, fue censurado por los canales de música en aquel entonces.

Justify My Love. La primera fantasía sexual que Madonna difundía como parte de su carrera musical.

El siguiente disco de Madonna llegó en 1993 bajo el título Erotica. Los críticos especializados (?) lo defenestraron bastante por toda la movida publicitaria que acompañó al álbum demasiado enfocada en las fantasías sexuales que Madonna quería presentar. Sin embargo, para todos aquellos que entienden de la carrera de Madonna y de producción musical, Erotica, es considerado uno de sus mejores trabajos, uno de lo más experimentales y personales. Según la Rolling Stones es uno de sus mejores discos. Claro que tiene algunos excesos en cuanto al formato de las canciones: el CD comenzaba su reinado dejando atrás el vinilo. Esto permitía una duración mucho mayor de las piezas musicales. Algunos temas tienen excesos de duración y tal vez haya un tema de más en el disco. Sin embargo, no deja de ser una joya, no sólo por el concepto del disco, sino por la mezcla de ritmos y la metamorfosis a la que Madonna sometía su voz en cada uno de los temas. Un disco imperdible.
Al mismo tiempo Madonna grabó para la película A League On Their Own, una de sus mejores baladas: This Used To Be My Playground. La película trata del grupo de Baseball creado durante la 2° Guerra Mundial, compuesto por mujeres por la ida de los hombres a luchar. La letra es perfecta, no puede ser mejor: This used to be my playground / This used to be our pride and joy / This used to be the place we ran to / whenever I was in need of a friend / Why did it have to end? / And why do they always say don’t look back / though I wish that you were here with me where then there’s hope yet / I can see your face in a secret place / you’re not just a memory / “Don’t hold on to the past”, well, that’s too much to ask.
Si uno piensa en que al mismo tiempo que cantaba esa maravilla poética, con un video bastante metafórico, le costará conciliar la imagen con las exhibidas en el libros Sex, lanzado en paralelo a Erotica, superando la venta del disco.
Según palabras de la misma Madonna, el libro y el álbum apuntaba a desnudar la mentira de la sociedad yanqui, que siempre se jactó de censurar al sexo y sin embargo es uno de sus principales consumidores. Erotica habla del amor y el sexo separándolos, sin concebirlos como dos caras de la misma moneda. La gira Girlie Show del año 1993, es la que presentaba esta etapa de la cantante, superando en dirección artística al Blond Ambition. Estaba concebido como un espectáculo burlescos circense, rodeando la temática del sexo, el amor y el entretenimiento en sus distintos bloques. Este show traía a Madonna por primera vez a Latino América y a Oceanía (según muchos críticos, por la poca difusión de su último trabajo en los Estados Unidos).
El disco empieza con el tema homónimo que, por lo que sugiere la letra, pone en voz de una Madama del sexo sadomasoquista lo que es la experiencia sexual. Interesantísimos arreglos y composición. La interpretación de Madonna es perfecta. De hecho es por esa interpretación que desciframos cuál es su rol en esta pista. My name is Dita / I'll be your Mistress tonite / I like to put you in a trance. One you put your hand in the flame / it could never be the same / there's a certain satisfaction / in a litlle bit of pain / I can see you understande it / Tell me you're the same / If you're affraid of what I suposse: I only hurt the ones I love./ Give it up do as I say / Give it up and let me have my way / I 'll give you love / I'll hit you like a track / I'll give you love / I'll teach you how to ... (fuck). Bastante evidente, ¿no?

Erotica durante el Confessions Tour. Sorprendió a todos con una presentación con marcada sensualidad y sofisticación, oponiéndose a lo que el tema siempre connotaba.

El siguiente es ni más ni menos una versión tecno dance de Fever, el clásico que, entre otros, interpretaron Elvis Priestly y Peggy Lee. También respetó el orden de estos dos temas en la presentación del show. El número de Fever remite a relacionar la visión de Madonna sobre este tema con un triángulo pasional.
El siguiente tema podría considerarse el primer tema hip hop que se le escuchó a Madonna: Bye Bye Baby (This is not a love song, bye bye baby). El tema habla sobre tomar las riendas de una relación ya sea frustrada o que no se termina de concretar. De no dejarse opacar el otro en la dinámica de una pareja.
El cuarto track es Deeper and Deeper, el tema más disco/dance que se puede encontrar en Erotica. Madonna se auto referencia cuando al final del tema (remitiéndose al estilo tan bailable de la canción) se escucha uno de los versos más fuertes del tema Vogue: Let your body move to the music / You got to just let your bady go with the flow y sigue (como letra de Deeper and Deeper) I can't keep on falling in love with you / You know there's nothing better that I'd like to do. El video es un homenaje a Andy Warhol y la letra de la canción se la puede relacionar con el amor homosexual. Durante el desarrollo del tema habla de cosas morales y repite frases como “that's what my mamma told me” o “that's what my father mold me” y después dice: “Daddy couldn't be all wrong: Not gonna let you slip away, I'm gonna be there”. Típicas frases de padres que quiere corregir a sus hijos ante una mala elección. La versión en vivo del Girlie Show, representa una fiesta disco en la que todos terminan revolcándose en el piso simulando una orgía.

Deeper and Depper era el momento más zarpado del concierto con el que Madonna vino por primera vez a nuestro país en octubre de 1993.

Where Life Begins es uno de mis temas preferidos del disco. No me sugiere nada persona como otros temas que son superiores a nivel compositivo y de producción. Sin embargo, tiene una fusión de soul, hip hop, jazz y R&B muy interesante y de las más experimentales que se le ha escuchado a Madonna, por lo menos, hasta aquel momento. Además, la letra hace una analogía entre la salidas a cenar y conocerse con terminar acostándose con alguien y llegar a la intimidad y confianza necesaria como para practicar sexo oral: So won't you go down / where is warm inside / go down where I cannot hide / go down where all life begins / go down there's where my love is. Como si allí se pudiese comer la vida misma. Interesante analogía.
En ese período Madonna también volvía a incursionar en el cine con una patética película, que está empatada con Bajos Instintos (sólo que en esa por lo menos Sharon Stone está bien. Perdón Madonna, pero tu actuación allí es patética): El Cuerpo del Delito. Sí hay algo que Madonna hizo bien en esa película, y obviamente fue la música: el tema Bad Girl en cuyo video se remite a la película (el video la supera, obviamente) con la actuación del genial Christopher Walken. El tema narra la historia de una mujer desolada que no puede encontrar la manera de amar y ser amada. Harta de los fracasos amarosos confiesa que no es feliz de esa forma: Is it me or you that I'm affraid of? / I tell myself “I'll show you what I'm made of” / Can't bring myself to let you go. También alude a una frase como si fuese una muletilla que usa para romper esas relaciones: Don't want to cause you any pain / but I love you just the same and you'll always be my baby / In my heart I know we come appart / but I don't know where to start / what can I do? / I don't wanna feel blue.
Waiting tiene lo mismo que All Life Begings. Un excelente tema a nivel de producción. Muy buena interpretación de Madonna. Otro buen tema del disco.
Thief of hearts es un tema tecno, muy bien hecho que mucho no sugiere, pero que está bueno para poner en alguna fiesta.
Words es el único tema de Erotica que se puede saltear, es medio reiterativo en relación con Waiting y Thief of Hearts. Nada que valga la pena destacar.
En cambio, el tema que sigue es una de las mejores canciones que Madonna jamás grabó y escribió. Una balada de las más logradas como supo hacerlo con temas como Live To Tell y Promise To Try: Rain. Sólo citaré el recitado del tema porque habla por sí mismo. Son dos monólogos separados que Madonna va recitando paralelamente. Una canción que en su momento conmovió hasta los que criticaron fuertemente al album:
Waiting is the hardest thing
[It's strange I feel like I've known you before]
I tell myself that if I believe in you
[And I want to understand you]
In the dream of you
[More and more]
With all my heart and all my soul
[When I'm with you]
That by sheer force of will
[I feel like a magical child]
I will raise you from the ground
[Everything strange]
And without a sound you'll appear
[Everything wild]
And surrender to me, to love
La canción se basa en una composición analógico/metafórica del amor verdadero como una lluvia que lava el dolor y la angustia de una persona que esperó por él durante mucho tiempo. Your love's coming down like rain / when your lips are burning mine and you take the time / to tell me how you feel / when you listen to my words and I know you heard / I know it's real. El video fue dirigido por Mark Romanek, uno de los más prestigiosos directores de videos quien tuvo a cargo los clips de canciones como Criminal de Fiona Apple, Closer de Nine Inch Nails, Are You Gonna Go My Way de Lenny Kravitz, Free Your Mind de En Vogue, 99 Problems de Jay – Z y Bed Time Story de Madonna. Es uno de los videos más sutiles, estéticamente hablando, de Madonna, en donde los tonos negros, azules y grises se fusionan para lograr el clima de tristeza y esperanza necesario acompañados por los ojos azules de Madonna y su pelo negro como protagonistas. En el Girlie Show, la presentación de Rain supone el momento de mejor gusto del show, cuando Madonna y sus dos cantantes quedan solas en el escenario para cantarla en un hermoso juego armónico intercalándola con “Just My Imagination” de Temptations, seguido por un interludio de baile clásico mezclado con Singing In The Rain. En el Sticky & Sweet también fue el preludio del momento más refinado de la noche, cuando fue remixada con el tema Here Comes The Rain de Eurythmics para comenzar Devil Wouldn't Recognize You, tema de Hard Candy.
Los últimos tres temas del disco junto con Rain hacen un grupo de temas excelentes (en realidad son cinco si se cuenta Did You Do It que es un sampleo del tema Waiting pero que no aporta nada, sólo un poco de polémica por referirse al sexo). Why's It's So Hard hace referencia a la poca tolerancia que hay hacia las distintas formas de amar, ya sea amor erótico hetero y homosexual, amor fratenal, amor racial. Excelentes arreglos con una gran versión en vivo. Luego, In This Life, narra la historia de dos amigos de Madonna quienes murieron de SIDA a fines de los 80. El tema tiene como lei motiv unas notas muy tristes en el piano al igual que el estribillo, que contiene la pregunta: “What For?”. La interpretación de Madonna en vivo es emocionante. El último tema es el más experimental del disco: Secret Garden es una fusión de jazz con hip hop con largas intervenciones instrumentales y una Madonna que pasa de recitar roncamente y casi sin color de voz a cantar un estribillo lleno de nostalgia y dulzura.
Erotica es un disco sin desperdicio por donde se lo mire o escuche. Es el disco más conceptual de Madonna y el que más producción y post-producción supuso de la mano de Shepp Pettibone. La polémica que lo rodeó lo opacó, es cierto, pero no se puede decir que haya sido por lo que Madonna quiso hacer, sino por los tabúes de la sociedad en concebir que una mujer pueda expresar su sexualidad sin ser tildada de puta y reventada, trepadora y arrastrada. La sexualidad de Madonna tiene algo que muchos no podemos lograr. George Michael lo dijo en una entrevista perfectamente: la sexualidad de Madonna es muy de ella, y eso, el ser humano, no lo puede soportar.

Nota: El mejor tema del disco es Rain con 10 puntos y el tema más flojo es Words con 5 puntos por su ubicación en el disco y por reiterar el formato de los otros temas dance sin poder sostenerlo.

El amor después del amor

2009-01-12T13:58:00.000-08:00

La carrera de Madonna presenta altos y bajos como la mayoría de la trayectoria de los artistas. Los altos comos los bajos, no pueden ser caracterizados como simples hechos del azar o de la poca inspiración de un artista. Esa poca inspiración puede tener que ver con la obligación de sacar un disco por lo que dice el contrato con las voraces discográficas. Pero eso no es condición sine qua non de mala calidad del producto ¿Acaso no puede ser que por más obligación que se le imponga al artista, azarosamente, o por una cuestión de talento o astucia, ese trabajo sea supremo? Como bien dije, en este mundo, el éxito de un artista o de sus logros en las distintas esferas que abarca el arte a veces pasa por el talento, a veces por las influencias, a veces por la (des)inspiración y a veces, muchas, por la astucia.
Madonna es la combinación perfecta de todas estas situaciones, en donde reina, sobre todas, la astucia.
Pero hay un disco de esta diva en donde la inspiración se apoderó de sus cualidades realizando, así, el disco que según revistas como la Rolling Stones, es uno de los mejores discos de la historia de la música popular. Y hasta el año 1998, en este ranking que hizo aquella revista, era el único disco de una artista femenina que integraba la lista. Ese álbum, es el catártico y personalísimo Like a Prayer.
El disco no sólo es reconocido por su música, sino por el diseño de sus tapas, las fotografías, la nueva faceta de Madonna en su moda con una tendencia más grunge y sobre todas las cosas, muy mística y muy polémica. Lo promocionó realizando su primer tour que presentaba un espectáculo de estadio a grandes escalas, con geniales escenografías y coreografías. También, es reconocido como el primer espectáculo de rock de estadio que se dividía en bloques temáticos para la representación (teatral) de las versiones de los temas. Madonna resignó un poco el cantar en vivo para priorizar un poco más la representación visual utilizando el playback o la pista para apoyar su canto en dos o tres temas de todo el show de dos horas en el que baila casi sin parar. Aunque su técnica no es la mejor (que llegaría en la época de Evita) la manera en que se esfuerza para llegar a los agudos (que los alcanza siempre) es muy auténtica y le da una personalidad a su voz que fue su sello personal hasta el momento de interpretar a la política argentina. El show integraba su papel como Breathless Mahoney en la película Dick Tracy. La banda de sonido de la película, I’m Breathless, estuvo íntegramente realizada por Madonna. Se debe destacar algo de este disco. El clásico Vogue, insignia de la carrera de la cantante durante la década de los ’90, sale de esta producción. También se destacan el divertidísimo Hanky Panky (se recomienda hacer click aquí para ver la versión del Blond Ambition), Something To Remember (con una bellísima letra) y una de las mejores baladas de Madonna: Sooner Or Later, que tan bien interpretaba en los Oscars de 1991 cuando fue nominada como mejor canción de película. Probablemente la mejor performance en vivo de Madonna.

Sooner Or Later - I'm Breathless durante los Oscars de 1991

Volviendo al disco en sí, uno no puede más que deshacerse de elogios cuando habla de esta producción. Sin dudas la separación traumática con Sean Penn generó el afloramiento de tantas emociones en Madonna, valiéndole la composición de temas sobre esa ruptura, sobre la muerte de su madre, sobre el lazo con su padre y sus inclinaciones religiosas, que fueron centro de ese disco y de la polémica que desató la americana durante los años siguientes. El disco está dedicado a su madre “quien me enseñó a rezar”.

El primer tema es el homónimo del disco y, es claro, como una plegaria. Life is a mistery / everyone must stand alone / I hear you call my name / and it feels like home. Todos sabemos el escándalo provocado alrededor del video clip de esta canción: Madonna corriendo hacia una pequeña capilla, besándose con un santo, haciendo el amor con él en el altar, incendiando cruces. Arte. No era más que una devoción total hacia la religión y sin embargo la Iglesia se le puso como loca. En el Blond Ambition este tema seguía a una versión de Like a Virgin (perfecta alegoría) en la que Madonna simula (o no) una masturbación. Luego de representar la masturbación con una euforia descontrolada, las luces se apagan, la iluminan a ella y una voz en Off llama: God? (Dios?). No hay mucho más que agregar.

Madonna simula masturbarse mientras canta Like A Virgin en el Blonde Ambition Tour de 1991

El track número dos, es ni más ni menos que el clásico Express Yourself. Muy ochentas, con unos vientos interesantes. Una atmósfera de los temas más bailables de la época disco. Una letra muy lograda. Un temazo que tenía de las mejores coreografías para hacer en vivo, en este caso, en el tour, utilizaba pista. En la presentación del tema en los Video Music Awards de 1990, cantó y bailó en vivo acompañada por Niki Harris y Donna Delory, quienes le hicieron los coros y bailaron con ella durante unos 15 años (hacer click aquí). Un video que imitaba a la película Metrópolis de Fritz Lang. La voz de Madonna suena con mucha fuerza y desafío.
El tercer tema es una perla escondida de Madonna. Love Song la grabó y compuso junto a Prince, quien también produce el último tema del disco. El tema también es una alegoría a su relación con Sean Penn. Paradójicamente a lo que insinúa el título, la letra del tema aclara que esta no es una canción de amor: This is not a love song. Es una genialidad con el sello de Prince y una hermosa interpretación de Madonna.
El tema que le sigue era el relato de la relación con Sean Penn en los últimos tiempos antes del divorcio: They never laugh / not like before / she takes the key / he breaks the door / She cannot stay here anymore / he’s not in love with her anymore / the bruises the will fade away / you hit so hard with the things you say / I will not stay to watch your hate as it grows / You're not in love with someone else / You don't even love yourself / Still I wish you'd ask me not to go. El título de este tema es una ironía a lo que se supone que debe ser el matrimonio (otra cuestión que generó polémica), durar hasta que la muerte nos separe.
Promise To Try es una de las mejores interpretaciones de Madonna., probablemente por la carga emocional que tiene esta canción. Promise To Try es una catarsis sobre la muerte de su madre, cuando ella tenía 5 años, y cómo quiere recordarla de la mejor manera, cosa que tal vez le ha costado hacer: Does she hear my voice in the night when I call / Wipe away all your tears, it's gonna be all right / Don't let memory play games with your mind / She’s a faded smile / frozen in time / I’m still hanging on / but I’m doing it wrong. Toda la letra vale la pena (haga click aquí). La canta con un nudo en la garganta durante todo el desarrollo del tema, cosa que le da la unicidad de una verdadera obra de arte.
Cherish es una de las canciones con más alegría que jamás haya grabado. También hace referencia a su separación con Sean Penn pero del lado positivo: So tired of de broken heart and losing at this game / befote I star this dance / I take a chance in telling you / I want more than just romance / Cherish the thought of always having you here by my side / cherish the joy / you keep bringing into my life / cherish the strength you got the power to make me feel good / I perish the thought of ever leaving / I never would. El video lo dirigió Herb Ritts, el fotógrafo de True Blue, quien no se sentía capacitado para hacerlo. Aún así, sacó una de las más hermosas caras de Madonna: muy natural, en la playa, sin maquillaje, rodeada de sirenos y sirenitos.
Dear Jessie es una hermosa canción para niños escrita por el co - productor de este disco, Patrick Leonard, para su hija recién nacida Jessie. Madonna quiso incluirla en su disco ya que contemplaba una etapa de la vida familiar, tan citada en esta obra. Es hermosa de escuchar y en el video Madonna aparece como un hada animada que hace magia sobre Jessie. Los violines que son la base de este tema, van mutando hasta transformarse en la introducción del siguiente tema, mucho más oscuro, Oh, Father.
Sin dudas, otro de los más altos momentos del disco. Madonna insiste en que no es directamente a su padre a quien le canta, sino que es al vínculo con los hombres y cómo la relación con el padre es preámbulo de esto. Sin embargo, cuando uno ve el video no puede no hacer esta asociación. Una maravilla: Oh, father, if you never wanted to live that way / If you never wanted to hurt me / Why Am I running away? / You can’t hurt me now / I got a away from you / I never thought I would / You can’t make me cry / you once had the power / I never felt so good, ‘bout my self. Como ya hemos visto en el blog, tiene el mismo ambiente de confesión de Live To Tell, por eso las interpreta juntas en el Blond Ambition.
En Keep it together, por su lado, intenta exorcizar a todos los demonios que la persiguen en su historia familiar y narra la historia de su vida hasta ese momento y cómo la familia para ella fue clave. La versión en vivo en el Blond Ambition es un imperdible homenaje a Bob Fosse.

Keep It Together durante la presentación del Blond Ambition Tour

Spanish Eyes es una hermosa balada con ritmo español a lo Isla Bonita y me atrevo a decir que es mucho más hipnótica y poética que el éxito de su disco anterior. Le canta a un amor perdido a través de una plegaria con algunas frases en castellano mechadas como en aquel tema también. Por lo que insinúa el tema (no se encuentra mucha información en la web sobre él) ese hombre ha sido muerto en algo similar a una Guerra Civil: How many lives will they have to take? / how much heartahe? / how many suns will they have to burn? / spanish eyes / when wll they ever learn?
Lo último es una rareza. Art of Contrition es literalmente, una plegaria con la que comienzan algunas misas católicas. Sólo que está producida por Madonna y Prince, contiene voces gospel reproducidas al revés, al igual que la guitarra de Prince, que es la que aparece al comienzo de Like a Prayer y Madonna la hace cantada.

Por todo esto, hago hincapié en declarar, que así como a Fito Páez el amor le supuso su más grande inspiración y hacer su único excelente disco, El amor después del amor, que supera cualquier disco que se haya hecho en los últimos 15 años en este país, a Madonna el amor, le supuso lo mismo, pero desde otro lugar. Han dicho que este disco ha sido lo más cercano al arte que ha estado el pop. No se puede estar más de acuerdo. Porque todas las experiencias propias que Madonna había vivido en los años que precedieron a este disco fueron la gestación de sus emociones más oscuras y reveladoras a la vez de cuál era su potencial. A eso le sumó su astucia. Así, comenzó a gestarse lo que hoy conocemos como Madonna. Este fue el período más influyente de la cantante porque fue en donde su talento y dotes artísticos se fusionaron con el condimento de empresaria necesario.

True Blue: inspiración azul

2009-01-07T12:58:00.000-08:00

Es interesante hacer análisis y críticas en diacronía. Más cuando lo que se analiza tuvo cierta continuidad, a pesar de algunas interrupciones, a lo largo de un período mayor de 20 años.
En el caso de la discografía de Madonna, se puede aprovechar mucho la diacronía. Porque son tantos sus discos de estudio y a la vez tan comprometidos con su vida personal que, si uno se interna en conocer la historia que los rodea puede darse cuenta de cuáles son las condiciones de existencia que llevaron a Madonna a realizar ese disco, de esa forma, con esos productores y la elección de las temáticas a tratar en cada producción. Claro que esto sucede con casi todos los artistas comprometidos con sus carreras. Sus vidas empiezan a tornarse el eje de su inspiración.
A diferencia de los dos primeros discos que he tratado en el post anterior, el tercer disco de Madonna reveló un aspecto que los otros dos no habían demostrado excepto por un par de temas: su faceta romántica y adulta. Ese disco es True Blue (Verdaderamente Triste). Y la verdad, que el título es una ironía. Porque Madonna, hasta ese año, estaba felizmente casada y enamoradísima, de quien, por lo menos hasta la realización de “Truth Or Dear”, documental de su gira Blond Ambition (1991), ella reconoce como el amor de su vida: Sean Penn. El matrimonio terminó con denuncias de agresión de parte de Penn y Madonna lo dejó, quedando verdaderamente triste.
Digamos que, si uno no hace este estudio en diacronía, y no sabe que Madonna era la Madonna que sólo un año atrás se arrastraba por el escenario cantando Like a Virgin, no creería que se trataba de la misma persona. Digamos que True Blue, fue el primer disco en donde Madonna volcó sus infinitas metamorfosis emocionales y estéticas en su música.
Entonces apareció rubia con el pelo corto, con ropa entalladísima y con unos 10 kilos menos. Y esa diferenciación también se notaba en las melodías y arreglos de los temas.
El disco lo produjo Madonna junto a Patrick Leonard, quien la acompañó hasta Ray Of Light. También tuvo la colaboración de Stephen Bray. A su vez, por primera vez, Madonna se integraba a la composición de todos los temas.
True Blue abre con Pappa Don’t Preach, temazo. Uno aprieta play y suenan unos violines grandilocuentes que luego serán loopeados con una muy buena batería. Por su parte, Madonna mejoró su técnica vocal. No es la mejor, pero sí se la escucha menos nasal. Su voz se sostiene más en los graves y en los agudos se le nota que fuerza la voz, pero no pifia una nota. Esa era la nueva Madonna. En este tema, Madonna narra la historia de la relación de una joven con su padre, sólo que la mecha con un conflicto de adolescente embarazada. No era muy común que en medio del Gobierno de Ronald Reagan se hablara de la posibilidad de realizarse un aborto o de una muchacha joven que expresara sobre su sexualidad. Claramente, Madonna se oponía al aborto en ese tema. Aparentemente, un muchacho que la quiere mucho la dejó preñada y su padre, convengamos que no es de fiarle su hija a cualquiera y no esperaba eso de su niñita. Así que “la muchacha” le pide a su papá que no la rete, o mejor dicho que no la sermonee (…don’t preach). En el video Madonna está preciosa.
El tema que le sigue, en mi opinión, es uno de los mejores temas bailables. Por su letra, su ritmo, los arreglos vocales y una vez que se ve el video o las presentaciones en vivo en el “Who’s That Girl Tour” (1988) o en el “Blond Ambition” (1991), se ve que ese tipo de coreografía son las que sellaron un estilo en su baile: Open your heart with the key / One is such a lonely number. Originalmente el tema había sido escrito para Cyndi Lauper. Sin embargo, la cantante lo rebotó y Madonna y Patrick Leonard lo retomaron y le cambiaron algunos versos.

Madonna abrió el Who's That Girl Tour de 1987 con una versión hiper bailada de Open Your Heart preciosa.

White Heat es otro tema genial para bailar y que si uno la ve a Madonna cantarlo en vivo en la gira de 1987 entiende porqué tanta gente no cree que hoy por hoy pueda cantar sin hacer play back. La muchacha de 27 años, subía y bajaba escaleras bailando y cantando a la vez, sin agitarse.
El tema que viene guarda un lugar especial en la carrera de Madonna. Es el primer sencillo del disco y se lo considera su primer tema maduro: Live To Tell. Los críticos “especializados” (?) insistían en que este cambio de imagen iba a enterrar a Madonna porque era una producto prefabricado que sólo podía vender siendo siempre igual. Sin embargo, fue uno de los sencillos más exitosos de Madonna y True Blue vendió más que sus dos primeros discos. Ya desde el vamos, el clima que genera el tema es el de un confesionario, muy eclesiástico. El tema es digno de Fedor Dostoievski y formó parte del soundtrack de la película que protagonizaba su marido, “At Close Range”. Es un diálogo que Madonna tiene consigo misma en su cabeza sobre la posibilidad de develar sus secretos y contradicciones. Ella misma la ha nombrado como su canción preferida. No tiene ningún desperdicio. Sin dudas, uno de sus mejores temas: if I ran away, I'd never have the strength to go very far / how would they hear the beating of my heart / will it grow cold / the secret that I hide, will I grow old / how will they hear / when will they learn / how will they know

Live To Tell/Oh,Father representando algún tipo de confesión en el Blond Ambition Tour 1991

Where’s The Party es un tema hiper bailable que Madonna suele mechar en sus presentaciones en vivo, para darle más connotación fiestera al ambiente. Nunca fue un sencillo pero sí formó parte de la compilación de Megamixes que se lanzó en 1987 llamado You Can Dance.
El tema que le da nombre al disco es una balada con ritmo cincuentero, cuyo video también remite a la época en la que los padres de Marti McFly se conocieron en Volver Al Futuro. Se supone que hay dos versiones de ese video pero la que se conoció acá es la que menos se difundió. La canción habla de su relación con Sean Penn, y es por ello que nunca más la tocó en vivo. Tiene una melodía muy linda, con una estructura de verso, estribillo y puente muy lineal. Sin embargo, la dulzura de la letra y la interpretación de Madonna, la hacen ser una canción hermosa para escuchar: Don’t want more sadness, I kiss it good-bye / The sun is bursting right out of the sky / I searched the whole world for someone like you / Don't you know, don't you know that it's true love.
El track número siete es ni más ni menos que La Isla Bonita. Uno de los hits más exitosos de la cantante, incluido en casi todas sus giras, exceptuando The Virgin Tour y el Blond Ambition. Fue escrita por Patrick Leonard para ser incluida en el disco Bad de Michael Jackson quien la rechazó. Madonna modificó la letra y la hizo marca registrada. La canción narra la historia de una inmigrante que dejó su pueblo natal, San Pedro. Fue el primer acercamiento de Madonna a la música hispano/latina. Incluye versos en castellano, cosa que hasta ese momento no era nada común y tiene una estructura muy atractiva con compases de flamenco y algo de bolero.
Jimmy, Jimmy es otro tema semi cincuentero al estilo True Blue pero con un ritmo más ochentoso y muy pegadizo.
El disco cierra con el primer tema que fue grabado para este álbum en el año 1985 y que Madonna interpretó en vivo en el Live AID de ese año. La temática es especial para aquella ocasión ya que hablaba sobre la injusticia social y la falta de paz y conciliación en la humanidad: Love means to understand / Reach out for someone's hand / 'Cause everything you do / Comes back in time to you / We have to change our fate / Before it gets too late.
True Blue era todo un desafío en la carrera de Madonna. Tenía que hacer algo lo suficientemente bueno y maduro como para ganarse a los críticos que la veían como un fenómeno adolescente que no iba a llegar a ningún lado. Su cambio de imagen plasmado maravillosamente en la tapa del disco por el fotógrafo Herb Ritts fue su carta de presentación. De la misma manera, la calidad de la grabación fue una de las mejores de ese momento y las canciones, todas, demostraban que su experiencia en la industria musical y en su vida personal comenzaba a fusionarse para hacer una de las carreras más prolíferas de la historia.

Nota: teniendo en cuenta interpretación, arreglos instrumentales y vocales, producción, composición muscial y lírica, calificaré el mejor y el más flojo de los temas de los discos de Madonna. En este caso Live To Tell se lleva 10 puntos y Love's What Makes The World Go Round, 6.

Primera etapa: la chica juguete

2008-12-30T06:59:00.000-08:00

La década de los 80 tuvo una gran protagonista: la imagen. Fue la década en que aquellos peinados raros, delineadores y rimmel en pestañas masculinas y calzas fucsia flúo comenzaban a copar la vida cotidiana de la cultura occidental. Fue la década en que los sintetizadores transformaron el sonido de bandas como Genesis y la década de MTV.
En el año 1984 la cadena MTV comenzaba su transmisión rotando el video de The Buggles, Video killed the radio star. Toda una declaración. Así fue como muchísimas bandas enfocaron su música cada vez más a la imagen que podía hacerse de sus canciones. Sin señalar esto como algo negativo. El videoclip, como concepto es muy básico, pero lo que han hecho grandes músicos de la mano de excelentes directores con este formato, es supremo: Thriller de Michael Jackson, Jeremy de Pearl Jam, Smells Like Teen Spirit de Nirvana, Weapon Of Choice de Fatboy Slim y la lista sigue. Y MTV fue el río por el que corrió Madonna.
En el año 1983 la chica que había dejado su hogar paterno (su madre murió cuando ella tenía tan sólo 5 años) para probar suerte como bailarina en Nueva York, hizo su aparición en las radio con el primer sencillo “Everybody”, un temita con ritmo sincopado que no pegó mucho en su momento pero que con el tiempo se convirtió en un referente de lo que Madonna siempre quiso transmitir con su música: “Let the music take control/Find a groove and let yourself go”. Este sencillo junto a Burning Up (explosivo tema con un video muy ochentas) luego comprendieron lo que fue su primer disco: Madonna, the first album. Los tres temas más clásicos de esta producción son Holiday, Borderline y Lucky Star. Todos con un sonido muy pop, con mucho sintetizador, algo funky y con temáticas distintas en sus letras. Borderline es la más similar a una balada. La voz de Madonna sonaba mucho a la de una adolescente aunque ya había pasado los 23 años. También se la había creído negra, ya que en la tapa de los sencillos lanzados al mercado no estaba su cara. No fue tanto su voz, sino el ritmo pegadizo y funky que proponían sus canciones. El resto de los temas son todos más o menos similares: I know it y Physical Attraction. Lo que atrajo de Madonna fue su estilo, sus videos y su voz de niña desafiante. Al igual que los primeros discos de los Beatles, no aportaban mucho a lo que vendría después, sin embargo fue el comienzo. Entonces, en 1985, sale a la venta “Like a virgin” producido por ella junto a Stephen Bray y Nile Rogers, líder del grupo Chic y compositor y productor de varios de lo más grandes hits de la década del disco y ochentas tales como We Are Family de Sister Sledge y Let’s Dance David Bowie.
Casi todas las piezas fueron escritas por Madonna en cooperación con los productores. Hablaban básicamente de diferentes situaciones por las que se pasa cuando se está enamorado y otros temas que apuntan más a referirse a la personalidad de la cantante. Ya es sabido todo lo que este disco supuso. Controversias por nombrar a la virgen, por ponerse un vestido de novia en el video clip y gemir, sumándole la presentación en los primeros MTV Video Awards de la historia, en los que se veía a Madonna en vivo revolcándose por el piso, cantando y gimiendo al ritmo de Like a Virgin, que era presentada por primera vez ante el público, también con un vestido de novia (antes de su gira por Canadá y USA “The Virgin Tour”). Ahora sí, muchos se preguntaron quién es esa chica.

Like a Virgin es uno de los discos que más marcó a Madonna en su carrera, porque la hizo incluir sus concepciones de la religión y de la vida de una joven a su música. En esta etapa, su estética dejaba de coquetear con el punk para “feminizarse” un poco más. La foto de la tapa en la que aparece vestida otra vez de novia con un cinturón que dice “Boy Toy” le deben haber supuesto varios de los 12 millones de discos que vendió este álbum en su momento y sigue sumando. Los temas más importantes son: Material Girl (tema que la encasilló por años con esa característica, con un video réplica del número de Marilyn Monroe en “Los caballeros las prefieren rubias”. Este video marca la próxima etapa de Madonna, mucho más refinada y volcada hacia el estilo “Hollywood”), seguido por Like a Virgin, declaración sobre las emociones de una virgen a la hora de entregarse a un hombre por primera vez (imperdible el diálogo de “Perros de la calle” de Quantin Tarantino sobre esta canción). Tuvo otros sencillos como Dress You Up, un tema en donde Madonna luce un poco más su voz, Angel, Over and Over, el pegadizo Into The Groove, con un puente muy bueno, Shoo-Bee-Doo, Pretender y Stay. En ese mismo momento también se lanzaba “Crazy for you” como parte del soundtrack de la película Vision Quest. Uno de sus grandes éxitos por entonces con una de sus primeras buenas interpretaciones. Todos temas con muy buena producción pero más allá de que eran buenas canciones, Madonna todavía no mostraba mucho su capacidad de interpretación (que no es lo mismo que la capacidad vocal). Sin embargo, hay una perla en este disco, que sí muestra su capacidad de interpretación: “Love Don't Live Here Anymore”. Probablemente una de las mejores baladas de Madonna con una interesante lírica poética. El título es una hermosa metáfora de un abandono amoroso que ella va narrando con melancolía y congoja durante lo que dura el tema, de manera creciente en su desarrollo. Ahí se veía que Madonna, quería más que entretener.

2008-12-29T13:24:00.000-08:00

Harta de la muletilla: “A Madonna no se le pide buena música, se le pide entretenimiento” voy a dedicarme, lo más periódicamente que me sea posible, a hacer un repaso por la discografía de la artista más influyente de los últimos 20 años en su género (femenino/pop) tanto dentro de la esfera de la industria musical como en la moda y hasta la literatura. Así como Madonna ha inspirado a otros artistas de los más diversos ambientes, ella también ha sido influenciada por otros músicos, corrientes artísticas y productores. Es importante entender al pop como popular, hipergénero que abarca hasta al rock. Tiene más que ver con la práctica de difusión y reconocimiento de una banda o solista que con el tipo de música al que adhiere.
Mi repaso será una mezcla de crítica con información general de cómo se han compuesto y realizado todos los discos de estudio de Madonna (dejando afuera los soundtracks de Desperatly Seeking Susan, Who's That Girl?, Dick Tracy y Evita) contextualizándolos con los momentos por los que transitaba su creadora, las giras que acompañaron sus presentaciones, sus silencios y sus reconciliaciones con sus propias resbaladas. También se hará mención a los discos de compilación ya que todos marcaron alguna tendencia y rumbo en las posteriores producciones de la “rubia”.
La idea es que una vez que haya terminado este repaso (más o menos a mitad de año, jajaja), aquellos que logren comprender la intensidad con la que Madonna ha trabajado durante 25 años, evidencien que su trayectoria puede equipararse sólo (salvando distancias) con lo que los Beatles han evolucionado disco a disco.

Lo prometido es deuda

2008-12-28T08:20:00.001-08:00

Les subo los videos de Madonna que les prometí. Aunque no pude subir el homenaje a Evita por lo pesado que es, creo que esto lo van a disfrutar mucho, mucho. Enjoy!

La anfitriona y sus circos

2008-12-18T17:47:00.000-08:00

Durante el 4; 5; 7 y 8 de diciembre, el estadio River Plate albergó durante un total de 9 horas a un aproximado de 260.000 personas que asistieron a uno de los mejores espectáculos internacionales que visitó nuestros país: El Sticky & Sweet Tour de Madonna. No hace falta más presentación. Es cierto que teniendo en cuenta el despliegue escénico, de elenco y de vestuario, este es el mejor y más completo show que hemos visto en suelo argentino. Sin embargo, hay cuestiones que conceptualmente no pueden terminar de definir este show como el mejor de todos los que Madonna haya realizado. Se recurre a muchos trucos para que no se evidencien algunas fallas de interpretación vocal de la cantante y no cuenta con una gran grado de espontaneidad y conexión con su público. Pero, fuera de eso, sí, el Sticky & Sweet nos trajo todo lo que ya sabíamos que íbamos a ver. Es ridículo querer marcar la utlización de pistas en algunas ocasiones como una falta de "honestidad artística". Ese fundamentalismo musical en este caso es simplemente un recurso para encontrarle alguna "macana" a Madonna. Nadie esperaba a Annie Lennox cantando, ni a la humildad y espontaneidad de una artista despreocupada por mostrarle a su público el resultado de su enorme trayectoria incomparable y talento único para armar giras mundiales en concepto de espectáculo de entretenimiento como lo hace, desde hace ya más de 20 años, Madonna Louis Veronica Ciccone. Si tenemos que hacer un recorrido por los tours de la americana, sin dudas, este no es el mejor, el más personal, o el más entregado a su público. Es justamente por eso, que podemos elegirlo como el que más nos guste o no, pero no queda descartado. Su primera gira Mundial (dejando de lado The Virgin Tour que sólo recorrió Estados Unidos y Canadá) Who's That Girl Tour la mostraba en su etapa más austera: escenarios más sencillos, menos puestas en escena, pocos bailarines y menos parafernaria. Ella, hermosa, cantando sin agitarse, bailando como la buena bailarina que es (nunca fue excelente, por eso dejó sus estudios de baile). Después de esa gira del año 1987 llegaría la gira mundial, que según varios críticos, ha cambiado el concepto de show de Estadio más allá de lo que Pink Floyd o Genesis pudo haber brindado a nivel visual y musical: El Blond Ambition Tour. Esta gira, en un principio iba a llevar el nombre de su último disco hasta aquel momento: “Like a prayer”. El tour se pospuso por su participación en la película Dick Tracy y la grabación del soundtrack respectivo. Cuando Madonna se propuso armar aquella gira la pensó en cuatro distintas temáticas, composición que repetirá en sus 5 giras mundiales posteriores. Puede verse en Wikipedia un muy buen desarrollo de los contenidos y producciones de los tours de Madonna, vale la pena para entender la manera en la que concibe sus shows. Ateniéndonos nuevamente al espectáculo que visitó nuestro país, repetimos, no es el mejor show de Madonna. Pero sí es arrollador. Sí mantiene vivo el espíritu de entretenimiento que uno busca en Madonna y sí tiene una calidad suprema y casi insuperable, posible sólo por ella misma.

El concierto se separa en cuatro temáticas: una al estilo “ capo de una mafia” con mucho glamour en las que interpreta "Candy Shop”, "Beat goes on", “Human Nature” y el clásico “Vogue”. En "Human Nature" puede verse un video de Britney Spears encerrada en un ascensor estancado, aburrida y un poco desesperada como una metáfora de su carrera. En "Beat Goes On", Madonna hace un trío (virtual, aparecen en las pantallas) con Pharrel Williams, quien produjo el 40% de los temas de su nuevo disco y el compositor de ese tema junto a ella, el genial, Kanye West. Todo ese despliegue de imágenes es acompañado por la aparición de un Rolls Roys en escena y Madonna cantando en vivo mientras hace 5 sentadillas seguidas a lo ruso en el piso. Después de una versión en video de su tema apocalíptico y psicoanalítico “Die Another Day”, comienza la segunda etapa del show: Old School, de la vieja escuela. En donde Madonna hasta salta la soga cantando y bailando al ritmo del pegadizo “Into The Groove” (donde por momentos se apoya en la pista pero no todo el tiempo) y la versión rockera de “Borderline” en la que Madonna nos hace creer que “toca” la guitarra. Y como es justamente lo que ella es, una performer, no importa si tiene la técnica apropiada. Hace que rockea y le queda bien. Claro que desafinó mucho en esa versión y sus coristas la ayudaron mucho en varias notas que tal vez ahora le cuesta más alcanzar que a los 24. Pero, seamos realistas: como dije al principio, Madonna no es una cantante, es una performer, es mucho más que una voz y su aptitud de intérprete no puede ser cuestionada. En ese bloque también estaba incluida la canción que tal vez más se acerca al estilo Madonnístico en su último disco: la hermosa “Heartbeat”. Una declaración de principios para todos los que se conectan con el baile como lo hace ella, al mejor estilo Billy Elliot.

Luego fue la hora del estallido con “Music”. Hubo varios esa noche, pero “Music” fue el que primero hizo asomar un poco de desquicio entre los allí presentes. El siguiente bloque se envestía con la temática Gitana, pero el interludio que lo encabezó fue un hermosísimo video clip en vivo seudo oriental que mezclaba “Rain” con “Here Comes The Rain Again” de Eurythmics mientras dos bailarines hacían una coreografía de origen oriental. Al terminar el ruido de la lluvia persistía por lo que, para los que conocemos el útlimo disco, supusimos que le tocaba a uno de los mejores temas que allí se pueden encontrar junto con “Heartbeat”; “Devil Wouldn't Recognize You” compuesta junto a Justin Timberlake. En este tema Madonna asciende al escenario desde abajo sobre un piano y es rodeada por una pantalla redonda con imágenes de lluvia que se va elevando con el desarrollo del tema, hasta que el piano queda al descubierto hacia el final de la canción. La mísitica del show fue otra.

Todo show de Madonna tiene en algún tramo de su recorrido hacia el fin de entretener, algún pasaje totalmente artístico: en el Blonde Ambition es cuando canta "Oh! Father", en el Girlie Show cuando interpreta "Rain" conjugándola con "Just My Imagination" de los Temptations sucedido por una coreografía al estilo baile clásico con la música de "Singing In The Rain" sampleando a "Rain"; en el Drowned World Tour, hay muchos de estos momentos como todo el bloque en el que relata la historia de una geisha con referencias a "El Tigre y el Dragón" y emocionante versión de "Frozen" en donde Madonna luce bastante su voz; cuando canta "What It Feels Like For A Girl" en vivo en castellano, o cuando canta "La Isla Bonita" acompañada sólo por un cajón al estilo peruano, su guitarra y los bailarines (sin dudas el tour, tal vez junto al Confessions, donde Madonna más se concentró en desarrollar los bloques lo más artísticamente posible, cantando sin utilizar pistas en casi ningún tema excepto uno, y a medias). El bloque Gitano propiamentedicho comenzó con Spanich Lesson, un tema más. Lo siguió la balada “Miles Away” (también con autoría conjunta con Timberlake). Este fue otro de los momentos de estallido: todo el público aplaudiendo al ritmo de las guitarras españolas. Hermosa versión del tema que podría ser el preludio de la separación de la cantante con su ex marido Guy Ritchie: You always love me more, miles away/ I hear it in your voice when you're miles away / You're not afraid to tell me, miles away / I guess we're at our best when we're miles away.

"La Isla Bonita" fue el momento más festivo de la noche. Junto a un grupo de gitanos rumanos (¡¡¡de Rumania!!!) hizo la versión más tradicional de este tema que fue incluido en casi todos sus tours. Fue un momento de delirio para todos los que estaban allí, arriba y abajo del escenario. Lo que vino fue ni más ni menos que un homenaje a su participación en la película Evita. Y yo me animaría a decir que fue un homenaje a Eva ¡Madonna es peronista! Se los aseguro. No sólo cantó "You Must Love Me", tema compuesto por Andrew Lloyd Weber especialmente para que lo cantara ella como Soundtrack de la peli, sino que luego, nos regaló a nosotros una versión de "Don't Cry For Me Argentina", donde todo el escenario se vistió de banderas argentinas y las pantallas de fans que la venraban como si fuera Evita. Ella agradeció extendiendo sus brazos y mandando besos igual que la Primera Dama. El último tramo mechó los temas más poderosos: 4 Minutes, Like A Prayer, Ray Of Light, Hung Up en versión rockera, y el agresivo Give It To Me, excelente tema para terminar. En 4 Minutes, literalmente, apareció Justin Timberlake SOBRE el escenario. Claro que en su versión de pantallas transportables. Pero sin dudas, el momento más emotivo fue cuando el estadio se transformó en una enorme Iglesia al Estilo Gospel aplaudiendo y cantando Like A Prayer. Emocionante, mucha piel de gallina. Ray Of Light también desató mucho ya que su estribillo tiene mucho de “cancha” ("ena fiol"). Un show con todo. Lejos del misticismo y emotividad del Blonde Ambition, de la treatralización del Girlie Show, del clima Punk/Rave de Drowned World Tour y del glamour del Confessions. Ya he comentado mi opinión sobre el Girlie Show en este blog cuando me enteré de que volvía a presentarse en Buenos Aires. Esa gira fue un antes y después de mi vida, y esa vez no pude verla. Pero Madonna se supera siempre. Sea mejor o peor un disco que otro, sus shows siempre van un paso más adelante, más allá del gusto o preferencia que pueda tener cada uno. Para mi criterio, este no es el más lindo, ni el más personal, o, simplemente, no es el que más me gustó. Pero es en el que tuve la oportunidad de estar y comprobar lo que Madonna logra con sus shows. Una máquina de entretenimiento al máximo que nunca puede decepcionar a nadie. Que no nos haga esperar más.

Nota: por complicaciones técnicas, no se han podido subir todos los clips pertenecientes al DocuMERtal. Estarán siendo subidos lo antes posible. Se priorizó la importancia de la cercanía de la crítica al momento en que se realizó el show.

Te doy una canción

2008-12-10T13:46:00.000-08:00

Quiero dedicarles esta canción a mis tres bebés que se fueron de mi lado pero que están de alguna otra forma (llámenlo recuerdosm, ánegeles o pulgas)

Little Star - Madonna

Never forget who you are
Little star
Never forget how to dream
Butterfly

God gave a present to me
Made of flesh and bones
My life, my soul
You make my spirit whole

Never forget who you are
Little star
Shining brighter
than all the stars
in the sky
Never forget how to dream
Butterfly
Never forget where
you come from
From love

You are a treasure to me
You are my star
You breathe new life
Into my broken heart

Never forget who you are
Little star
Never forget how to dream
Butterfly

May the angels protect you
And sadness forget you
Little star

There's no reason to weep
Lay your head down to sleep
Little star

May goodness surround you
My love I have found you
Little star

Shining bright

You breathe new life
Into my broken heart

Never forget who you are
Little star
Shining brighter
than all the stars
in the sky
Never forget how to dream
Butterfly
Flying higher than
all the birds in
the sky

Never forget who you are
Little star
Never forget where
you come from
From love

Little star
Little star
Little star
From love

Adiós al Padrino

2008-12-08T14:43:00.000-08:00

La alegría siempre es retraíble, el dolor, no. El dolor lo sepultamos una vez que superamos el duelo. Y lo que queda, son los buenos momentos. No sé si esto es bueno o no. Pero necesito sacarme el dolor de adentro. Por eso, pospongo la publicación del repaso del show de Madonna para escribirle a uno de los seres más queridos y, seguro, uno de los más especiales de mi vida. Luca. Mi gato Luca, que hoy, se puso a dormir.

No puedo parar de llorarlo. Así como en su momento no pude parar de llorar a sus dos hermanos, Tobías y Maia. Los tres fueron los únicos de los 10 gatos que mi madre entró a mi casa que llegué a sentir como realmente míos desde su entrada a nuestro hogar. Será porque desde que eran bebés me encargué de ellos. Distinto es ahora con mi hermosa Blanca, quien se apoderó de mí.
Además, hay todo un contexto que hace que la muerte de Luca mueva, muy seguramente, otras capas que comenzaron a pelarse de mi cascarón este año. Año duro y lleno de peripecias. A su vez, año lleno de confirmaciones positivas y buenos augurios. Año contradictorio si los hay. Un año muy humano.
Pero Luca ya estaba grande. No era joven como Tobías, ni bebé como Maia, que por un accidente vivió sólo un año y medio. Luca vivió a lo grande. Su vida fue una fiesta. Y, sin dudas, fue el gato más generoso y pacífico de la Tierra. Capaz de sacarle el prejuicio sobre los gatos a un mínimo de tres personas (comprobado empíricamente) que el día de hoy, aman a estos maravillosos animales.
Recuerdo toda mi vida con él. Desde mis trece años, Luca estuvo ahí ¿Será casualidad que entró a mi vida en esa dura etapa que es la adolescencia y se fue este año en el que me vi tan adulta? No lo sé. Sólo él y yo conocemos el vínculo que nos unía. Fue capaz de unir a la familia, de calmar a muchas fieras y de seducir con una panza de 4 kilos (eso pensaba sólo su panza). Recuerdo todos sus apodos, todas las canciones que le regalé, las piruetas que aprendimos juntos cuando su físico se lo permitió. Recuerdo a Luca. Su nombre fue una mezcla de Luca Prodan y la canción de Suzzane Vega.
Siempre que un gato luzca su panza sentándose como ser humano, voy a verlo a Luca. Y en cualquier mirada azul de gato siamés voy a ver sus ojos melocotón, acompañados por panza de chocolate y orejas de dulce de leche.

You were my lesson I had to learn
I was your fortress
Ther's nothing left to lose
There's no more heart to bruise
There's no greater power
than the power of good bye

The Power Of Good Bye - Madonna

La pregunta pendiente (Parte II)

2008-11-17T16:17:00.000-08:00

Todos tenemos esa pregunta.
Cada uno vuelca su intriga en relación a distintos aspectos del acontecer de su ser en este mundo. Otros de la relación de fuerzas entre la naturaleza y el trascurrir humano.
Cuántas personas buscan el amor en el lugar erróneo porque es el día de hoy que no saben qué están buscando de una pareja. Otros se preguntan si el amor realmente supone el vínculo "amoroso" (entendido como vulgarmente se lo refiere). Hay quienes se preguntan por el porqué de sus degracias. El famoso qué-he-hecho-yo para-merecer-ésto es una de las preguntas retóricas más escuchadas en la faz de la Tierra, sin dudas. Especialmente por esa concepción tan cristiana de que lo que nos pasa es un mandato a partir de todo lo que hemos hecho o dejado de hacer en nuestras vidas. No por causa y efecto sino como si merecer tuviera alguna condición divina de aparición.
Un nombre
Una sensación que nos acosa cada día
La mala experiencia de otros como si nos estigmatizara
Nuestras historias particulares

Nos preguntamos constantemente por qué han fracasado nuestros padres en nuestra crianza y nos toca hacernos cargo de ello. Por qué en cuanto cortamos una relación necesitamos continuarla con otra persona. Por qué buscamos refugio en el hombre. Cómo resolver las cosas... nuestra cabeza. Nuestras decisiones parecieran ser respuestas a estas preguntas, sin embargo no lo son. Cada acción que nos proponemos realizar conlleva a más y más preguntas. Cada vez suena más convincente el hecho de que somos puro inconciente en nuestra generalidad. La conciencia es sólo esa parte del inconciente de la que estamos acompañados cuando sentimos los pellizcos.

La pregunta pendiente (Parte I)

2008-11-06T17:14:00.000-08:00

Hay muchas preguntas que no podemos contestarnos a lo largo de nuestras vidas. O por lo menos, hasta hoy, no hemos podido hacerlo. En mi opinión personal, creo que es por eso, que todos los días, seguimos levantándonos a la mañana y aceptamos sumergirnos en ridículas rutinas que nunca proponen despertarnos de nuestro sueño en el que todo, es siempre igual. En algún punto, ese algo que no podemos respondernos, algún día, aparecerá.

Eso es lo que hace de Lost la mejor serie de televisión que se ha visto en la historia, de la mano de su precedente Twin Peaks del excéntrico David Lynch. No se preocupen, no voy a hablar de nada de lo que allí sucede ni de qué personaje supone qué lazo entre punto y punto de la historia. Quiero señalar la cualidad del director J.J. Abrams y los guionistas de la serie Damon Lindelof y Jeffrey Liebre por la que logran jamás descarrilarse de esta premisa. La perfección con la que en cada episodio se van no develando las historias. Claro que no se develan. Por eso, día a día (o DVD tras DVD) no podemos dejar de ver el capítulo que sigue. A pesar de pasar cosas extremadamente surrealistas en esa Isla (créanme, va con mayúsculas) todos sabemos que por algo pasan. Con eso, pareciera ser suficientey no nos importa saber porqué. Más nos importa saber cuál es el lazo entre todos los personajes. Por qué están ahí. Por qué ellos. A medida que la historia avanza (por lo menos hasta la tercera temporada), estas preguntas parecen enterrarse cada vez más en el misterio de la Isla.
Lo que permite esta conexión con la historia, es sin duda la caracterización de los personajes de la mano de excelentes actores que hacen que todas las historias nos involucren hasta puntos insostenibles y no podamos dejar de rogar por respuestas. Será por eso mismo que no les llega el guión a los actores hasta el mismo día del rodaje. Lo que reciben son sus líneas pero sueltas.

Tanto JJ Abrams (director de Felicity y Alias) como los guionistas parecen haber pensado toda la historia en una sola noche de porros y mucho divague. Lo que es seguro, es que pensaron hasta en el más mínimo detalle. Ya que la hoja más chiquita de la Isla, o hasta la toma más azarosa que creamos estar viendo, probablemente, puede ser un camino al próximo conflicto que los protagonistas deberán superar.

Ese día - Natalie Imbruglia

2008-10-18T07:26:00.000-07:00

En una época personal demuchos cambios y sensaciones encontradas, decidí subir a mi espacio de ideas una de las canciones que mejor refleja esta situación tan común cuando uno empieza a estar consigo mismo, valerse de sí mismo y encontrar el camino que más prefiere seguir en este mundo.
Encontré el video en youtube, si hacen click en la frase subrayada lo podrán ver subtitulado y todo. Pero yo traduje la canción por mi parte, porque creo que es una poesía. De todas maneras, verla y escucharla a Natalie cantarla no se queda atrás.
Enjoy!

Ese día, ese día,
qué lío, qué maravilla.
Caminé hacia esa nube otra vez
Y estoy triste, triste, triste,
pequeña, sola y asustada,
anhelando pureza, una mente delicada
y un espíritu gentil.

Ese día, ese día,
qué maravilloso lío.
Esto es todo lo que puedo hacer
y me cansé de ser yo: triste,asustada
pequeña, hermosa.
Se supone que debía ser así.
Acepto todo.
Se supone que debía ser así.

Ese día, ese día,
me acuesto a mi lado
con este dolor, tristeza, miedo, insignificancia.
Trepándome, arrastrándome por la luz.
Y es todo lo que veo.
Y estoy cansada, en lo correcto y me equivoco,
y es hermoso.

Ese día, ese día,
qué lío, qué maravilla.
Somos todos lo mismo y nadie piensa eso.
Y está bien,
y soy pequeña y soy divina
y es hermoso.
Y está llegando, y ya está aquí
y es absolutamente perfecto.

Bueno, ese día, ese día
cuando todo era un lío
y todo estaba en su lugar
y hay demasiada agresión,
tristeza, insignificancia,
miedo, soledad y todo el mundo es cínico.
Y es difícil y es dulce,
pero se supone que debía ser así.

Bueno, ese día, ese día,
cuando me senté al sol
y pensé y lloré
porque estoy triste, asustada,
pequeña, sola, fuerte.
Y no soy nada y soy de verdad.
Sólo un hombre valiente puede revelarse.
Y eso está bien,
sí, todo eso está bien.

Ese día, ese día,
me acuesto a mi lado
con este dolor, tristeza, miedo, insignificancia.
Trepándome, arrastrándome por la luz.
Y es todo lo que veo.
Y estoy cansada, en lo correcto y me equivoco,
y es hermoso.

Ese día, ese día,
qué lío maravilloso.
Somos todos lo mismo y nadie piensa eso.
Y está bien,
y soy pequeña y soy divina
y es hermoso.
Y está llegando, y ya está aquí
y es absolutamente perfecto.

Ese día, ese día
Ese día, ese día
Ese día, ese día
es tan dulce.
¿Podés sentirlo?
¿Estás aquí, estás conmigo?
Puedo sentirlo
y es hermoso.
Ese día, ese día.

La vida no vale nada

2008-09-25T15:38:00.000-07:00

Tengo que ser sincera: siempre fui optimista. No delirantemente optimista, sino de las realistamente optimistas. Hasta con lo negativo intento ver las posibilidades de sacarle provecho. Y creo, que por ahora, no me fue muy mal con ello. Pero quería compartir algo que he estado pensando luego de un incidente muy menor pero del que justamente sale lo que vengo a exponerles bajo el título de este post: que la vida no vale nada.
Este año, los medios no se cansaron de pasarnos la data de cuántos accidentes fatales se daban por minuto en las rutas de la Argentina y hasta en las calles de la ciudad. Todos sabemos que los accidentes de auto son la causa de muerte más frecuente que existe. No es por seguir esa lógica, pero este miércoles, cuando viajaba de mi gimnasio amigo a mi nueva casa en Coghlan, en donde habito sola y sin INTERNET aún (por eso mi ausencia por estos pagos cibernéticos), pasó algo que me hizo reflexionar. El colectivero de la línea 76 en el que me dirigía a mi hogar pasó una barrera baja. Claro, no le pasó nada porque es más que evidente que el tren pasa por esa parte de la vía unos varios minutos luego de la bajada y de hecho, la barrera aún ni había llegado a su límite. Entonces, ¿Qué de todo ésto me llama tanto la atención? Primero, yo (personalemente yo) me preocupé porque no se partiera la barrera y abolle el colectivo. Segundo, el chofer le explicó a un caballero que lo increpó pero muy gentilmnete al respecto, que ni loco esperaba a la bajada de barrera, porque de hacerlo tenía que quedarse parado 20 minutos: "Primero pasa uno, después pasa otro y de ahí hay que esperar a que pasen dos más. Ya me los sé de memoria los horarios". Y ahí me pinchó el globo... Ese tipo no entiende nada de la vida, pero porque casi nadie de nosotros entiende nada de LA VIDA. Todos los accidentes que se dan a cada rato en materia de tránsito, son por excusas como esas. Y si son accidentes, son porque, indefectiblemente, algo termina pasando. El chofer es responsable de lo que le pase a cualquier pasajero dentro de su colectivo y eso no le importó nada. Es que de hecho, qué le va a importar el pasajero si, encima, el primero que puede sufrir una lesión (fatal) es él...
Aquí expongo: Todo el tiempo, en todos los actos de infracción de las normas de tránsito (por referirme a este caso puntual) arriesgamos nuestra vida. Eso no es noticia. Lo que pensé como razón de ello es más novedoso (por lo menso para mí): damos por sentada la vida. Claro que sí. Si ya vivimos. Si todo lo que pasa en nuestro alrededor, de hecho es porque estamos vivos. Cuando respiramos, cuando tomamos agua, o cuando nos alimentamos, no somos conciente de los actos ceremoniosos que eso supone. Porque damos por sentado el hecho de estar vivos. Entonces aunque sepamos que el cigarrillo nos caga la vida, fumamos. Aunque conozcamos las consecuencias de comer kilos y kilos de comida a lo McDonald's, lo seguimos haciendo(no hablo de hacerlo ocasionalmente sino tomarlo como un hábito). Aunque sepamos que el estrés y el sedentarismo son otras de las principales causas de muertes (por ataques cardiovasculares) no tomamos riendas en el asunto.
No estoy tratando de hacer un post moralista, sino que después de lo sucedido en el 76, me di cuenta de porqué hacemos todo ésto a pesar de... Porque damos por sentada la vida. Pensamos que la vida nos viene de arriba, de un Dios, de una madre, de lo que sea, pero la vida es algo que nosotros mismos construimos. Y claro que Keith Richards sigue vivo: no hablo de que si no llevamos una vida sana no podemos vivir como él, sino que es impresionante cómo damos por sentada la vida y no aplaudimos a 89 manos el hecho de que Keith Richards siga vivo. Porque lo damos por sentado, tanto como cuando esperamos que al levantar nuestra mano, el colectivo se detenga.

Cosecharás tu siembra

2008-08-26T19:07:00.000-07:00

Terminaron los Juegos Olímpicos de Beijing. Los segundos de este siglo (el siglo XXI comenzó en 2001). Ahora empieza la Olimpíada. Cuatro años en los cuales los deportistas de todos los rangos entrenan batiendo récords, tras rédcords, tras récords. Presentándose en infinidad de torneos regionales, locales y mundiales para vencer a los rivales, pero más que nada a sí mismos (especialmente en el caso de disciplinas tales como el atletismo o competencias individuales).
Lo demostraron muchos atletas como Usain Bolt rompiendo el récord en los 100 mts. llanos y en los 200 mts llanos. Dejando atrás por una centésima al invencible Michael Johnson que había marcado el último récord mundial en Atlanta 96 con una marca de 9.32 segundos. El jamaiquino, además conquistó a todos con su simpatía a la hora de correr. Cuando en general se los ve demasiado concentrados como para divertir a la audiencia.
Yelena Isinbayeva, la mujer que más alto saltó ayudada por su vara: 5.05 mts. Lo más interesante de la rusa, fue que aún cuando ya había ganado la medalla de oro, siguió saltando para vencer su propio récord. Armó una carpa con sus toallas antes del último salto... y su alegría y emoción en el podio fue uno de los hechos más emotivos de las coronaciones.
El fenómeno que dejó a todos atónitos: Michael Phelps. El estadounidense logró que la atención de estos juegos se colocara en la natación. Más allá de lo sospechoso que es que se rompieran récords cada 2 minutos en cada jornada de estas competencias, es indudable que tanto Phelps como su compatriota Ryan Lochte o el croata, Milorasd Cravic, tienen un talento muy particular. El europeo no se quedó con esa última medalla del americano sólo por haber deslizado sus brazos bajo el agua, cuando Michael lo hizo por el aire ganando una milinésima de segundo. En cuanto a lo de "sospechoso" las pruebas anti dopping hablarán.

En relación a los argentinos es un honor tener un equipo que mantuvo la medalla de oro como el caso del fútbol, que se lució en algunos partidos más que en otros, pero logró vencer a Brasil y puso las mejores piezas sobre la mesa. Un equipo de básquet con un nivel de compañerismo envidiable, que le pelean un partido al Dreamteam sin su jugador estrella, el genial Emmanuel Ginobili. Con un Chapulín Nocioni que sin estar en su mejor estado físico asusta a cualquier rival. El bronce fue, sólo, porque perdieron ante Estados Unidos. Es un equipo de oro. Al igual que las leonas. Tal vez no jugaron su mejor torneo, sin embargo siguen siendo la envidia de muchísimos equipos masculinos. Se llevaron el bronce de nuevo, como en Atenas 2004, con una garra eterna, típica de la mujer que llega hasta las últimas consecuencias sin decuidar lo que pasa por el cuerpo y la mente de las integrantes del equipo.
La sopresa de Paula Pareto, quien con sólo 22 años y 1,50 de estatura, nos daba una enorme alegría el primer día de competencia llevándose otro bronce.
Y la última mención va para Walter Pérez y Juan Curuchet, los ciclistas que trajeron la medalla de oro más lograda de la historia del deporte argentino. Entrenando a puro corazón, Curuchet se despidió de los torneos olímpicos a los 43 años con lo que más soñaba. Fue clave la compañía del joven Pérez. Emocionadísimos hasta la médula subieron al podio con su primer medalla en un juego olímpico después de varias buenas performances y torneos mundiales encima.
Lo que nos dejaron estos juegos, fue la misma esneñanza de siempre: no se puede seguir teniendo al deporte como un lugar alternativo de recreación de algunos privilegiados que logran acceder monetaria y atléticamente a éste. El deporte es un lugar que genera creatividad, educación, contención social y resguardo. Estados Unidos o China no obtuvieron la cantidad de medallas que obtuvieron por azar, sino porque su delegación de deportistas gozó de una política constante y estable de esntrenamiento y soporte de parte de sus Estados, al igual que nuestro país hermano, Brasil. Deberíamos preguntarnos, también, por qué es que USA privilegia a sus deportistas más exhimios con las becas a las mejores universidades del país. Eso es un resultado de la política, no un comienzo. Creo que, una vez más, las olimpíadas dejan mucho que sembrar, esperemos que se coseche más el próximo juego olímpico.

Music Box

2008-08-18T18:23:00.000-07:00

Todo aquel adicto a la música tiene muchísimas categorías y referencias a la hora de hablar de hitos musicales en distintos momentos de su vida. Ya sean músicos o aficionados, los fanáticos de la música, solemos resaltar algunos discos o momentos de las etapas de la música que nos dejan huellas grabadas de manera imborrable de nuestro transcurrir. De pronto, cuando nos alejamos mucho de, por ejemplo, cierto disco, pensamos (inconcientemente) que no lo necesitamos más, que fue bueno en su momento. Nos justificamos, tal vez, diciendo qwue ese artista ya no vale la pena. Sin embargo, cuando volvemos a escucharlo todo vuelve a nosotros.
Es el caso del disco Music Box de Mariah Carey. Hoy por hoy, volvió a enfocarse un poco más en la calidad de su música y sus últimos dos discos mejoraron bastante ante lo que estuvo haciendo en el período 2003/2005: Glitter y su seguidilla que ni vale la pena mencionar fueron fiascos en la carrera de la cantante femenina que más discos vendió en la historia. Y no sólo eso, si no que ha sido una de las vocalistas más influyentes de su época junto a Whitney Houston en su género.
Volviendo al disco de 1993, Music Box muestra a una Mariah super concentrada en lograr melodías de R&B/Pop hermosas, afinadas, que se ajusten a su perfecta técnica y dulzura vocal. Pero es importante aquí hacer una referencia a lo que vino después de este disco en su vida personal. En 1997 se separó de quien fuera su esposo y supiera lanzarla al estrellato, Tommy Mottola. Ella quiso diferenciarse de lo que su ex marido había logrado hacer con su producción musical. Desde ya que los productores de Hip Hop se asomaban como los grandes visionarios de las corrientes musicales y en ese año lanza Butterfly, su 5º disco de estudio abría las puertas para una nueva etapa en la carrera de esta jovencita: Butterfly es uno de sus mejores discos por la evolución en la composición y por el cambio en la interpretación, del cual luego abusaría y termino sacdándolo bastante brillo en sus performance.
De todas maneras es Music Box el disco que catapultó su popularidad, especialmente con la balada Hero. Este disco puede parecer muy básico ahora, pero en su momento no había muchas cantantes con esas capacidades vocales (Mariah tiene la aptitud para cantar casi 9 octavas), menos con esa edad (alrededor de 22 años) y que, encima, componía sus propios temas. Hoy me escucho cantar y por más de que me distancié mucho a la manera de "imitarla" (si se puede imitar a cantantes de ese calibre, más allá de lo que podamos pensar de su música o producto)sigo encontrando guiños constantes a cosas que Mariah hizo con su voz en ese disco. No tan gritona como en su disco anterior Emotions, un poco más madura que en su primer disco, Mariah Carey, y logrando definir un estilo más propia referido a la época: este disco es mayoritariamente un disco de baladas, sin embargo Dreamlover tiene un ritmo de hip hop muy bonito (aunque este género todavía no influenciaba para nada a esta cantante ni a nadie que no fuera negro y del Bronx); I've Been Thinking About You o Now That I Know con mucho soul y poco de dance típico de los '90 y la balada más soul del disco: Anytime You Need A Friend, donde no faltan sus armónicos inalcanzables.
Las joyas del disco: el tema Music Box compuesto en compañía de Babyface y un cover de Without You de Air Supply que supera por mucho la versión original.
Mariah ya no es la misma, pero es hermoso tenerla como una influencia y poder estudiar de su técnica y sellos propios. Está bueno escucharla...

Dreamlover - Music Box 1993

Vuelve lo sexy

2008-08-11T12:14:00.000-07:00

Ya he expresado mi fanatismo por todo el concepto Justin Timberlake. No por él, sino por todo lo que este señorito logra con apenas 27 años. Para aquellos que no se animan a vociferar que disfrutan de su pegajosísimo groove y sensualidad, aquí les mando un par de videos de su concierto perteneciente a su último tour, Future Sex/Love. Muchachas y muchachos, háganse pipi.... Tengan paciencia a que cargue (no tardan mucho) y a la intro del DVD porque vale la pena.

Summer Love

Future Sex Love Sound

Una joya de los '90

2008-07-27T12:33:00.001-07:00

Cuando Joan Osborne grabó este tema, posiblemente no pensó que fuese a tener el éxito que le trajo. Una poesía inédita sobre la posibilidad de que Dios fuese uno de nosotros. Simplemente una persona más, pero que a la hora de tomar el colectivo para volver a su casa, va hacia el cielo. Obviamente, ésto le supuso más de una polémica con los grupos cristianos ortodoxos. No tengo mucho más que agregar. El tema habla por sí mismo.
Disfrutenlo uds. mismos.

One Of Us (Joan Osborne)

If God had a name, what would it be
And would you call it to his face
If you were faced with him in all his glory
What would you ask if you had just one question

And yeah yeah God is great yeah yeah God is good
yeah yeah yeah yeah yeah

What if God was one of us
Just a slob like one of us
Just a stranger on the bus
Trying to make his way home

If God had a face what would it look like
And would you want to see
If seeing meant that you would have to believe
In things like heaven and in jesus and the saints and all the prophets

And yeah yeah god is great yeah yeah god is good
yeah yeah yeah yeah yeah

What if God was one of us
Just a slob like one of us
Just a stranger on the bus
Trying to make his way home
He's trying to make his way home
Back up to heaven all alone
Nobody calling on the phone
Except for the pope maybe in rome

And yeah yeah God is great yeah yeah God is good
yeah yeah yeah yeah yeah

What if god was one of us
Just a slob like one of us
Just a stranger on the bus
Trying to make his way home
Just trying to make his way home
Like a holy rolling stone
Back up to heaven all alone
Just trying to make his way home
Nobody calling on the phone
Except for the pope maybe in rome

Amigos

2008-07-19T11:19:00.000-07:00

Hay pocas cosas que asusten más al ser humano que la soledad. Todo el tiempo está buscando la manera de pertenecer a alguien. Ya sea algún lugar, grupo, persona, raza o equipo de fútbol. La pertenencia (que no es la mismo que la propiedad) se ancla en lo más profundo de las relaciones humanas articulándolas con las sensaciones. Sentir que somos parte de la vida de alguien: Así se configura nuestra propia vida.
Coloquémonos en la cultura occidental para hablar de este tema. La complicada y codiciosa vida de occidente se caracteriza por la dependencia (hasta económica) de las relaciones (carnales en todo sentido). El hombre busca a su media naranja todo el tiempo. Se enamora y se supone que con esa persona va a pasar, por lo menos, un período largo de su vida. Y si se asienta (settle down es la palabra precisa) con una pareja, tendrá hijos, los mandará al colegio, se jubilará y será feliz. Esa es la definición de la felicidad según los manuales del American Way Of Life.
Sin embargo es interesante hacer aquí una referencia al psicoanálisis freudiano. El ser humano es incompleto por definición. No puede humanizarse si no entra al mundo simbólico (del lenguaje). Para ello pierde toda conexión con su integridad, con su placer constante. Por eso el bebé llora cuando quiere comer, llora cuando quiere cagar y llora cuando quiere dormir; sus necesidad biológicas pierden su satisfacción. Cuando "crecemos" esas necesidades se van complejizando y lloramos por algo tan abstracto como el "no ser amados", no ser correspondidos. Según una canción de Nat King Cole, en este mundo "lo más grandioso que podemos aprender, es a amar y ser amados correspondidamente" (de nuevo, más preciso en su idioma original "to love and be loved in return"). Entonces, salimos en la búsqueda del amor de una pareja, que créanme, llega cuando menos la buscamos... ¿por qué? Porque no es esa la verdadera fuente del amor. El amor es otra cosa; ni estar enamorado, ni tener hijos, ni estar en pareja ¿Cuántos gays están en pareja con un sexo opuesto? ¿Cuántos hombres y mujeres traen niños a este vapuleado y enfermo planeta Tierra? Claro, porque el amor es otra cosa. Y la relación más humana y amorosa que funda todo tipo de extensión del amor originario es la amistad. Los amigos son la fuente de toda confianza, no incondicionalidad (eso en el mundo de las relaciones humanas a elección -excepto los lazos de sangre- no existe). Cuando uno se enamora de alguien, lentamente va creando una relación de amistad, no de amigos pero sí de amistad. De confianza, de compatibilidad en los puntos más incompatibles. Uno hasta puede enamorarse de un amigo en el sentido de "estar embelezado" por su forma de ser. Por su compañía. No por eso quiere casarse o tener hijos con éste.
Los amigos nos mantienen en la tierra. Tres de mis series favoritas de todos los tiempos marcan esto constantemente. Las tres tienen a Nueva York como locación principal ¿Será porque es una ciudad tan cosmopolita que hasta genera los vínculos más extraños en un contexto tan capitalista de enfriamiento de los lazos afectivos? Estas series son: Friends, Felicity y Sex & The City. Esta última en unos de sus capítulos introduce un concepto que es clave en todo el desarrollo de la historia: red de contención. Los seres humanos somos seres impulsivos. Racionales, sí, pero no por eso no impulsivos. Una palabra más feliz es: relacionales. A veces hacemos las cosas más arriesgadas por el hecho de tener lo que queremos y no lo que necesitamos. No está mal arriesgarse. Lo peor que se puede hacer es decirle a alguien qué a hacer o no (con excepciones, como todo) ¿Cuál es la clave de salir de esta situación más fuertes, aunque no por eso, ilesos? La red de contención. Estas tres series que nombré marcan, en su género y estilo, este eje como el dispositivo inicial de sus historias. Los amigos, la amistad, y de ahí que sea lo que se quiera. En fin, son la línea temporal de la vida. De las fantasías con las que encuadramos nuestra visión de nuestros trayectos. Algunas vez, la protagonista de Sex &..., Carrie Bradshaw, decía algo así como (no recuerdo textualmente): A la vida la llenamos de fantasías, y uno siempre quiere cumplirlas. Para eso no hay mejor que tener verdaderas amistades para soportar la realidad.

A todos los que se sientan identificados con esto: Feliz día del amigo, hoy para siempre.

Sin vencedores ni vencidos.

2008-07-17T08:31:00.000-07:00

Va a haber dos partes en este post. Una más objetiva, si quieren. Otra va a tratar de practicar una especie de terapia en mi cabecita.

Ayer, el vicepresidente de la Nación, Julio Cobos, se opuso a una medida del Gobierno, en el acto democrático de la votación en el Senado sobre el proyecto de las retenciones del poder ejecutivo. Desglosemos ésto: El vicepresidente es radical. Es cierto, forma parte de un Gobierno. Pero si no era puro chamuyo, el gobierno llamaba a la concertación y a la pluralidad cuando incluía a Cobos en la fórmula presidencial junto a Cristina Fernández de Kirchner. Entonces, de alguna manera, cuando sale una voz distinta a la de la mayoría de los integrantes del gobierno, no habría que tomar revancha. Sí sorprenderse porque no estamos acostumbrados a eso. Pero no se trata de un traidor ni mucho menos. Si no de un hombre coherente a su formación política que es justamente la que siempre se opuso a la peronista de manera legítima y partidaria.
Otro punto a pensar es la alimentación a la democracia que significa este acto. Todo este conflicto (como muchos senadores oficialistas dijeron en el recinto durante la extensísisima jornada de ayer) no es algo a lo que debamos temerle, sino de lo que debemos aprender. Si seguimos las teorías políticas se supone que el voto representativo de ayer habla por el pueblo. En lugar del pueblo. No es el pueblo. Pero cuando defendemos la democracia a la que acatamos todos cada vez que vamos a las urnas, estamos, también, teniendo en cuenta aquella condición sine qua non de las democracias republicanas. En principio, la decisión de ayer fue la mejor decisión para el pueblo. Como lo hubiese sido su contrario. Es increíble como cambian los hechos desde las distintas perspectivas, no? Lo que es bueno para uno, es terrible para otro. Eso pasa especialmente en las sociedades que se rigen por la ley del más fuerte.
El tercer punto a destacar es la sensación de exitismo que deja este hecho. Los adherentes a la postura de las cuatro agrupaciones que representaban a cierto sector del campo (llamemos a las cosas por su nombre) festejaban como si fuese la final del mundo. Como si el “No” de Cobos hubiese sido el penal que atajó Goycochea en Mundial ’90 dejando afuera a los italianos en su propio país. Los adherentes a la postura oficialista, por su parte, reaccionaron violentamente ante el Congreso. Nada grave, de todas maneras, pero es un reflejo de como se vive la política en este país. Como una pasión más.

Ahora, permítanme hacer un análisis más profundo, no subjetivo, porque no voy a hablar desde lo que a mí me gustaría, sino de lo que como estudiosa de la comunicación y de los hechos sociales contemplo.
Julio Cobos no es un traidor. El proyecto de retenciones tendría que haber sido llevado a la mesa parlamentaria muchísimo tiempo antes. A su debido momento déjenme decir. Hubo un enorme acto de soberbia en eso. No me gusta usar esa palabra porque la usan los gorilas, pero es verdad. De todas maneras, deseo con todo mi alma, que el acto de Cobos haya sido una acción en pos de la democracia y no en pos de acumular capital político. Porque cuando veo a los ruralistas gritando: “Cobos, Cobos” cuando vapulearon a este Gobierno durante 4 meses, no sé qué pensar. No porque esté arreglado con ellos, sino, peor aún, porque compartan convicciones. Y los sectores agrarios también han compartido convicciones con las clases medias gorilas, las clases altas oligarcas y los genocidas de este país. Tampoco creo que sea cuestión de tildarlos de golpistas. No, no es mi parecer. Sin embargo, no neguemos la historia. Un pueblo sin memoria es un pueblo sin historia. Y un pueblo sin historia nunca puede crecer.
En cuanto a la segunda observación que hice fue en relación a la defensa de la democracia en el Congreso. Lo que vivimos los últimos 4 meses nos hizo recordar lo que habíamos olvidado en los últimos 35 años: que existe un Congreso, que está justamente, para debatir, consensuar, renovar, perfeccionar las políticas públicas con las que el Estado quiere encauzar a la sociedad. Defiendo a la Presidenta porque dijo lo que hizo: “A la democracia se la defiende con más democracia”. Y sé que este Gobierno va a respaldar la decisión legislativa de revocar ese proyecto. Pero espero que sigan proponiendo más proyectos para el pueblo. Tengo que decir que la mujer del Ex Presidente, Eduardo Duhalde, Chiche Duhalde, dijo algo que sacado de contexto me gustó (no en el contexto que ella lo dijo): “El Gobierno debe respaldarse en actos administrativos”. A este Gobierno le faltan muchos actos administrativos. Hay tantas cosas para hacer. Pero no es fácil. Lo que le toca a hacer a este Gobierno, no se hizo en años. Me animo a decir desde la Conformación del estado nacional allá por 1880. Porque puso en agenda cosas que estaban relegadas, es más, enterradas por otros Gobiernos tanto de facto como democráticos.
En cuanto al último punto que destaqué, quiero dejar en claro que yo repudio a quienes apoyaron toda política neoliberal, dictatorial y no se redimieron ante el pueblo. Porque la política juega mucho con el armado de tácticas y estrategias y tal vez muchos personajes que uno defiende ahora, en su momento tuvieron que jugar dentro de un terreno escabroso, pero si luego supieron revindicarse –revindicarse de verdad- demuestran como el pueblo aprende (porque los representantes también son pueblo). Y en esto tengo que corregir a Néstor Kirchner en su frase del último acto oficial: “El pueblo nunca se equivoca”. Néstor, el pueblo se equivoca mucho. La hegemonía se construye a partir del consenso y si no hubo hechos contrahegemónicos que evitaran la instauración de las distintas dictaduras, de las políticas neoliberales y de los imaginarios gorilísticos es porque el pueblo se equivocó. Lo que no quiere decir que no aprenda como lo hizo en 2001. Sin embargo vuelve a equivocarse, porque siguen creyendo que los piqueteros son negros de mierda, que los piquetes del campo son hechos por gente de bien, que Mauricio Macri va a mejorar la gestión gubernamental y la política porque maneja la sociedad como si fuera una Sociedad Anónima, que la inseguridad es salir a la calle con miedo y tantas otras cosas que hablan de la mala educación. Esa educación que nos dejó nuestra historia de desigualdad. Como dijo ayer ese gran Ministro de educación que tuvimos y que hoy es senador, Daniel Filmus: “Latino América no es el continente más pobre. Es el continente con mayores tazas de desigualdad”. Lo importante es dejar de concentrar la riqueza y estoy segura de que aprobar una ley como la de las retenciones (no sé si ese mismo proyecto pero sí de ese calibre) son la vía correcta.

Wall-E

2008-07-14T12:58:00.001-07:00

Ya he hablado de la involución humana en este espacio. Esta vez voy a hacerlo con otro tono. Con el tono que me sugirió una de las películas más magníficas que he visto en los últimos 5 años: WALL-E.
Hay muchos fatores que hacen de este largometraje animado de PIXAR la joya que es: una joya entre la basura. Entre tantas basuras que pasan en los medios y entre la basura que el protagonista debe recolectar. El corto que se exhibe antes del comienzo del film también es una exhimia muestra de las obras de PIXAR.
Evitaré contar la historia porque si empiezo con esa lógica la cuento entera. Sin embargo sí quiero destacar lo que hace que esta película sea, de la mano de Buscando a Nemo y Toy Story, la que encabeza la lista en cuanto a los valores puestos en juego a nivel guión e imágenes.
Primero que nada: WALL-E. Una mezcla entre Cortocircuito y E.T: Los ojos de WALL-E son dueños de una ternura que compiten sólo con los ojos del extraterrestre. Es muy interesante ver como a pesar de ser un Robot, WALL-E se encuentra totalmente humanizado (a pesar de no hablar). No así su compañera, EVE, que viene a la tierra desde la plataforma que se encuentra en el espacio albergando a la gente que sobrevive en ella hace 700 años, dado a que la Tierra ya no puede conservar vida. De todas maneras, con el correr de la película, EVE también se teñirá de comportamientos humanos. Las costumbres del robot portagonista y hasta su relación con su mascota, la cucaracha, son dignas de cualquier persona. Sobre todo cuando se levanta a la mañana y no da pie con bola (cualquier semejanza con la autora de esta nota es pura casualidad).
Otra observación es el contexto que rodea a WALL-E. Está solo en alguna gran ciudad como podría ser Nueva York, en donde se acumulan rascacielos de cemento y de basura. Él se encarga de juntar la basura, todo el tiempo. Como cumpliendo con un horario, como cumpliendo con alguien. Cuando "accidentalmente" llega a la plataforma que se encuentra en el espacio, vuelve a tener contacto con los humanos y con muchísimso más robots. Pero estos humanos son muy distintos a los que él ve bailar en sus VHS. Son obesos ya que, por el abuso de las tecnología y del consumo, los sobrevivientes de la Tierra, se dedican a "andar" por los pasillos de la nave sobre sillas aéreas que los mantiene conectados vistualmente con gente a tarvés de un a pantallita que se les pone delante de los ojos. Como una especie de placebo, para que no pasasen por el trauma de dejar su vida normal. Desde ya que nosotros vemos a esa sociedad 700 años después de haber llegado al espacio. Todos los que hayan leido "Un mundo feliz" de Aldous Huxley van a conectar inmediatamente la situación con las descriptas en aquella obra.
Pero en el caso de esa sociedad ahogada por el consumo y el confort hasta el nivel de la alienación, en cuanto aparece WALL-E y se da la posibilidad de volver a la Tierra (aunque no sepan bien qué es lo que pasó, por lo que todos están allí y no se lo pregunten) se arriesgan. Tal vez ahí haya un defecto en la película. Sin ningún conflicto todos vuelven a la Tierra, dejando todo ese confort. Pero no es un defecto. Es un llamado a la utopía. El Coronel encargado de la plataforma comienza a averiguar lo que se supone que hay en la Tierra y queda maravillado, en cuanto ve lo que quedó de ella no puede más que sentir la necesidad de hacer algo al respecto. Y así es como esa necesiodad lo invade y sale de su silla, sin casi fuerza en sus músculos. Pero no le importa. Algo lo guía a volver a la tierra. Y WALL-E es la llave para que esa esperanza se abra una vez más.

El año de las ideas

2008-07-08T10:12:00.000-07:00

Bueno, luego de un año y 60 nentradas publicadas, este blog cumple un año. Todas las ideas agradecemos y esperamos seguir surgiendo con la misma sencillez, creatividad y humildad con lo que lo vinimos haciendo hasta el día de hoy.
Dejamos este regalo que vale la pena apreciar: Something Sally y Joss Stone con Tip Of My Tongue. La segunda, es una gran cantante pero nunca me termina de cerrar por su pose. Justamente, este video lo que hace, es sacarla de la afectación y mostrarla muy caseramente. Por primera vez le creo. Y su compañera hace lo suyo también.
Enjoy!

Melancolía de Videotape

2008-06-23T07:19:00.000-07:00

Este es el año de la melancolía. No sé si por la necesidad de cerrar ciertos temas o por la de abrir otros caminos. Son caras de una misma moneda. Pero según fuentes muy confiables (yo) muchos estamos sintiendo melancolía y necesidad de volver un poco a rever cosas que hemos vivido, desde el presente o, por qué no, volviendo al pasado.
A su vez, este año, también es parte de los últimos años, que han sido catalogados de innovadores por los avances tecnológicos, principalemente en materia audiovisual; a partir no sólo de la digitalización de los soportes sino de la información y datos que estos contienen. Sin embargo existen perlitas aún. Yo sigo con mi televisor Noblex de 20" de mi abuela del año 1985 y utilizo una VHS Panasonic que heredé de un ex novio para ver videos. En un principio grababa también, pero luego de una descompostura sólo pudieron salvarle la función de reproducción. Una pena, pero lo atesoro igual.
Con toda esta melancolía, este fin de semana, me dispuse a mirar mi video de los MTV Unplugged (uno de los tantísimos, tengo una bonita videoteca) como producto de los recuerdos que me trajo ver el último Unplugged grabado por Julieta Venegas ¿Por qué sucedió esto con el de la mexicana y no con otros últimos como el de Alejandro Sanz o Ricky Martin? Primero y principal porque no me gusta Ricky Martin y Julieta es parte de mis latinas preferidas desde hace ya doce años (muchos se creen que apareció con su disco "Sí" de 2005, pero no. De hecho Julieta Venegas comenzó haciendo música bastante más experimental y alternativa que lo que hace ahora. Y por eso ahora la llamaron para grabar su MTV Unplugged). Segundo, porque tanto el Unplugged de Alejandro Sanz como el de Maná o el de Diego Torres más que "Unpluggeds" (las comillas tienen una razón) son recitales en vivo con la única condición de ser lo más acústicos posible.
Entonces, explico las comillas: MTV Unplugged surge en los comienzo de los ´90 (puede ser que haya alguno del '89, pero no anterior). Esta serie de conciertos tenían el fundamento de ser acústicos a nivel técnico pero, además, contemplaba un concepto. El Unplugged aportaría a desglozar las canciones, desmenuzarlas, llevarlas a su estado más puro y reversionarlas justamente para simplificarlas en su máximo exponente. Sumado a eso, suponía una "cercanía" al artista en la que se lo ve despojado de parafernarias al punto de estar sentado en una silla con el micrófono y tal vez una guitarra o un piano. Algunos shows con bandas un poco más grandes como el conocidísimo y super vendido acústico de Rod Stewart junto a Ronnie Wood pero que aún así seguían mantenido el concepto de "primitivizar" las canciones. Otros ejemplos con las bandas de base como el maravilloso y también multi re platino Eric Clapton Unplugged con la desvastadora versión de Tears In Heaven a sólo dos años del accidente mortal de su niñito. Y por otro lado, los despojados totalmente de todo tipo de agregado al artista protagónico como el de Tori Amos en el que era sólo ella su piano, o su claricordio o su luriloquio. Volviendo a mis VHS, ahí me reencontré con los Unpluggeds de esa época. Anni Lennox, Sheryl Crow, Hole (Courtney Love a los pocos meses del suicidio de Kurt y la muerte por sobredosis de la bajista de su banda), REM, Aerosmith, The Cranberries. No todos estaban en mis VHS pero sí me hicieron recordar a muchos de los que pasaron por este programa como Lenny Kravitz, Alice In Chains, Pearl Jam, Fiona Apple, Stone Temple Pilots. Qué bronca me dio cuando estaba viendo el de Hole y la reproducción se vio interrupida por un el Unplugged de The Cranberries. Se ve que no me di cuenta y le grabé encima. De Annie Lennox tengo sólo la versión bellísima de Why. Tampoco sé si le grabé encima. Ja Ja Ja! risa irónica. Me quiero matar. No me olvido del de Björk. Si algo le debo a MTV fue darme a conocer en edad tan temprana a la islandesa, de quien me enamoré con sólo verla ternada (ni siquiera tocar en vivo) en los primeros MTV Video Music Awards transmitidos aquí, allá por el '94. El caso de Mariah Carey lleva al Rithym and Blues a su máximo exponente, allá por 1992, cuando Mariah no era una enferma del divismo y le importaba más impostar bien la voz, que la postura de su culo.
¿Cuál es la cuestión que diferencia radicalmente a estos Unpluggeds a los que luego se harían tan masivos como los latinos? Estos Unpluggeds no apuntaban especialmente a la difusión masiva de estos artistas que ya habían sido consagrados en los Estados Unidos o en el mundo con sus discos de estudio. El Unplugged apuntaba a humanizarlos y naturalizarlos a la vez. Los Unpluggeds latinos a partir del de Maná en el año 1999 apuntaron a abrir a la banda latina en cuestión al mercado anglosajón. Por lo que lo principal de esta serie de conciertos, que era lo conceptual, fue despojado. Ahora las canciones eran reversionadas pero para hacerlas atractivas. Ésto, en muchos casos es redimensionarlas, pero no disminuirles el valor agregado como supo ser la principal premisa del concierto acústico de MTV. Lo mismo pasó con el excelente concierto acústico de Alejandro Sanz o el del argentino Diego Torres. Demasiados arreglos, demasiada banda. Demasiado. Hubo conciertos latinos que no cayeron en esto como el de Charly y el de Illya Kuryaki, Café Tacuba o Maldita Vecindad pero de nuevo, ellos ya estaban consagrados en el mercado latino, y no fue la idea de apertura al mercado anglosajón lo que los llevó a los estudios de MTV. Lo mismo pasó con los "Unpluggeds eléctricos" de Los Fabulosos Cadillacs o Soda Stereo.
Dentro de esa camada de Unpluggeds Latinos debo hacerle una observación positiva a mi tan criticada Shakira. Dentro de todo, por más de que reversionó e hiper arregló sus temas, Shakira mantuvo el concepto de bajar la parafernaria, el número de músicos y la actitud del artista. Y el de Julieta Venegas, a pesar de los muchos arreglos en los temas, sí intenta meterse en lo primogénito de los temas como en la versión de piano y voz de "Esta Vez" que junto a la de "El Presente" me emocionan hasta la médula. Aunque también algo que marcarle a Venegas es el hecho de hacer el concierto tan largos. Otra cuestión del Unplugged que lo diferenciaba del formato de show en vivo, era que no duraba mucho más de una hora. Eso le daba unicidad.
Entonces, de nuevo, volvemos al VHS. Ahora todo se consigue rápido. Entramos a Internet y nos bajamos lo que venga. Pero estos Unpluggeds no se encuentran fácilmente. Siguen siendo casos únicos de reproducción del formato televisivo. Algunos sí se consiguen, pero no es común, Siguen siendo figuritas difíciles. Y eso pasaba antes. Es tan melancólico el Unplugged. Tanta melancolía detrás de esos VHS. La calidad de programas del MTV Latino de principios de los noventa con opciones de interacción con el público vía carta, de videos nuevos, videos viejos, videos de música alternativa, presentaciones en vivo cortas, especiales, distintas. Los insitucionales del canal totalmente surrealistas y minimalistas... Ya sé que todo evoluciona. Ya hablé de lo que opino sobre ello en mi post sobre la Involución Humana. Pero déjenme quedarme un ratito en mis VHS, que ahí era muy feliz.

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